MÚSICA GLOSADA

ROBERTO ROENA & APOLLO SOUND: «REGRESO» (1987)

El Apollo Sound fue el intento de Roena de formar su propia banda después de pasar por El Gran Combo tocando el bongó.

Como el primer día de ensayo coincidió con el lanzamiento del Apolo 11 a la Luna, Roena aceptó el nombre propuesto por el fallecido Al Albreu.

Vale la pena prestar atención a los arreglos.

Se dice que la fusión de «alto octanaje» del grupo Chicago, que ese mismo año había publicado su primer álbum, fueron su fuente de inspiración.

Personalmente, acababa de llegar a Alemania y un amigo colombiano me había copiado un casete (qué piratería tan natural la de esa época).

No puedo dejar de asociar, por eso, mi fascinación por la buena salsa clásica con el nombre del boricua Roberto Roena y su vibrante Apollo Sound.

HjorgeV 25-09-2012

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GEORGE MICHEL & WHAM!: CARELESS WHISPER (1984)

Fue también el año del inicio de la serie Miami Vice, con su estética de gigolo o puto playero italiano en elegantes tonos pastel.

(Y sin calcetines; aunque no hubiera playa. La otra versión incluía dejar a la vista los calcetines blancos de tenis entre los mocasines y el pantalón, como otro Michael.)

George Michael todavía formaba parte de Wham! -un dúo, en realidad- y aún no se había convertido en el favorito de la Policía Moral gringa.

Según su testimonio, compuso Careless whisper a lo largo de tres años mientras trabajaba como acomodador en un cine, en co-autoría con Andrew Ridgeley, el otro miembro del dúo.

El estribillo o riff del saxofón tenía inicialmente letra, pero Michael decidió eliminarla porque le parecía mejor sin ella.

Tuvo toda la razón.

Y no solo por haber sido el Nº1 de las listas de 25 países.

HjorgeV 12-09-2012

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RAJMÁNINOV: PRELUDIO EN DO SOSTENIDO MENOR

Tonalidad poco común.

Al parecer solo se conocen dos sinfonías del siglo XVIII en do sostenido menor y una de ellas fue reescrita en do menor por su autor.

En los dos siglos siguientes fueron una rareza.

La sonata Claro de Luna-sublimación de un amor imposible- popularizó esta tonalidad para el piano.

Rajmáninov se quejaba de que se le conociera principalmente por un preludio escrito en esa tonalidad en su adolescencia.

Mientras que sus obras de madurez apenas se incluían en los programas.

HjorgeV 02-09-2012

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COPAS MUSICALES: TOCATA Y FUGA EN RE MENOR DE BACH

Me encontraba buscando información sobre la ármonica de cristal, cuando me topé con este video.

Lo fascinante de ciertos actos y actuaciones verdaderamente geniales es que parecen sencillos. Fáciles de ejecutar.

Detrás de ellos se esconden cientos, miles de horas de trabajo, disciplina y entrega que luego, en una buena ejecución, no se notan como tales.

Solo en la continuidad y en la fluidez de los movimientos.

Hay que tener en cuenta, de todas maneras, que se trata de un arreglo especial.

Con todo, me ha resultado un placer escuchar este ‘instrumento’.

No ha saturado mis oídos, como sí me sucedió -lamentablemente- con la armónica de cristal.

HjorgeV 09-06-2012

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BERNARD HERRMANN: Tema de «TAXI DRIVER» (M. Scorsese /1976)

Parecía que había vuelto al camino del trabajo placentero y entusiasta con Taxi Driver.

Y eso que se había negado inicialmente diciendo: «No sé nada de taxistas».

(¿Se reconocería en el desadaptado, lunático, neurótico y depresivo taxista del guión?)

Enamorado desde temprano de la música de Berlioz, a los ocho años había roto su violín sobre la cabeza de su profesor por criticarlo.

Había trabajado con Orson Welles y Hitchcock y había huido a Europa por la banalización que perpetraba con el cine la industria de su país.

Y entonces, ya de vuelta ocho años después, había aceptado el reto de  Scorsese a pesar de que el corte jazzístico solicitado no era su especialidad.

No le importó.

Desempolvó una melodía que había compuesto para una obra de teatro y le pidió a su amigo Christopher Palmer que la trasvasara al blues.

Se lo llevó la eternidad mientras dormía, pocas horas después de grabar la partitura para Taxi Driver.

Scorsese afirmó: «Trabajar con Herrmann fue una de las experiencias más satisfactorias que tuve en el cine.»

HjorgeV 04-03-2012

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FRANCESCO TRISTANO & CARL CRAIG: THE MELODY

Me fascinan los músicos atrevidos.

Aquellos que no paran de buscarle a la música nuevas nuevas posibilidades de expresión e inusitados conductos a otros mundos.

Francesco Tristano Schlimé (Luxemburgo, 1980) debutó el año 2000 con la Orquesta Nacional de Rusia después de estudiar en Luxemburgo, Bruselas, Riga, París y Nueva York.

Años después grabó con la misma orquesta el 5º Concierto para piano de Prokofiev y el Concierto para piano de Ravel.

En Nueva York descubrió la noche y sus templos de música electrónica, su segunda piel.

Tristano es un fanático de Bach, especialmente de las Variaciones Goldberg.

Para él, a la música barroca y al techno los hermana mucho más que su gran denominador común, el bajo.

Carl Craig, co-creador y director artístico del Festival de Música Electrónica de Detroit y gurú del techno, ha dicho sobre su propio trabajo:

«Lo que intento se puede comparar a lo que hizo Miles Davis en los años 60 y 70, en los que todo parecía atemporal.»

HjorgeV 31-11-2011

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TIGRAN HAMASYAN: JAZZ SOUS LES POMMIERS (2011)

El pianista armenio se inclina sobre el teclado, como ante un dios o un espíritu superior.

Y, postrado, le suelta su alabanza o su deseo más escondido.

¿Qué le puede pedir un pianista a un piano, a la música?

Caminos, puertas, descubrimientos, pasajes, iluminaciones, reencarnaciones.

En la música, y especialmente en el jazz, es posible la redención de los errores y los pecados (musicales).

Un jazzista puede recrear un solo pasaje innumerables veces.

Como un rezo en el que estuviera permitida la alteración de las palabras y de la gramática, con la condición de cambiar cada vez de ojos.

¿O es una lucha constante buscando soltar algo que no se sabe bien qué es ni cómo expresarlo?

HjorgeV 27-09-2011

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GUSTAV MAHLER: ADAGIETTO de la 5ª SINFONÍA

Beethoven dejó de ser hace poco el compositor más interpretado en los auditorios de música clásica.

Gustav Mahler (Bohemia, actual Chequia, 1860 – Viena, 1911), , ocupa ahora ese lugar.

«La tristeza es mi único consuelo», fue otra de sus frases, notable en esta recreación de la Orquesta Mundial por la Paz bajo la conducción de Valery Gergiev. (Me quedo con la versión de Karajan y la Sinfónica de Viena, pero no me ha sido posible subirla.)

Mahler se adelantó a su tiempo con sus propuestas musicales. Sabiéndose despreciado, dijo con resignación «Mi tiempo llegará».

Poeta con la precisión de un ingeniero y la dispersión mental de un loco triste e inconsolable.

Sabiendo cercano su final, le pidió a su esposa que en su lápida pusieran:

«El que venga a verme sabrá quien fui. El resto no necesita enterarse.»

Sus auriculares, por favor.

HjorgeV 06-05-2011

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LIONEL RICHIE: HELLO (1981)

Multitalentoso artista: aparte de cantante, compositor y productor, Lionel Brockman Richie (Tuskegee, 1949) también es saxofonista.

Jugaba tan bien al tenis que pudo estudiar gracias a una beca para deportistas en la universidad de su ciudad natal.

Fue uno de los cofundadores del mítico The Commodores, inicialmente teloneros de Jackson Five, el grupo de los hermanos Jackson.

Y, justamente, con Michael y Quincy Jones, compuso en 1985 We are the world.

Con Hello, depresión amorosa hecha música, inició su carrera como solista.

En 1986 recibió un Óscar por su emblemático Say me, say you, tema de la película White nights.

HjorgeV 02-05-2011

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CAB CALLOWAY: REEFER MAN

Viendo sus movimientos, uno puede llegar a imaginarse los orígenes del rock and roll.

Calloway fue un multitalento: director de orquesta, compositor, cantante, actor y bailarín.

En realidad era un entretenedor que tenía, además, ese ángel que no se compra y muy pocos poseen en este mundo.

En los años treinta y cuarenta, su orquesta de jazz fue una de las más populares de EEUU.

Para darse una idea de los músicos que la conformaban, baste citar el nombre de un trompetista: Dizzy Gillespie (a quien Calloway echó de su banda tras un altercado confuso).

Louis Armstrong lo convenció para que se dedicara al scat. Minnie the moocher fue uno de sus temas más exitosos y el que volvió a cantar en 1980 en la película The Blues Brothers.

Cabell Calloway III (Nueva York, 1907 – Delaware, 1994), hijo de un abogado y de una profesora de música, participó en varias películas y siguió actuando hasta poco antes de morir a los 86 años.

HjorgeV 19-04-2011

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ADELE: MAKE YOU FEEL MY LOVE

Desde enero de este año ha vendido más de 2 millones de discos en su país.

Y eso, cuando la industria discográfica ya había empezado a recibir los santos óleos.

Adele Laurie Blue Adkins (Tottenham, 1988), gracias al sello independiente (XL), pudo escoger a sus productores, el diseño de sus discos, las entrevistas a dar y donde quería presentarse.

Llegó a rechazar el sueño de muchos músicos -participar en festivales-, sin eludir las presentaciones en la televisión.

Sus canciones son sencillas pero poderosas y ahítas de buen gusto musical.

Su magnífica y hermosa voz es capaz de crear cierta atmósfera soul, por medio de una serie de tics y juegos vocales que son parte de su impronta personal.

Su segundo álbum 21 (su edad al aparecer el disco) lleva 11 semanas en el Nº1 de la lista oficial de ventas de su país y su primer álbum, 19, va segundo entre los cinco más vendidos.

Algo que nadie había conseguido desde el arrase de los Melenudos de Liverpool.

Detesta ‘tuitear‘: «No quiero escribir: ‘Estoy en el baño, la comida de anoche era muy picante’. Es simplemente asqueroso.»

HjorgeV 11-04-2011

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CHET BAKER: ALONE TOGETHER (Arthur Schwartz-Howard Dietz)

Pocas son las piezas que reflejan en su contenido -sin recurrir a un texto- el mensaje de su título.

Sentirse solo estando acompañado es un estado del alma.

Chesney Henry Baker Jr., adicto múltiple y presidiario varias veces por ese motivo, sabía mucho de ese y otros estados.

Después de perder parte de su dentadura en una paliza que había recibido en un lío de drogas en el verano de 1966 y que le había obligado a alterar la embocadura de su trompeta, Baker dijo adiós a los escenarios.

Hasta que Dizzy Gillespie le dio una mano y volvió a actuar.

Después escogió los escenarios de Europa y Japón para sus andadas y sus conciertos, con regresos esporádicos a su país.

En 1988, un año después de que Bruce Weber hiciera un documental sobre su vida, se entregó a la soledad más acompañada e irreversible al caer por la ventana de su hotel en Ámsterdam.

HjorgeV 22-03-2011

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BARTH & SAMBEAT: GOOD MORNING HEARTACHE

Actuación en el Festival de Jazz de Granollers de mayo del 2008 de Bruce Barth (Pasadena, 1958) y el saxofonista Perico Sambeat (Valencia, 1962). (Qué nombre tan sonoro.)

Música exquisita.

Como desaparecida del planeta desde hace ya varias décadas.

Good morning heartache (¿cómo traducirlo?) es una composición de 1946 de Irene Higgenbotham, Ervin Drake, and Dan Fisher.

Notar el juego de transposición y travestimiento constante del dolor depresivo y el intento de levantarse el ánimo.

Algo así como reír lamentándose o sollozar riendo, pero todo muy sutilmente, y al ‘calor’ de una resaca tremenda.

Billie Holliday grabó el tema por primera vez ese mismo año. (Aquí su versión en vivo.)

HjorgeV 23-01-2011

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CHUCHO VALDÉS: CARIDAD AMARO (del álbum Calle 54)

Hubo un tiempo en el que escuché esta composición del ex pianista de Irakere varias veces al día, creo que incluso durante meses.

La fascinación también tuvo -tenía- su correlato con un momento especial (duro) de mi vida.

Pronto me di cuenta de que era un tema con tantas facetas como los altibajos de cualquier persona y eso me servía de apoyo.

Percibo que ese sigue siendo su encanto, aparte del virtuosismo cristalino de uno de los mejores pianistas vivos del planeta:

Su capacidad enciclopédica, rememorativa, esa especie de discreta melancolía disfrazada de ave de paso.

Un ave repiqueteando en la memoria, en las cuerdas de los sentimientos y en las máscaras de los géneros musicales.

Atravesando todo tipo de tejidos, fibras y dimensiones.

HjorgeV 05-01-2011

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ROBERTO GOYENECHE: NARANJO EN FLOR (Homero y Virgilio Expósito)

Una escena de la película Sur (1988) de Fernando Solana.

Un tango con letra del poeta y letrista Homero Expósito (Buenos Aires, 1918-1987) y música de su hermano Virgilio (1924-1997).

Quien lo canta es nadie menos que Roberto Goyeneche, el de las cadencias extrañas y los fraseos más bien propios del jazz (el rubato).

El Polaco Goyeneche, un grande del tango sin ser un portento vocal, fue de esos pocos intérpretes que con su estilo propio pueden engrandecer o rescatar la poética escondida de un tema.

Extraña conjunción:

Uno de los tangos más poéticos, cantado por uno de sus intérpretes más esenciales, en una película genial que ya forma parte de la historia del tango, del cine y de la misma Argentina.

HjorgeV 26-12-2010

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JOE COCKER: WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS (Woodstock, 1969)

Esta es la mítica interpretación de Cocker en Woodstock, el también mítico Festival del Barro que marcó la mayoría de edad de toda una corriente y de casi de toda una cultura musical.

Cocker, con sus movimientos espásticos y su guitarra invisible (algunos ya lo llaman el Síndrome Cocker).

Cocker, con sus varios gramos de sustancias encima y su grito desgarrador -sinónimo de liberación de la época-, apenas tenía 25 añitos en ese momento.

Después vendrían más excesos que habían empezado mucho antes, al ser expulsado de la escuela.

Pero John Robert (Sheffield, Inglaterra, 1944) se recuperó y llegó a participar en 1994 en una reedición de Woodstock, como uno de los pocos que habían estado en el festival original.

Este inglés no se ha rendido: en el 2005 sacó un nuevo álbum y en el 2007 participó en una película cantando Come together.

HjorgeV 16-12-2010

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4TISSIMO: TICO TICO NO FUBÁ (Zequinha de Abreu / 1917)

Uno se queda extasiado al ver actuar a este talentoso cuarteto del Este interpretando este chorinho brasileño de comienzos del siglo pasado.

Cuatro músicos con solo dos guitarras y todas las posibilidades de interacción conjunta, adornado el todo con detalles percusivos.

Por supuesto, gran parte de la gracia de esta interacción se debe al gusto puesto y al carisma de cada una de las cuatro personalidades involucradas, todos guitarristas virtuosos:

Dimitri Illarionov (Rusia), Nadja Kossinskaja (Ucrania), Yuliya Lonskaya (Bielorrusia) y Oksana Shelyazhenko (Ucrania) .

Pero no se debe soslayar tampoco el arreglo y el trabajo de adaptación -para cada uno de los cuatro integrantes- de Nadja Kossinskaja, la rubia del cuarteto.

Ahora, que el inmortal tema de Zequinha de Abreu (Sao Paulo, 1880-1935) termine presentado con aires flamencos o de rumba española, es un detalle que se pasa -con gusto- por alto.

HjorgeV 26-10-2010

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ANTONY: IF IT BE YOUR WILL (Leonard Cohen)

Me gustó enseguida su onda desenfadada.

Sus movimientos espásticos, tan poco vistos en este mundo dominado por la farándula y la pose.

Difícil decir hasta qué punto no se trata de una coreografía o libreto bien estudiado, tratando de disimular -de paso: es el juego- una voz portentosa.

If it be your will es una composición de Leonard Cohen, de su álbum Live in concert (1994).

Tiene mucho de canto religioso, de gospel, este tema.

Acaso porque antes de la edición del álbum, Cohen se pasó un tiempo como monje de un monasterio zen.

Antony Hegarty, por su parte, también es pianista y compositor de todos los temas de su grupo Antony and the Johnsons.

HjorgeV 25-10-2010

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ART PEPPER: (SOMEWHERE) OVER THE RAINBOW

Pepper coge uno de Mis Temas Favoritos De Todos Los Tiempos y lo pone al alcance de los dioses. Es decir, de todos los mortales. (¿No es lo mismo, después de escucharlo?)

¿Qué importa la confusión, si un solo par de sus notas bastan para salvarnos, o sea, valen más que cualquier promesa de un presidente (político) cualquiera?

¿Y su adicción a la heroína y sus estadías carcelarias?

¿Por qué un músico va a parar a la cárcel por el simple hecho de consumir una droga (actualmente) ilegal?

Para responderlo, Pepper nos ha regalado su música.

Para respondernos, Art nos lleva, tomados de su mano temblorosa, allá, a algún lugar detrás del arcoiris.

Arrodíllense para agradecerle tal perdición divina. Pónganse, por favor, los audífonos. Decir genial, sería un simple desperdicio.

HjorgeV 31-08-2010

SUSANA BACA: LOS AMANTES (Juan Pereira – Arturo Corcuera)

Poema de Arturo Corcuera (Trujillo, 1935) musicalizado por Juan Pereira.

Bellísima conjunción de poesía, composición e interpretación: Corcuera, Pereira y Baca.

Me he quedado alelado ante esta obra de arte.

En su carrera musical, Susana Baca ha sabido moverse entre el folclore puro afroperuano y la creación musical contemporánea.

Lo hace con la facilidad del que sabe moverse en diferentes aguas.

Del que sabe que cualquier música tiene las mismas raíces, lisas y profundas como las de los músculos cardíacos.

HjorgeV


JOSÉ FELICIANO: SUSANA (1984)

El tema se inicia con un solo de guitarra clásica española y pasa al ritmo latino dominante de esos años: la salsa.

Escucho los vientos salseros y me siento transportado a otra época.

¿Es Willy Colón el que toca uno de los trombones?

La canción está dedicada a Susan O’Millan, su compañera desde 1971: «Tú sabes que si no fuera por esa mujer, estaría yo por ahí como un mendigo».

Con Susan(a) tiene tres hijos: Melissa Anne, Jonathan José y Michael Julian.

Susana pertenece a Como tú quieres, uno de sus 65 álbumes grabados.

HjorgeV 17-04-2010

JANIS JOPLIN: SUMMERTIME (en vivo, Gröna Lund, Estocolmo, 1969)

Con interpretaciones como esta Janis Joplin (Texas, 1943-Los Ángeles, 1970) fortaleció su mito de alma africana metida en un cuerpo anglosajón.

Si el jazz -como la ficción escrita- es la libertad absoluta dentro de un orden absoluto, esa libertad se la jugaba Joplin al borde del abismo de sus propios tormentos personales.

Pero no era solo un alma negra lo que llevaba dentro.

Era un demonio en forma de dos potentes drogas -heroína y alcohol- que no la dejaban en paz y la perseguían implacablemente.

Para resistir al acoso de sus tormentos, Pearl tenía su libertad creativa y prestaba su voz al rechazo de una libertad robada -la esclavitud- y a uno de sus grandes rezagos, el racismo.

Su propia esclavitud a la heroína la precipitó a su temprana muerte por sobredosis a los 27 años de edad.

HjorgeV 08-04-2010

ENRICO CARUSO: UNA FURTIVA LAGRIMA (1904)

Grabación remasterizada (restaurada) del 1º de febrero de 1904 en el Carnegie Hall de Nueva York.

Caruso había estrenado esta romanza tres años atrás en La Scala de Milán, consiguiendo enfervorizar a una audiencia hasta ese momento crítica, petulante, distante y fría. Significó también su consagración.

El director (un tal Toscanini) profetizó entonces: “¡Dios mío! Si este napolitano sigue cantando así, hará que el mundo entero hable de él”.

En esa oportunidad, Caruso tuvo que cantar tres veces Una furtiva lagrima, romanza del segundo acto de la segunda escena de la ópera El elixir de amor del compositor italiano Gaetano Donizetti.

El rústico Nemorino, despreciado por Adina, la canta cuando cree que su elixir de amor (un vino barato comprado a un vendedor viajero) ha hecho por fin efecto en su amada. HjV 14-03-2010

KARAJAN: 9ª SINFONÍA DE BEETHOVEN (Parte I)

La Sinfonía Nº9 Opus 124 en Re Menor es la última sinfonía completa -y su estreno acaso también la última aparición pública- del genio alemán (Bonn, 1770-Viena, 1827).

La idea de musicalizar la oda A la alegría de Friedrich Schiller perseguía a Beethoven desde su publicación en 1786.

Finalmente, presenta su Novena Sinfonía el 7 de mayo de 1824 en el Teatro de la Corte Imperial de Viena. Han pasado ¡diez años! desde su octava.

Beethoven está ahora completamente sordo y debe leer los labios de los cantantes del coro para guiarse.

Ha subido a la tarima de espaldas al público y solo voleará cuando una de las solistas del coro -Caroline Unger- lo toma por el hombro cuidadosamente y lo hace girar para que contemple entre lágrimas el aplauso enardecido de la concurrencia.

HjV 13-02-2010


KARAJAN: 9ª SINFONÍA DE BEETHOVEN (Parte II)

Tras la presentación de su Novena Sinfonía, Beethoven, ya completamente sordo, se recluyó los tres años siguientes en su casa de Viena, enfermo hasta su muerte en 1827.

El final coral de esta sinfonía, también llamada por eso Sinfonía Coral y sorprendente para su época, es una musicalización de la oda An die Freude (A la alegría) del poeta alemán Friedrich Schiller, actualmente himno oficial de la Unión Europea.

Se dice que la música de Beethoven encarna el paso del estilo clásico al romántico en la historia de la música erudita.

Y que quiso reflejar en su última obra la épica del triunfo de las ideas de igualdad, libertad y fraternidad preconizadas por la sangrienta Revolución Francesa de 1789.

(Curiosamente, la censura oficial alemana había obligado en su momento a alterar el título original: A la libertad.)

El criterio de Herbert von Karajan(Austria, 1908-1989), según el cual toda la sinfonía (74 minutos con 12 segundos) debía caber en un solo disco, acabó con las discusiones entre la Sony y la Philips y definió el estándar de duración y el tamaño del novedoso disco compacto de entonces.

HjV 13-02-2010

MANZANERO & MANU TENORIO: AQUEL SEÑOR

Esta es una de las composiciones que más me gustan de Manzanero. Una casi olvidada, de 1975 (?), o de las menos difundidas. Debo suponer que se trata de un  dúo con el español Manu Tenorio. Bonita versión bolero-pop, siguienda la moda impuesta (?) por Luis Miguel a finales del siglo pasado. Pero me quedo con el original (aquí pueden apreciar un fragmento), que aún no ha sido subido a Youtube. (Aquí una versión del cubano Roberto Ledesma (La Habana, 1924) en la versión bolero original.) (Y aquí Manzanero en una versión del mismo tema salsa haciendo un dueto con un desconocido para mí.) HjorgeV 12-02-2010 WINGY MANONE ORCHESTRA: OJOS NEGROS (1938) Le decían  Wingy (¿alita?) porque había perdido el brazo derecho a los 10 años en un accidente tranviario. (Usaba una prótesis y podía tocar solo con el izquierdo.) Se dice que Joseph Matthews Mannone (New Orleans, 1900-Las Vegas, 1982) fue uno de los primeros músicos en utilizar el término groove en un tema de 1936: In the groove. Estar en el surco era entonces tanto una especie de mantra rítmico (groove) que marcaba la banda, como la comunión (rítmica) conseguida con los espectadores, en una época en la que los conciertos en vivo tenían otro valor. Como ha sucedido en los últimos tiempos con cool, de groove se derivó un adjetivo de moda hace muchas décadas: groovy, para designar algo excelente. De ascendencia italiana, Manone (el apellido original es con dos enes) fue, además de trompetista, cornetista, cantante, director y compositor de jazz tradicional y swing. En esta grabación de 1938, interpreta un clásico de aquellos (y de todos los) tiempos. Curiosamente, la música de Ojos Negros (Ochi Chornya), una de las canciones rusas más conocidas, proviene del Hommage Valse Opus 21 del alemán Florian Hermann publicada el 7 de marzo de 1884. HjorgeV 12-02-2010 KEIHT JARRETT: SUMMERTIME (1933) (Tokio, 1987) Parece la solitaria maratón de un hombre jadeando detrás de su intrumento, intentando no dejar caer ninguna de sus notas. Jarrett (Allentown, Pensilvania, 1945) apenas toma asiento unos momentos, la mayor parte del tiempo ejecuta su improvisación de pie, encorvado, atento a su propio paso detrás de la música. La música de Jarrett tiene la religiosidad de los hombres primitivos, de una época cuando la danza alrededor del fuego, los estertores mántricos repetitivos y el éxtasis cerebral eran las drogas más fuertes que se conocían. Summertime es un aria de la ópera Porgy and Bess del compositor George Gershwin, que su autor empezó a componer en 1933. Existe una asociación internacional de coleccionistas de esta canción, The Summertime Connection. Hasta julio de este año -que se acaba-, llevaban reunidas nada menos que 15.911 versiones de esta canción de cuna de comienzos del siglo pasado. He escuchado con entusiasmo esta mántrica versión de Jarrett y, aunque incompleta, no he podido vencer la tentación de colgarla, por si a alguien le pudiera despertar un entusiasmo parecido. HjorgeV 25-12-2009 RICARDO ARJONA: HISTORIA DE TAXI (1994) Un clásico de Edgar Ricardo Arjona Morales (Jocotenango, Guatemala, 1964), de su álbum Historias de 1994. Diez y tanto de la noche, la historia del taxista que recoge a la salida de un bar a una rubia elegante que llora. Intentando consolarla le pregunta por la lágrima negra que recorre su mejilla: «Es por un tipo que cree que porque es rico puede venir a engañarme», responde ella. «Cuente conmigo si lo que quiere es vengarse», le dice el taxista, provocando una sonrisa y unos posteriores tequilas. «¿Para qué describir lo que hicimos en la alfombra? Basta con resumir que le besé hasta la sombra. Y un poco más», dice la letra. Después, la rubia le propone llevarlo donde está el tipo con la otra para que vea que no está sola. «Mira si es grande el destino y esta ciudad es chica. Era mi mujer», culmina la letra de esta canción que Arjona grabó también a ritmo de salsa con Marc Anthony en el 2007. HjorgeV 16-12-2009 PERET ESTÁ VIVO: EL MUERTO VIVO (1969) (2009) ¿Peret reciclado, a sus casi 75 años? La llamada rumba catalana sonando perfectamente viva cuatro décadas después de la gran época de Pere Pubill Calaf (Mataró, Barcelona, 1935). Peret ha vuelto (nunca se fue) con un nuevo disco a otros tiempos: los inmigrantes forman ahora parte del decorado habitual de la ciudad. Hay africanos, latinos, hindúes y hasta una asiática bailando rumba. Tampoco falta la cita (sin semillas ni maraca) a las raíces cubanas de la rumba catalana: “Ponle la cejilla a la guitarra pa’ que suene ¡cucuchá, cuchá!” Aunque Serrat y Sabina incluyeron El muerto vivo en su disco conjunto Dos pájaros de un tiro (2008) en homenaje a Peret, se trata de un tema del colombiano Guillermo González Arenas. Las modas desvelan que lo que llevamos dentro es, en verdad, poco: más cambian la envoltura, los diseños, las formas de llevar el cabello y las ropas. La alegría que puede brindar la música, empero, puede pervivir a cualesquiera modas, cualquier escenografía, cualquier mezcla de piel. (Tienen que ver el video hasta el final.)

HjorgeV 04-11-2009

JASON CASTRO: (SOMEWHERE) OVER THE RAINBOW (1939) (2008) Llegué a esta grabación de pura casualidad, buscando un tema de Ella Fitzgerald del que alguna vez me quedé completamente fascinado y no he vuelto a ubicar. Me llamó la atención la imagen de un joven con el cabello a lo rastafari interpretando una vieja melodía hecha famosa por Judy Garland hace 70 años. Escuché una voz clara, gran musicalidad, entrega y buen gusto, con un acompañamiento minimalista y, además, discreto. ¿Quién es?, me pregunté. Jason René Castro (Dallas, Texas, 1987), hijo de los colombianos René y Betsy Castro, ya no es un desconocido en su país. Su página en inglés de la Wikipedia es impresionante: futbolista de la selección de su colegio, percusionista y autodidacta de la guitarra, estudiante con buenas notas de Ciencias de la Construcción en la TAMU (Texas A&M University). Castro, uno de los finalistas del American Idol del año pasado, cantó acompañado de su ukulele (recordando el estilo del hawaiano Israel Kamakawiwo’ole) esta composición de Harold Arlen y E.Y. Harburg, tema de la película El mago de Oz (1939) en la que actuaba y cantaba la gran Garland. Una canción y un artista que demuestran que los límites de la música como expresión humana son positivamente inciertos por más que se trate de un tema de los llamados ‘escapistas’. Música para recuperar la confianza en la Música y los nuevos músicos.

$HjorgeV 14-10-2009

LOS ÁNGELES NEGROS: TANTO ADIÓS (1969) ¿Qué le faltó a este tema para convertirse en un éxito mayor? (Se trata del único video que he podido encontrar en la Red.) El grupo chileno se había formado en San Carlos, una pequeña localidad agrícola de 50.000 habitantes a 400 km al sur de Santiago y algunos de sus miembros terminaron estableciéndose en México en la siguiente década. Desde su fundación en 1967 hasta ser conocidos en Ecuador, Perú y Argentina (se dice que en este país sin haber vendido un solo disco) transcurrieron solo dos años, algo extraordinario para la época. Tanto adiós es composición de Orlando Salinas, autor de otro de los temas del grupo que más me fascinan, Yo sé que estás. Ambos pertenecen al álbum Y volveré de 1969, que contiene sus canciones más conocidas como El rey y yo, Murió la flor y Como quisiera decirte. Óscar Germaín de la Fuente Maureira (San Carlos, 1947), el vocalista emblemático de los Ángeles, miembro no fundador y solista desde 1974, ha vuelto a los escenarios.

$HjorgeV 05-07-2009

EMMANUEL: TODO SE DERRUMBÓ (1980) Atención al comienzo sinfónico. Qué épocas. Canciones verdaderamente sentidas. ¿Quién componía entonces pensando en si su tema podría ser considerado demasiado triste? Ciertos movimientos del artista podrán parecernos ahora fuera de lugar. Pero no mucho antes millones de jovencitas adolescentes y no tan adolescentes de todo el mundo habían vibrado con el cadereo de Elvis Presley. Jesús Emmanuel Acha Martínez (Ciudad de México, 1955) grabó el álbum, Íntimamente (1980), al que pertenece esta canción, en coautoría con Manuel Alejandro. Emmanuel no solo continúa componiendo y grabando, también colabora activamente con el ecologismo de su país a través del Movimiento Hombre-Naturaleza. HjorgeV 05-06-2009 KURT ELLING: NATURE BOY (1947) (Sydney, 2008) El arte de Elling es algo impensable para nuestros tiempos. Cultor del skat –improvisación vocal jazzística-, lo hace en un registro –barítono- nada usual para este género apenas conocido. Se dice que su registro de barítono alcanza las cuatro octavas. En esta grabación hecha en la Opera House de Sydney, Australia, y acompañado de la Orquesta Sinfónica de dicha ciudad, aborda el mítico tema de eden ahbez (el compositor ermitaño exigía que su nombre se escribiera con minúsculas). Su estilo desenfadado, sin poses de gran artista -a pesar de serlo-, emotivo y tendiente a lo natural, forma parte de su forma de ver las cosas. “Quiero que la gente se sorprenda, se conmueva, ría y recuerde algo importante que habría olvidado de otra manera; quiero darle lo que necesita”, son sus palabras.

$HjorgeV 05-06-2009

ANTONÍN DVOŘÁK: SINFONÍA DEL NUEVO MUNDO (1er Movimiento) Cuando el checo Antonín Dvořák (Nelahozeves, 1841-Praga, 1904) escribió sus obras, el cine recién empezaba a nacer. Sin embargo, qué luminosa nos parece su composición. Brillante en el sentido cinematográfico también: luz para la escena. Su música nos abre los ojos ante la oscuridad: ensueño y realidad, epopeya y drama, pulso vital y tragedia. Dvořák sabía abrir con un bisturí el alma de sus oyentes, pero solo para inyectarle más embrujo y placer del suyo. Vertientes, valles y abismos; precipicios, colinas, playas y océanos; multitudes y soledades borbotean en nuestra imaginación a través del instante musical. Un verdadero nuevo mundo que nace a cada compás bajo el mando del gran Herbert von Karajan. HjorgeV 26-05-2009 BILL EVANS: MY FOOLISH HEART (1964) Su aspecto de delgado profesor universitario sentado al piano por una cuestión de cortesía. El tímido profesor desconcertando a alumnos y colegas con su poesía, droga celestial en forma de música. Fue el único blanco de la banda de Miles Davis en su época. Famosa su capacidad casi telepática para comunicar con sus músicos acompañantes, una necesidad que lo llevó alguna vez a ‘consumir’ 6 bajistas y 4 bateristas en apenas dos semanas. William John Bill Evans (Nueva Jersey, 1929-Nueva York, 1980) murió al mes de cumplir los 51 años. Tras haber conseguido dejar la heroína recayó en la cocaína y otras drogas. Su salud poco fuerte, su hígado maltratado por el alcohol, sus úlceras estomacales y una pulmonía fulminante terminaron pasándole la cuenta a uno de los más importantes pianistas de jazz del siglo XX. HjorgeV 23-05-2009 EVGENI KISSIN: SUEÑO DE AMOR (Franz Liszt) Ciertamente, Kissin (Moscú, 1971) (también Yevgeni Kisin) ha madurado. De ser el niño impaciente por mostrarle al mundo su indiscutible talento, parece haberse centrado finalmente más en el Qué y el Cómo que en el propio Quién. Liszt (Raiding, 1811-Baviera, 1886), por su parte, nacido en el Reino de Hungría, Imperio Austríaco, en territorio de la Austria de hoy, fue un virtuoso pianista y director de orquesta, además de autor de una extensa e importantísima obra musical. Alumno del mítico Antonio Salieri y de Czerny (discípulo de Beethoven), fue sometido por su padre a una rígida disciplina de estudio que incluía varias horas diarias de ejercicios de escalas con el metrónomo y transposiciones de fugas de Bach. Obsesionado por caer bien a la nobleza de su tiempo, y romántico incurable, Liszt cultivó géneros y estilos musicales diversos. Sueño de amor es una de las obras más apreciadas y características de su ser musical. HjorgeV 01-04-2009

GEORG FRIEDRICH HÄNDEL: ALELUYA (del oratorio El Mesías)

El coro infantil de la catedral de Poznan de Polonia interpretando el Aleluya de Händel.

He escogido este video -entre los diversos que circulan por la Red- por su vitalidad, brillo y frescura.

El genio del Barroco escribió su oratorio El Mesías en 1741 en apenas 3 semanas, en la ciudad en la que pasó los últimos 30 años de su vida, Londres.

El Aleluya es el coro más conocido de este oratorio, posteriormente convertido en ópera.

A punto de cumplirse 250 años de su muerte, la ciudad alemana de Halle ha anunciado la reapertura de su casa natal, hoy convertida en museo.

Georg Friedrich Händel, quien había pasado a llamarse George Frideric Haendel al convertirse en súbdito británico, murió un día como hoy, Sábado Santo, el 14 de abril de 1759.

HjorgeV 11-04-2009

PROCOL HARUM: A WHITER SHADE OF PALE (1967)

Con su blanca palidez en los países de habla hispana, fue el primer y único éxito de una banda londinense formada ese mismo año.

El nombre del grupo se eligió a partir del nombre mal entendido por teléfono del gato del poeta Keith Reid –Procul harum, con u en latín- y que tendría que haber sido Procul his.

Gary Brooker, según propia confesión, se habría inspirado en la música de Johann Sebastian Bach para su composición.

(En el 2005 el teclista Matthew Fisher demandó a Brooker y a la banda por considerar que él había compuesto la mitad del tema y se le reconoció el 40% de los derechos de autor.)

Si es posible distinguir la influencia bachiana en el sonido del órgano del preludio y en la melodía que sirve como estribillo, por otra parte, la letra de Keith Reid es un claro vuelo psicodélico de la época.

Me atrevería a decir que el título y la letra aluden a la palidez del rostro de alguien que se ha pasado de vueltas (sobredosificado) con alguna droga.

De alli, también, la letra tan misteriosa de uno de Mis Favoritos de Todos los Tiempos.

HjorgeV 28-02-2009

PHIL COLLINS: ANOTHER DAY IN PARADISE (1989)

Uno de esos temas que se escuchan, se quedan en la memoria y muchos desconocen –tal vez llevados a la confusión por el título- que se trata de crítica social.

A Philip David Charles Collins (Londres, 1951) le regalaron a los 5 años una batería de juguete y a los 12 una profesional.

En 1970 un grupo desconocido y principiante puso un anuncio en el Melody Maker buscando un baterista, y Collins se presentó a la audición en la casa de los padres de un tal Peter Gabriel.

Cuando en 1975 ese mismo Gabriel abandonó el grupo para seguir su carrera en solitario, Collins ya llevaba unos cinco años tocando la batería, componiendo y haciendo arreglos para Genesis.

Entonces, el tímido Phil que bien podría haber terminado como actor profesional, pasó a ocupar el puesto de cantante.

Existe una anécdota del paso de este músico londinense -quien lleva más de 100 millones de discos vendidos- por esta ciudad.

Obligado una vez a hacer de músico callejero en la zona peatonal colonesa como parte de una apuesta televisiva, fue ignorado por los peatones apresurados.

Collins lo aprovechó para hacer un homenaje a esos miles y miles de músicos de todo el planeta que se pasan la vida musicando sin que les llegue el éxito comercial.

HjorgeV 23-02-2009

PINO DONAGGIO: YO QUE NO VIVO (SIN TI) (1965)

Io che no vivo (senza te) es el título original en italiano.

Se presentó en el Festival de San Remo de 1965 cantada tanto por Jody Miller, como por su compositor, Pino Donaggio (Venecia, 1941).

La letra pertenece a Vito Pallavicini (Vigevano, Italia, 1924-2007), traductor y letrista de otros autores como Al Bano, Nicola di Bari y Toto Cutugno.

Pasó al inglés como You don’t have to say you love me, grabada entre otros por Elvis Presley.

Una de Mis Canciones Favoritas de Todos los Tiempos.

HjorgeV 22-02-2009

ADRIANA VARELA: LOS MAREADOS (Enrique Cadícamo & Juan Carlos Cobián)

La voz de Beatriz Adriana Lichinchi (Avellaneda, 1952) está en el límite perfecto que separa las voces oscurecidas por el tabaco y las destrozadas por él.

Es difícil desprenderse de la constante impresión de que en cualquier momento su canto puede transformarse de golpe en un rock duro, pero maleable como un buen tango bailado.

De este tema de Cobián y del letrista ‘oficial’ de Gardel se dice que se llamaba originalmente Los dopados y que aludía a drogas más fuertes que el alcohol del champán.

Debo imaginar a la misma Blanca Andina que esclarece otro tango famoso: A media luz. (“Hay de todo en la casita: almohadones y divanes, como en botica, cocó”.)

De ella misma y del tango Adriana Varela ha dicho:

“Es que soy vehemente y a veces me tengo que neutralizar sobre el escenario porque el tango también es vehemente y si le pones más vehemencia de la cuenta el tango se convierte en dulce de leche, en almíbar”.

HjorgeV 22-02-2009

BRUCE BARTH & PERICO SAMBEAT: GOOD MORNING HEARTACHE

Grabación en vivo del 16 de mayo del pasado 2008 en el Festival de Jazz de Granollers.

¿Cómo traducir heartache?

Es una de esas palabras que, traducidas, pierden todo su encanto y hasta su sentido de ser.

Y tal vez, por eso mismo, en esos casos se agradece que los instrumentos musicales no sepan hablar.

Pedro Perico Sambeat (Valencia, 1962) empezó de niño tocando piano para, después de pasar por la flauta y por la escuela jazzística Taller de Músics, terminar aprendiendo autodidactamente el saxofón.

En su segundo disco, Punto de partida (1991), fue acompañado por el desaparecido Tete Montoliu y trabaja, entre otros músicos, con Pat Metheny y con Bruce Barth, el pianista de esta grabación.

Sambeat acaba de grabar Flamenco big band -todas composiciones propias-, cuyo nombre lo dice todo.

HjorgeV 26-01 2009

RACHELLE FERRELL: AUTUMN LEAVES (1989)

Voz genial. Sentido musical celestial. Registro vocal no terrestre.

Exorcismo musical contemporáneo, exploración verbal rítmica y psicoanálisis gutural.

El skat elevado a la categoría de espectáculo y extasis ritual. Y un timbre de voz que ya quisieran muchos cantantes simplemente comerciales.

¿De qué planeta musical ha llegado esta mujer que parece estar inventando una nueva forma de expresión cuando canta?

Rachelle Ferrell (Pensilvania, 1961) empezó a cantar a los 6 años; después de estudiar violín, se dice que llegó a dominar el piano de forma profesional siendo todavía una adolescente.

Su primer álbum First Instrument (1990) apareció solo en el Japón.

HjorgeV 23-01-2009

LUIS AGUILÉ: VEN A MI CASA ESTA NAVIDAD (1969)

Un jovencísimo Aguilé con uno de los temas populares más emblemáticos de estas fiestas de fin de año en nuestra lengua.

Luis María Aguilera Picca (Buenos Aires, 1938) emigró en 1963 a España y aún sigue activo.

Se dice que ha grabado más de 800 canciones, la mitad de su propia pluma, entre las que se encuentran esta.

Recuerdo especialmente este tema por ciertos años de mi adolescencia.

No vayas solo por esas calles queriéndote aturdir…

A pesar de no ser creyente, me gustaba acompañar a un grupo de amigos en plena Nochebuena.

Con ellos, tocábamos las puertas de los vecinos, conocidos y demás amigos para saludarlos con un fuerte abrazo.

HjorgeV 24-12-2008

BADEN POWELL: MAÑANA DE CARNAVAL (Luis Bonfá / Antonio Maria) (París, 1999)

Un Powell casi recuperado de su vida disipada, pero a un año de su partida definitiva, interpretando el tema que Bonfá y Maria compusieron para la película Orfeo negro (1959).

En 1983 había llegado a la localidad alemana de Baden-Baden (seguramente fascinado por el nombre), donde pudo asentarse a vivir tranquilamente con su familia.

Perseguido hasta entonces por el alcohol (o al revés), una vez en el retiro, consiguió recobrar la tranquilidad necesaria para enfrentarse a la creación artística.

En 1988, regresó un Baden Powell de Aquino (Río de Janeiro, 1937-2000) nostálgico y cambiado, maduro y emprendedor al Brasil. Volvía con una maleta cargada de nuevas composiciones, inquietudes e ideas.

El año de su muerte, publicó Lembranças (Recuerdos) y estuvo trabajando en diversos proyectos hasta que una neumonía provocada por un ataque diabético le tocó la caja de resonancia de su guitarra inmortal.

HjorgeV 17-12-2008

LOS INDIOS TABAJARAS: MARÍA ELENA (1933 / Lorenzo Barcelata)

Existe una leyenda alrededor de estos dos hermanos brasileños, según la cual habrían sido el tercer y cuarto hijo del cacique tabajara Mitanga del nordeste de Brasil.

Una guitarra perdida de un turista habría llegado de casualidad a las manos de Mussapere -o Musaperi- y Erundi -o Herundy-, quienes inicialmente la habrían tomado por un arma de fuego.

Autodidactas, tras pasar por Río de Janeiro, contratados por un astuto empresario como cantores de melodías de su pueblo, recorrieron Sudamérica por espacio de seis años con sus atuendos y plumas indígenas.

Tras establecerse en México, adoptaron sus nuevos nombres –Antenor y Natalicio Nato Moreyra Lima- y se dedicaron a tomar clases serias de guitarra.

La digitación limpia y veloz, y un vibrato –por lo general de tres cuerdas a la vez- inconfundible, era la especialidad de Nato Lima, quien aún debe vivir y actuó con regularidad hasta el año 2000. Antenor lo acompañaba.

Su primer álbum, con el título del mismo tema del mexicano Lorenzo Barcelata, compuesto en 1933 y con el que alcanzarían la fama mundial –María Elena-, lo grabaron para la RCA en 1957.

María Elena permaneció en EEUU en 1962 nada menos que 14 semanas entre los diez primeros de las listas.

HjorgeV

ISMAEL SERRANO: CASANDRA

Es como un Serrat pasado por el túnel del tiempo en dos sentidos.

Por una parte, su vibrato -más que su timbre de voz- tiene bastante parecido con el Serrat de hace unas décadas.

Por otra, su estilo más sofisticado, el tipo de canciones y arreglos que utiliza, y los estilos que amalgama, lo distancian –alejándose hacia el futuro- de la matriz.

Ismael Serrano Morón (Madrid, 1974) es un cantautor bastante conocido en Latinoamérica y se declara influenciado por Serrat, Sabina, Silvio Rodríguez y el poeta Mario Benedetti.

Le canta al amor, al desamor y a los problemas del mundo.

Se inició con canciones netamente de protesta, en sus tiempos de estudiante de Física, carrera que no terminó. Para el bien de la música.

HjorgeV 02-11-2008

ROBERTO CARLOS: NAMORADINHA DE UN AMIGO MEU (1966)

Un joven Roberto Carlos cantando para la televisión brasileña en 1967.

Entonces ya era el líder indiscutido de la llamada joven guardia brasileña.

Y había presentado en 1965 un programa televisivo junto al lado de Erasmo Carlos llamado, justamente, Jovem Guarda.

Este tema lo compuso Roberto Carlos en el año en que su amistad y asociación musical con Erasmo Carlos se habían resentido y no se sabía si volverían a trabajar juntos.

¿El nombre del álbum al que pertenecía?

Roberto Carlos. El mismo título que llevan casi todos sus 54 álbums publicados.

HjorgeV 24-10-2008

LEO DAN: LA ENAMORADA DE UN AMIGO MÍO (1966-67?)

Desconocía esta versión de Leo Dan del tema de Roberto Carlos.

Interesante escuchar la frescura de la voz del joven cantautor de Santiago del Estero y haciéndolo en esta oportunidad con una composición ajena.

Leopoldo Dante Tévez (Atamisqui, 1942) ya era conocido y había compuesto grandes temas como Santiago querido y Cómo te extraño mi amor.

No sólo eso, ya había actuado en dos películas que llevaban justamente el nombre de estas dos últimas canciones.

Se dice que existen más de 2.000 composiciones suyas.

HjorgeV 24-10-2008

FITO PÁEZ: TU SONRISA INOLVIDABLE (1999)

Este un tema de su álbum Abre de 1999, con temas solo suyos que editó después de la frustrada relación laboral con Joaquín Sabina y el naufragio de Enemigos íntimos.

En una entrevista reciente Fito Páez ha contado que “esta canción era una suerte de vals, era un tres cuartos”.

Llamó al músico peruano Lucho González y le dijo: “Mirá, Lucho. Me duermo en este tema, me duermo grosso y quiero meterle onda”.

“Y vino Luchito a la casa y como él es tan perfeccionista, se fue de la casa a las once de la noche. Con el arreglo terminado.”

Curiosamente, la letra de esta canción rememora lugares de la capital de España a pesar del ritmo de marinera peruana: bordoneo, palmas y cajón incluidos.

Vamos a caminar por el Retiro. Vamos que hoy en Madrid hay rico frío.

Vamos al sol así por Castellana. Algo quedó pendiente aquella vez.

No puedo dejar de ver una especie de secuela o segunda parte de Un vestido y un amor en esta canción.

HjorgeV 10-10-2008

LEO MARINI: MARINGÁ (~1952) (solo audio)

De paso por Mendoza, el tenor lírico español Juan Díaz Andrés, atiende unos ruegos y termina enseñándole a lo largo de todo un año el oficio a un joven aprendiz.

En 1941, ya con el nombre artístico de Leo Marini, ese joven viaja como cantante a Valparaíso y Viña del Mar. En 1942 se dirige a Buenos Aires y dos años después filma su primera película en Chile.

Era la época de oro del bolero y el triunfante Alberto Batet Vitali (Mendoza, 1920-2000) llega a ser llamado tanto El bolerista de América, como La voz que acaricia.

Moviéndose ya cómodamente como una gran estrella de la canción romántica por todo el continente, en 1951 viaja a La Habana para unirse a la Sonora Matancera.

Frutos de este encuentro son clásicos como Dos almas, Historia de un amor y Maringá.

En 1952 filma ¡Qué rico el mambo!, su tercera película, este ensoñador de señoras del que muy pocos sabían que era argentino.

HjorgeV 06-10-2008

HÉCTOR LAVOE & WILLY COLÓN: TODO TIENE SU FINAL (en Panamá, 1973) Es una verdadera pieza de arqueología este video. Noten que un jovencísimo Lavoe, con las maracas en la mano, canta frente a dos micrófonos pegados con gutapercha. Estos son los comienzos de la Salsa: dos iconos del género haciendo historia en mínimas condiciones. Aprecien también el carácter casi elegiaco de los trombones. Y su contrapunto y descarga final (!). ¿Y el solo de piano? Esta composición de Willy Colón –con barba, bigotes y patillas, y que también hace los coros- es todo un réquiem. Quién podría pensarlo en un género bailable como la salsa.

HjorgeV 25-09-08

TONINHO HORTA & ALEX ROCHA QUINTETO: MANOEL, O AUDAZ

Fue guitarrista del gran Milton Nascimento.

En el 2004 conmemoró sus 40 años en la bohemia, perdón, en los escenarios, con un disco grabado en vivo en un teatro de Belo Horizonte.

Antônio Maurício Horta de Melo (Belo Horizonte, 1948), guitarrista y compositor de temas como Beijo partido y Bons amigos, es dueño de un estilo muy particular.

Ha sido considerado por el mismo Path Metheny –con quien también ha grabado- como uno de los más talentosos guitarristas del mundo.

HjorgeV

LJILJANA BUTTLER: EL ALMA GITANA DEL ESTE

En estos tiempos de grandes sorpresas musicales étnicas, no podían faltar los representantes del Este.

A sus 63 años, Ljiljana Buttler Petrović (Belgrado, 1944) no tiene ningún empacho en afirmar que no actúa enfundada en pantalones de deporte por consejo de su productor y que canta “como le sale”.

La llamada Alma Gitana del Este ha contado que de niña, cuando se ganaba la vida vendiendo flores en la antigua Yugoslavia, se colaba a los cines para ver cantar a Sarita Montiel.

En el 2002, el productor bosnio Dragi Sestic la rescató del olvido y la convenció para grabar The mother of gipsy soul.

“Yo tuve la suerte, pero son muchas las cantantes gitanas que siguen en la oscuridad.”

Como se ve, la historia es más o menos la misma y, sin embargo, sigue sin ser aprendida.

En la época de Tito se continuó la marginación de los gitanos, prohibiéndoseles, incluso, asistir a la escuela. Ella fue una de esas víctimas.

La desastrosa Era Europea Berlusconi, esperemos, por lo menos será fructífera en cantantes.

HjorgeV

ROBERTO ROENA Y SU APOLLO SOUND: REGRESO (1987)

Es la única versión que me ha sido posible hallar de este inmortal tema de Roberto Roena, del álbum del mismo nombre, Regreso (1987).

(Me imagino que se debe tratar de la exhibición de una academia de baile.)

Acompañó mis primeros años alemanes y era uno de los temas que escuchaba obsesivamente en mi walkman, de un casete que ya no sé quién me había regalado.

El Señor Bongó, aparte de percusionista y excelente bailarín, fue beisbolista y uno de los miembros fundadores de El Gran Combo.

Roberto Roena (Puerto Rico, 1940) formó su Apollo Sound, coincidiendo con el lanzamiento del cohete Apollo 11 en 1969, con la primera misión tripulada que llegaba a la Luna.

¿Tú creías que esto terminaba?. pregunta el cantante.

Lo natural no termina.

HjorgeV

RUBÉN BLADES: PLÁSTICO (del álbum Siembra, 1978)

Fue una especie de himno de toda una generación universitaria progresista de mi país.

¡Cómo queríamos evitar a todo precio no volvernos nunca plásticos como la pareja de la canción!

Gente que vendió por comodidad su razón de ser y su libertad.

¿Lo conseguimos?

Personalmente, acababa de descubrir que ¡las ideas también se podían bailar!

Rubén Blades Bellido de Luna (Ciudad de Panamá, 1948) lleva grabados más de 20 discos y sigue en activo como músico, robándole tiempo a su actual puesto como titular del Ministerio de Turismo de su país.

Este panameño de apellido anglosajón, hizo lo mismo en sus tiempos de estudiante hasta graduarse de abogado en 1974.

El éxito le llegó al juntarse con Willie Colón para publicar Metiendo mano en 1977.

El álbum Siembra (1978) contiene también el que tal vez es su tema más emblemático: Pedro Navaja.

Recuerda se ven las caras, pero nunca el corazón.

HjorgeV

LA PAQUERA DE JEREZ: BULERÍAS (1988)

Notar que apenas hay un instrumento, una sola guitarra, y el resto de acompañamiento lo hacen las palmas marcando diferentes acentos.

Francisca Méndez Garrido (Jerez de la Frontera, 1934-2004), de padre gitano y madre paya, cantaba ya desde niña en donde podía para apoyar la economía de su familia de ocho hermanos.

Llamada la Reina de la Bulería, cantó de todo –salvo las peteneras- con su voz desgarrada, pasional y nervuda.

Cultora de un género marginal y reservado a un público más bien selecto, apenas conoció la suerte de otros cantantes flamencos que sí supieron sacar provecho de las nuevas tecnologías difusivas.

Allí está ella, dice el presentador, como las madres consoladoras.

HjorgeV 01-09-2008

(LOS) CHALCHALEROS: SAPO CANCIONERO (1974?)

Ellos llaman música nativa a lo que cantan: zambas, chacareras, gatos, chamamés.

Este grupo folclórico argentino formado en Salta en 1948 llegó a grabar cerca de 50 discos.

¿Qué formaciones musicales existen hoy en el mundo con tanta antigüedad?

Sus canciones acompañaron mis años de estudiante universitario y me sé de memoria varias de su repertorio.

No es falso lo que dicen en la entrevista previa del video. También en el mismo Perú no éramos pocos los que queríamos cantar como los Chalchas.

¿Escucharán los jovencitos de hoy a estos dinosaurios musicales del norte de la Argentina?

¿Sabrán encontrarle el gusto telúrico a sus canciones?

HjorgeV 09-08-2008

DANIEL BARENBOIM / FILARMÓNICA DE BERLÍN: 5ª Sinfonía de BEETHOVEN

De la música clásica, esta es una de las piezas más conocidas por el público en general.

Barenboim (Buenos Aires, 1942) es un artista comprometido con su época, un pianista y director de orquesta que posee cuatro nacionalidades que hablan de su forma de ver el mundo: la argentina, la española, la israelí y la palestina.

En el 2001 causó un gran revuelo en Israel al atreverse a desafiar un gran tabú, interpretando con la orquesta de Berlín una pieza de Richard Wagner, un compositor conocido como antisemita y cuya música fue utilizada por la propaganda nazi.

Aparte de varios Grammys, este argentino ilustre ha sido embajador de la ONU y ha recibido una serie de premios tanto por su música como por su coraje y su trabajo sociopolítico desinteresado en busca de la concordia de los pueblos.

Con el filósofo palestino-usamericano Edward Said, ha creado la Orquesta del Diván de Oriente y Occidente (West-East Divan Orchestra) que reúne a jóvenes talentos árabes, palestinos e israelíes.

Dirigirá la Orquesta Filarmónica de Viena durante el Concierto de Año Nuevo de esa ciudad en el año 2009.

HjorgeV 13-08-2008

ELLA FITZGERALD: SUMMERTIME (Berlín, 1968)

Tenía un apellido que bien podría ser alemán.

Ella Jane Fitzgerald (Virginia, 1917-Beverly Hills, 1996) era, es, dueña de una de las voces más impresionantes y más humanas que se conocen.

Crecida en un ambiente de pobreza permanente –llegó a ser internada en un reformatorio-, a los catorce años se quedó huérfana de padre y madre.

A los dieciséis se presentó a un concurso de baile en el histórico Apollo Theater de Harlem –templo musical afroamericano-, pero le temblaban tanto las piernas al salir al escenario, que se puso a cantar.

Empezó su carrera como solista después de probar como directora de orquesta –por la muerte del director Chick Webb- sin saber leer partituras.

Su facilidad para el fraseo, su registro vocal de tres octavas y su facilidad improvisatoria contribuyeron al desarrollo y la fama de la técnica del scat.

La diabetes que padecía la dejó ciega y le hizo perder ambas piernas en 1993.

Tres años después nos legaba su voz para siempre, la que muchos –como el que esto escribe- consideran tal vez como la mayor cantante de todos los tiempos.

HjorgeV 09-08-2008

JANIS JOPLIN: SUMMERTIME (Estocolmo, 1969)

Después de aprobar sus estudios secundarios, a los 17 abandonó el hogar familiar con la férrea meta de convertirse en cantante.

Janis Lyn Joplin (Texas, 1943-Los Ángeles, 1970) llevaba un alma negra que en la música llegó a encontrar cierto alivio existencial, creando un particularísimo estilo por el que se la denominó la Reina del Bluesrock.

Sucumbió a las subidas y bajadas del carrusel que impulsaban las drogas como el alcohol, la heroína y la cocaína, además de la fama temprana, el rechazo de sus padres y su incapacidad para fijar lazos emocionales.

Su cuerpo no pudo soportar los rigores que un lema de la gran época hippie que vivió, propagaba, y que se podía traducir como “Vive deprisa, ama con ímpetu y muere joven”.

El primero de octubre de 1970 escribió su testamento en Beverly Hills.

Tres días después era encontrada muerta en su habitación del hotel Landmark en Los Ángeles, víctima de una sobredosis de heroína y alcohol, la causa oficial de su deceso.

Tal como lo había querido, 200 personas celebraron una fiesta salvaje en su honor con los 1500 dólares que había dejado para tal efecto antes de morir.

HjorgeV 09-08-2008

SIN LÍNEAS EN EL MAPA: PALOMITA DE BARRO (Daniel Kiri Escobar)

Se trata de un grupo formado por músicos venezolanos, argentinos y peruanos.

Se denominan a sí mismos de fusión latinoamericana.

Es la versión más ‘seria’, de cámara, por así decir, o simplemente más moderna de los grupos que durante más de tres décadas siguieron los pasos de grupos como Inti Illimani de Chile y Savia Andina de Bolivia, por nombrar un par de ellos.

Daniel Kiri Escobar, el compositor de este tema, es un contestatario, carismático y afable cantautor limeño que volvió al Perú después de quince años de estadía en Europa.

Su Palomita de barro es uno de los más bellos himnos de los años 70, dedicado a las mujeres provincianas inmigrantes de Lima.

Su estructura y su línea melódica, a caballo entre un huayno y una canción, ha favorecido la proliferación de versiones claramente diferenciadas entre sí.

Ésta es una de ellas.

HjorgeV 15-03-2008

STING: ENGLISHMAN IN NEW YORK (1987) Llevaba yo en Colonia ya dos años cuando Sting (1951, Wallsend, Inglaterra), que había sido bajista de The Police, presentó su tercer álbum como solista: Nothing like the sun. Curiosamente, en Alemania tuvo parcialmente más aceptación su disco EP (‘versión extendida’) con las versiones en castellano y portugués de cuatro de las canciones del original, titulado justamente Nada como el sol, y que apareció en febrero de 1988. Esas cuatro canciones (Mariposa Libre –de Jimmy Hendrix-, Fragilidad, Si estamos juntos y Ellas danzan solas de la pluma de Gordon Matthew Thomas Sumner) marcaron ferozmente una etapa de mi vida en la que llegué a ser padre sin que la criatura llegara a nacer por deseo expreso de la madre. Esos temas consiguieron que pasara por alto en su momento una de las canciones que más aprecio, Un inglés en Nueva York, y que han hecho ya inmortal a este ex albañil y ex profesor de inglés. El grupo anunció en febrero del 2007 su reaparición como The Police. HjorgeV 01-03-2008 SÉRGIO MENDES & BRASIL 66: MAS QUE NADA (Jorge Ben) (1966) Usted no va a querer que llegue el final, dice parte del texto. Y el solo de piano que cierra el tema es simplemente sádico. Porque nos deja en el aire. En ascuas tremendas. Ya estaba anunciado: “Voce nao va a querer que llegue no final…” Pensar que Sérgio Mendes había estudiado piano clásico en el conservatorio de su ciudad natal. Pero ya mucho antes de cumplir los veinte, el jazz se lo había ganado para su terruño. Había nacido en 1941 en Niterói y en 1964 se había asentado en EEUU, para apenas dos años después tomar y arreglar el tema de Jorge Ben que lo haría inmortal. Muchos ignoran que no se trata de un tema mendesiano. Sigue dándole al piano con entusiasmo. En el 2006 publicó su último disco, Timeless, cuyo primer título es un arreglo de este mismo tema hecho por Will.i.am del grupo Black Eyed Peas. Esta es la versión original.

HjorgeV 09-02-2008

SÉRGIO MENDES & BLACK EYED PEAS: MAS QUE NADA (2006) Un interesantísimo mestizaje de ritmos y aires modernos con el clásico de Jorge Ben y que Sérgio Mendes se encargó de inmortalizar allá por 1966, justamente con su grupo Brasil 66. Me gusta especialmente, porque lejos de mantener el original como una simple referencia borrosa de fondo, Will.i.am lo hace resaltar a su fresca manera. Cuando uno no sabe por cual versión de un tema decidirse, si por la novísima o la original de hace más de cuarenta años, entonces se puede tener la absoluta seguridad de que se está frente a un verdadero clásico de todos los tiempos. La advertencia nos puede volver a arrancar un par de lágrimas de felicidad: Voce nao va a querer que llegue no final. Este es el primer título del último álbum mendesiano, Timeless, del 2006.

HjorgeV 09-02-2008

THE BEATLES: ALL MY LOVING (1963)

Este es uno de los pocos temas de McCartney, del que primero compuso la letra, antes que la música, como no solía ser usual.

Esa frescura de los Melenudos.

Aún entonces, cuando no sabían del potencial que tenían.

Aunque, con los gritos de esas jovencitas, creo que a más de uno de los que leen esto también se les ocurriría convertirse en músicos famosos, ¿o no?

Los Beatles no solo fueron unos grandes músicos.

Fueron todo un fenómeno en muchos sentidos: de cierta liberación de la mujer (por esos gritos se las habrían llevado un par de años atrás a la cárcel, por más que eso suene a contradicción por lo de la liberación), de masas, de superación de fronteras, musicales y comerciales.

Nunca ningún grupo fue, ni será –ahora lo sabemos-, elegido con mayor unanimidad como el Mejor de Todos los Tiempos.

HjorgeV 05-12-2007

THELONIUS MONK QUARTETT: ‘ROUND MIDNIGHT (1944)

Este es el tema de la película Bird (1988), dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Forest Whitaker, en el papel de Charles Bird Parker (Kansas City, 1920-Nueva York, 1955).

El que condensa perfectamente la esencia del jazz en una sola pieza musical y tal vez el más interpretado de toda la historia jazzística.

Hay varias versiones sobre cuándo lo compuso Monk. Lo más probable es que haya sido entre 1940 y 1944.

La fuerza presencial del genio Thelonius Monk (Carolina del Norte, 1917-Nueva York, 1982) es tan patente en el aire, que pareciera que los demás músicos le tuvieran demasiado respeto como para atreverse a tocar con él.

Y bien que hacían. Su música es vacío existencialista puro. (Perdónenme.)

Monk parece alguien rescatado del callejón de las miserias y puesto en un internado de lujo a aprender los secretos del piano.

El alumno ha terminado los estudios y casi nadie sabe de qué universo es lo que ahora toca.

Muy pocos lo pueden entender. (Y algunos tal vez recurran a los entresijos de la biografía que le estoy inventando aquí, infructuosamente.)

Qué asunto.

¡Si solo basta prestar atención a este extraterrestre!

HjorgeV 13-11-2007

THE FOUR TOPS: REACH OUT I’LL BE THERE (1966)

Se trata de uno de los temas más emblemáticos y más escuchados del siglo pasado.

Sigue sonando hoy en la voz y en la versión de músicos procedentes de variados géneros, tal si se tratara de un tema recién salido del horno.

Observen la moda de esos años.

Esos pantalones imposibles de entonces y que debían ser el último grito de la moda. No se rían. Volverán.

Observen también el minimalismo de esa época. Esos colores en tonos pastel, verdaderamente sobrios.

No se trata de una de las mejores grabaciones o versiones del tema de los mismos The Four Tops, pero sí de una de sus más antiguas y verdaderamente originales.

Levi Stubbs, el vocalista principal del famoso cuarteto, fue uno de los primeros, en ese entonces, en utilizar un estilo en el que se intercalaba cierta forma de cantar gritando.

Con este tema, creado y producido por Motown, este sello no solo consiguió el primer lugar de las listas durante semanas en 1966, Reach out sigue siendo su mayor éxito comercial y musical de todos los tiempos.

Faltaban aún unos diez años para la aparición de la música disco, pero estos morenos usamericanos ya se habían adelantado a su época.

Gloria Gaynor lo puso de moda otra vez en los 70.

HjorgeV 08-10-2007

THE DRIFTERS: SAVE THE LAST DANCE FOR ME (1960)

Un tema histórico de Doc Pomus y Mort Shuman grabado por primera vez en 1960 por The Drifters y en el mismo año por Ben E. King.

La versión de The Drifters fue número 1 durante tres semanas no consecutivas de las listas usamericanas.

Se dice que la canción está basada en un hecho real.

El compositor Doc Pomus, víctima infantil de la polio y casado con una artista de Broadway, no podía bailar por tener que moverse ayudado por muletas.

Como en la canción, le decía a su chica que podía bailar con quien quisiera toda la noche, pero que no olvidara bailar la última con él.

Hasta The Beatles llegaron a grabar una versión, que finalmente no llegaron a incluir en su álbum Let It Be (1970).

HjorgeV 07-08-2008

MICHAEL BUBLÉ: SAVE THE LAST DANCE FOR ME

Los crooner habían desaparecido y prácticamente sólo quedaba uno vivo, que además –hasta hoy- sigue cantando a su edad: Tony Bennett.

Entonces apareció un joven de Canadá de una familia de pescadores e influenciado por los discos de jazz de su abuelo que había escuchado en su niñez.

Los crooner habían nacido con la aparición y la popularización de la radio.

El micrófono radial había creado un trovador de nuevo estilo: diferenciado del bel canto, que cantaba sus baladas acompañado de una big band y se apoyaba en el emergente jazz.

Desde los años 20 hasta la aparición del rock’n’roll en los 60, fueron las estrellas musicales en EEUU, a pesar del sambenito de easy listening que llevaban.

Frank Sinatra, Bing Crosby, Dean Martin, Perry Como, Matt Monro, Nat King Cole, Neil Sedaka, Sammy Davis Jr., Andy Williams, el mismo Elvis Presley; Paul Anka, Tony Bennett, Tom Jones y Engelbert Humperdinck forman parte de una larga lista.

Con estos tres últimos manteniendo vivo un género que se niega a desaparecer.

Michel Bublé es un crooner de los tiempos modernos. Un anacrónico, por así decir.

El sabor latino de este inmortal y pegajoso tema de Doc Pomus y Mort Shuman (con pinceladas de danzón, chachachá y rumbita salseada, aunque llamado estilo samba en las competiciones de baile) es una prueba de su versatilidad musical, su talento y de sus ganas de aprender.

HjorgeV 09-08-2008

ÓSCAR ALEMÁN: BÉSAME MUCHO (1943)

Se trata de un descubrimiento para mí. Uno de esos que no suceden así no más en la vida.

Alguien que ya ha muerto 30 años atrás -y que no conocía- me ha tocado el nervio musical. Un gran guitarrista, instrumentista, actor, eximio bailarín y cantante.

Lo ha conseguido con un tema grabado casi 65 años atrás. La edad de un abuelo (de los de antes). Y ha conseguido que salte literalmente enseguida de mi asiento en busca de bibliografía y discografía existentes sobre él.

Se trata de Óscar Alemán y su Quinteto de Swing, de Argentina.

La grabación pertenece a su octavo álbum titulado Negra de cabello duro de 1943, de tal manera que este inmortal tema de Consuelo Velásquez llevaba entonces apenas dos años compuesto.

Es casi mágico, nada más escuchar las primeras notas de su guitarra y quedarse maravillado, reconociendo al genio enseguida.

¡Pensé que se trataba de un nuevo disco o de un nuevo talento y me dije, “me lo compro enseguida”!

¿Cómo ha podido pasar este moreno argentino tanto tiempo desconocido para el resto del mundo? Qué injusticia, no con él, quien seguro gozó y sabía lo suyo. ¡Sino para con nosotros!

(Gracias a Inés Negrete, argentina de París, y su bitácora Palabras sueltas de Norte a Sur, por haberme permitido este descubrimiento para mí.)

HjorgeV 16-09-2007

GRÉGORY LEMARCHAL: ET MAINTENANT (Gilbert Bécaud)

Ha conseguido sorprenderme este jovencito francés, cantando uno de los temas que más aprecio en esta vida y que descubrí hace relativamente poco, a pesar de haber sido compuesto en 1961.

A su autor, al gran Gilbert Bécaud le he dedicado una página de esta inútil y miserable bitácora (VOLTIOS BÉCAUDIANOS, 25-02-2007).

Es patente que Grégory Lemarchal recién empieza en su oficio: algunas frases muy cortadas, detalles de interpretación.

Pero no lo debe abandonar. Porque sí está claro que tiene muy buena y potente voz –portentosa, me atrevería a decir-, es muy musical y sabe dominar –ya- ciertas tensiones necesarias en una buena interpretación.

Suelo aprovechar este tema –y es algo que recomiendo-, para practicar el poco francés que aprendí en los cuatro o cinco meses que viví en la Ciudad Luz.

(Si tienen interés: en el formato completo de esta grabación en YouTube, aparece, en el recuadro de la derecha que corresponde al comentario del que publica el video –pulsar ‘more’-, el texto de esta canción. O, simplemente si también desean una traducción ligera, pulsar aquí. Está a continuación del poema.)

Pónganse los auriculares, por favor. Pero, cuidado -no se pierdan la traducción-, que es un tema muy duro, en realidad. Tenaz.

HjorgeV 19-09-2007

LUCIANA SOUZA: THE NEW BOSSA NOVA (2007)

Como todo amante del bossa, encontrarme con el anuncio publicitario en las páginas de Babelia del nuevo álbum de esta brasileña, ha sido como tropezarme con una piedra preciosa que estuve a punto de pisar.

Parece que se nos viene una nueva generación de cantantes brasileños. Son gente cosmopolita que habla varios idiomas –entre ellos, el inglés perfectamente-, tiene una formación envidiable en muchos sentidos –entre ellas, la musical académica-; son grandes instrumentistas, provienen de familias de músicos, tienen esa mezcla envidiable de ingenuidad e indiferencia que más de uno de los llamados grandes artistas debería tener como requisito indispensable en su currículo.

Y son brasileños. Es decir, vienen de un país cuyos compositores más importantes han hecho de su música una propia y alta Escuela Filosófica.

Luciana Souza, además, compone; y se dedicó durante años solamente al jazz en su segunda patria, EEUU.

Lo tuvo duro en un par de sentidos. Y esperó su suerte.

Armada, ahora, de un gran y excepcional bagaje de conocimientos, ideas, herramientas y experiencias musicales de alto nivel, vuelve ilusionada a sus raíces brasucas en este su nuevo álbum.

HjorgeV 16-09-2007

TONY BENNETT & STEVIE WONDER: FOR ONCE IN MY LIFE (Miller & Murden, 1966) (en vivo, 2006)

Esta grabación la colgué hace mucho tiempo, allá cuando empezaba este año y esta miserable bitácora con él.

Al tema de Ron Miller y Orlando Murden le dediqué toda una página para sí solo.

No saben el placer que me produjo escuchar una y otra vez este bello tema a lo largo de varias semanas después de tropezarme con él en la red, mientras trataba de aprenderme la letra.

He tenido la suerte de redescubrirlo y me he puesto los auriculares como un niño que ha encontrado uno de sus juguetes favoritos y que creía haber olvidado.

El gran Anthony Dominick Benedetto (Queens, New York, 1926) acaba de cumplir 81 años el pasado 3 de agosto. Y allí está el tano, encantando todavía con su voz al público.

Aprecien de lo que es capaz vocalmente Stevie Wonderful (Michigan, 1950).

A mí se me pone la piel de gallina, de solo percibir su extraterrenal, inimitable e inconfundible dominio vocal, además de su sideral solo de armónica.

Los verdaderos grandes músicos de este mundo no son muchos.

Entre los mejores está, sin dudarlo un solo momento, este ciego afroamericano.

Y estoy hablando de todo tipo de música.

Y de todos los tiempos. Léanme bien.

HjorgeV 13-09-2007

FATS WALLERS: HANDFUL OF KEYS, FRACTIOUS FINGERING…

Thomas Wright Waller (Harlem, 1904-Kansas City, 1943), el gran Fats, apenas vivió 39 años.

Excelente pianista, de los primeros grandes de la historia del jazz, cantante y compositor de cientos de temas como los presentados aquí.

Además de músico, era el típico entertainer de raza pura, con voz y estilo propios.

Aparte de tres musicales en Hollywood, Fats llegó a dar un concierto en el Carnegie Hall de Nueva York, el Olimpo de todo músico.

Su contagiante swing y su incesante labor se los llevó una neumonía mal curada -y agravada por su afición al whisky y su sobrepeso- en el tren que lo debía transportar a Nueva York de vuelta de Hollywood.

La película Be Kind Rewind (2008) del francés Michel Gondry se ocupa de su vida y música.

HjorgeV 07-08-2008

PETER, PAUL AND MARY: LEAVING ON A JET PLANE (EN VIVO: 1969)

De ellos se dice que constituyeron uno de los grupos más exitosos del folk usamericano de los 60.

Con este tema de John Denver (canta con ellos en el video) de su álbum debutante -Peter, Paul and Mary- permanecieron tres meses dentro de los 10 primeros puestos de la lista de la revista Billboard.

Y tres años seguidos entre los mejores 100. Su único Número 1, de paso.

Cantaron If I had a hammer en la Marcha a Washington, en la que Martin Luther King pronunció su famoso discurso conocido como I have a dream (‘tengo un sueño’ o ‘visión’).

A pesar de pertenecer al movimiento de protesta social, se dice que la compañía Warner Bros. no ha vuelto a vender un disco tan rápidamente como su versión de Blowin’ in the wind de Bob Dylan.

Siguen actuando, a pesar de los problemas de salud de Mary Travers (Kentucky, 1936), aunque han tenido que aplazar sus últimos conciertos.

Pensar que el productor Albert Grossman fundó el trío basándose en la idea de juntar “una rubia alta, un tipo divertido y uno guapo”.

HjorgeV 18-07-2008

SEMINO ROSSI: CAMINITO

En el último viaje que hice al norte de este país, el que conducía -un noruego que ya lleva más de treinta años en Alemania- me preguntó si conocía al cantante argentino Semino Rossi.

“Canta en alemán y vive en Austria”, añadió.

Pensé que se trataba de una broma y que el nombre (Semino) era parte de ella. (Su nombre verdadero es Omar.)

“Tienes que escucharlo”, me recomendó.

Me advirtió, también, que cantaba los llamados Schlager. Es decir, la música de las abuelitas en el ámbito germanoparlante, por así decirlo.

Este argentino (Rosario, 1962), que llegó a Austria en 1982 y se ganó inicialmente la vida como músico ambulante, ya ha recibido varias distinciones y galardones en ese género musical popular.

A comienzos del 2007 realizó su primera gira por Alemania y Austria.

No sólo tiene oficio y estilo propio. Tiene, también, una bonita e interesante voz.

HjorgeV 17-07-2008

MILES DAVIS: ‘ROUND MIDNIGHT (ESTOCOLMO, 1967)

La desesperación del genio por llegar a otras escalas. Musicales y humanas.

La desesperación de saber que en cada intento está el desafío de caer al abismo.

Hay quienes lo asumen y quienes no se atreven.

Estamos frente a ese jazz que llegó a su punto máximo en los años 50 y 60 y que desde entonces no se ha hecho más que recrear.

(Aunque en el verdadero jazz, cada nuevo día puede ser eterno.)

En esta sesión en Estocolmo, lo acompañan Wayne Shorter Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams.

No es algo que le tenga que gustar o atraer a todos.

Muchas veces, tampoco se trata de eso. Es el viaje al que hay que subirse.

Sin temor del vehículo que pueda ser. Ellos -por lo menos Davis- usaban varios a la vez. Sustancias, quiero decir. Drogas, para los menos avisados.

Contentémonos con la gratuidad del viaje.

¡Pero inventémonos todos los sentidos posibles al escucharlo!

HjorgeV 07-05-2008

JUAN LUIS GUERRA: BURBUJAS DE AMOR (1990)

Probablemente Guerra no sabía que iba a hacer historia en la música latinoamericana y mundial con el quinto álbum que grababa con su banda dominicana, la 440.

Ni que iba a ganar un Grammy en 1992.

Bien visto muchos de los demás -últimos- movimientos, artistas, grupos y tendencias musicales basados en ritmos y géneros menores de nuestros países, han alcanzado éxito internacional después de y gracias a él.

Él tomó la bachata dominicana por la que pocos daban un peso y la inmortalizó en un disco con un gran título: Bachata rosa (1990).

Sus materiales fueron la poesía, un estilo y voz particulares, y más de buen gusto musical.

Después vendría todo lo demás, hasta llegar a esa confusión llamada perreo o reggeaton.

La estética y la gran calidad de su álbum le pasaron la factura: no volvió a grabar uno mejor.

¿Para qué, después de todo, si ya había hecho más que historia con La bilirrubina, Bachata rosa y la poética Burbujas de amor?

HjorgeV 02-05-2008

ROLLING STONES: ANGIE (1973)

De este grupo arqueológico aunque muy actual, existen tres canciones que me gustan especialmente, y que puedo decir que conozco.

Esta es una de ellas.

Los Lengüeteros sin haber tenido la clase musical de sus compatriotas Los Melenudos de Liverpool, ni su -relativo- atractivo físico, se han ganado su gran lugar en la historia de la música.

Está bien; sabían y saben montar su espectáculo; pero, ¿cuáles de sus temas se podrían comparar verdadera y objetivamente (qué pretención) con Let it be, Yesterday, Hey Jude, All my loving o A hard day’s night?

Tal vez Satisfaction (1965), su primer número uno en tierras norteamericanas y británicas paralelamente, y éste, Angie, número uno en EEUU.

Los Rolling Stones han sabido sacarle buen polvo (buen material, se entiende), a sus excesos en el escenario y en la vida real.

Sin esa fama de chicos malos, que incluye la muerte de uno de sus integrantes por causas no esclarecidas –Brian Jones-, sus problemas con la justicia de diversos países por su abierta afición a varias drogas y la muerte de cuatro fanáticos en un concierto –los HellsAngels en acción-, quizás no hubieran llegado jamás tan alto en los escalones de la música moderna.

HjorgeV 03-09-2007

ROLLING STONES: WAITING ON A FRIEND (1981)

Este es un tema escrito originalmente a comienzos de los 70, pero publicado recién once años después.

Qué capacidad la de estos Stoned (así se titulaba el primer tema compuesto por Jagger y un himno a Maricucha) la de dominar el aura de lo prohibido y hasta de cierta ambigüedad sexual.

Y lo que se podía hacer entonces con un poco de melena y un corte de pelo que ahora bastaría para ganarse varios juicios en cualquier ciudad del mundo.

No se trata de un gran tema, pero una vez que se empieza a escuchar puede ser tan pegajoso como la marihuana que los tipos debían llevar pegada a las uñas. Junto a un par de kilos de otras drogas más, de las cuales no estoy seguro que supieran sus nombres.

Se afirma que a partir del matrimonio de Sir Michael Phillip Jagger (Inglaterra, 1943) con la activista política nicaragüense Bianca Pérez Moreno de Macías (Managua, 1945? 1950?), ahora Bianca Jagger, el caballero cambió su estilo de vida radicalmente.

¿Pasaría a consumir una o dos drogas menos a la vez?

Pensar que nacieron como una banda de Rhythm&Blues y que se hicieron populares con un tema de Lennon & McCartney: I wanna be your man.

Creo que lo han conseguido.

Aunque, por favor, no cuenten para nada conmigo.

HjorgeV 03-09-2007

THE ROLLING STONES: (I CAN’T GET NO) SATISFACTION (1965)

Solo el corte de pelo a lo hongo ya constituía todo un acto de rebeldía en esa época, por más que ahora nos pueda parecer -en algunos integrantes del grupo- extremamente ridículo.

Aquí en una presentación de 1966 para la televisión usamericana en el show de Ed Sullivan, que era una especie de Trampolín a la Fama de la época.

Se trata de una actuación en vivo. Se puede apreciar, incluso, un desfase de las guitarras a mitad de la canción.

A pesar de que esos ojos de Jagger hablan de varias sustancias estupefacientes, a juzgar por los gritos de las jóvenes presentes, se podría uno preguntar quién se las pasó primero a quién.

Este tema se siguió escuchando hasta bien avanzada la década de los 70 en nuestras fiestas púberes de Lima.

Y tendría que haberse llamado Sobredosis, por lo de I cant’t get no satisfaction.

Para los que sepan de qué estoy hablando, claro.

HjorgeV 03-09-2007

ALEJANDRO FERNÁNDEZ & EL CIGALA: COMO QUIEN PIERDE UNA ESTRELLA

Interesante fusión que hacen este charro mexicano (era su afición antes de la música) y este madrileño cantante flamenco.

Diego El Cigala recibió su apodo del mismo Camarón. Por eso él prefiere que le sigan llamando Dieguito, como una prueba de humildad.

Su desenfado al actuar es desconcertante.

El rostro de Fernández habla de amores imposibles, pasos mal dados y más de una nostalgia.

¿Habrá aprendido?

HjV 23-08-2007

SCOTTY ANDERSON: TASTE OF HONEY (guitarra)

YNGWIE MALMSTEEN: FAR BEYOND THE SUN

Genial.

Escucharlo, aunque uno no sea aficionado a este tipo de ropaje musical –como yo- es asistir a la magia de un concierto dado por Paganini.

Pero este joven -ahora cuarentón- sueco (Estocolmo, 1963) está vivo y colea con su digitación infernal por los escenarios del mundo.

Se puede decir de muy pocos músicos: la expresión domina su instrumento – la guitarra eléctrica-, no es un mero adorno hueco en su caso.

Además, domina los temas que interpreta hasta el mínimo detalle.

Su acoplamiento musical con el resto de los músicos es perfecto, tal si él mismo estuviera dirigiendo la orquesta, la Filarmónica Nuevo Japón en este caso.

Y todo esto sin tener que recurrir a ninguna partitura.

Nació y creció en una familia de gasfiteros (fontaneros o gasistas) suecos, entrando en contacto desde muy pequeño con la música clásica.

Se dice que, al igual que otro célebre guitarrista heavy, Joe Satriani, un especial televisivo sobre Jimmy Hendrix decidió su carrera y su futuro.

Su fascinación por la diabólica música de Niccolo Paganini –a quien considera su mayor influencia musical- puso el otro contingente.

Como muchos otros jóvenes músicos talentosos de estos tiempos modernos y de todos los tiempos, su genio no ha sabido protegerlo de la excentricidad, de su alta egomanía y del abuso de poder.

Ni siquiera de sí mismo: desde 1997 lucha activamente contra su otro gran amigo/enemigo inseparable, el alcoholismo.

Debe ser regularmente atendido de una tendinitis calcarea; que debe ser producto no sólo de su excelsa técnica, caracterizada por permanentes ligados y la persecución endiablada de escalas.

Tiene una acusación de secuestro con arma de fuego, presentada en 1993.

Aunque probablemente todo no haya sido sino un mero y fallido intento de su actual suegra, para impedir el matrimonio de su hija April con el excéntrico y arrogante joven, con quien ahora tiene un hijo de nombre Antonio.

Sus presentaciones, su indumentaria y el formato pesado con que suele arropar lo que presenta, pueden llevar a engaño: Yngwie Malmsteen es, antes que nada, netamente, un músico clásico.

HjV 03-08-2007

MATT MONRO: ALGUIÉN CANTÓ (1968)

Este inglés que se despidió temprano de este mundo, era camionero y chofer de autobús de profesión, y se llamaba Terrence Parsons (Inglaterra, 1930-1985).

Fue conocido, también, como The singing bus driver en su país.

Cómo llegaría a cantar en castellano este tema (The music played en el original) que sigue siendo uno de Mis Favoritos de Todos los Tiempos, es algo que desconozco.

Burda la interrupción del presentador y curioso el efecto de desfase de voces, cuando después del intermedio musical, empieza a cantar los coros, superponiéndose su voz a la de la grabación.

Poco tenía que envidiarle Parsons/Monro –vocalmente- a Sinatra y compañía, por lo demás.

Se hizo famoso cantando el tema de la película From Russia with love (1963) de la serie Bond con el gran Sean Connery como actor.

HjorgeV 02-07-2007

MATT MONRO: ALGUIEN CANTÓ (solo audio)

MATT MONRO: THE MUSIC PLAYED (1968)

MATT MONRO: IF I NEVER SING ANOTHER SONG

MILES DAVIS & JOHN COLTRANE: SO WHAT (1958)

Davis demuestra en esta grabación, de casi 50 años de antigüedad, el por qué es considerado el más grande trompetista de jazz de todos los tiempos y una de sus figuras más innovadoras y representativas.

Clarísimo el despegue gélido y mental de Davis, tal como si su única función fuera la de encargado de emitir las notas que alguien -desde allá arriba- parece irle dictando.

Y el alumno tiene esa pinta de ser bueno y eficiente en esa complicidad que constituye todo soplo (de información).

No. Vamos a decir, el gesto del que sabe -perfectamente- de qué alta calidad es la droga que expende.

Pero no hay que equivocarse ni ser imparcial.

Miles Davis provenía de una familia de afroamericanos relativamente ricos (su padre era dentista) y de niño montaba a caballo en la granja familiar.

Esa es la mirada que hay que agregar al genio musical, quien, pese a todo, de 1975 hasta comienzos de 1980, no puso mano en su instrumento por estar dedicado absolutamente a varias drogas.

Falleció a la edad de 65 años en alta fama y con el aura -justa- de un Santo Creador.

HjorgeV 30-07-2007

JOHN COLTRANE: MY FAVORITE THINGS (1961)

En esta grabación para la televisión alemana del año 1961, Coltrane nos hace ver claramente por qué ya había ingresado por boca propia al Club de la Fama Eterna.

My favorite things es un tema del usamericano Richard Rodgers –con textos de Oscar Hammerstein- del musical The sound of music estrenado en Broadway en 1959.

Julie Andrews se encargó de la inmortalización del conjunto en la película del mismo nombre de 1965.

Se suele decir que My favorite things es la impronta, la firma, el sello, la insignia de John Coltrane (Carolina del Norte, 1926-Nueva York, 1967).

Con este tema, Coltrane hizo posible el renacimiento del olvidado saxofón tenor en el mundo del jazz.

Su perenne búsqueda de un definitivo estilo propio, a través de mundos musicales marcadamente personales, es algo que se puede sentir con las manos a lo largo de sus interpretaciones.

HjorgeV 30-07-2007

JULIE ANDREWS: MY FAVORITE THINGS (1965)

Uno de los temas principales de esa legendaria película basada en el musical del mismo nombre, The sound of music de Richard Rodgers.

La novicia rebelde era el título que llevaba la película en castellano.

Alguna vez tendré que explayarme sobre el arte de esta carismática gran artista de clara, musical y más que privilegiada voz.

Un par de temas inmortales –como Do Re Mi, el mismo The sound of music, Edelweiss- de Rodgers lo merecen.

Por cierto, en Austria no se sirve el Schnitzel (una especie de apanado a la milanesa) con fideos y el Strudel (una especie de tarta o pastel, por lo general de manzana) no es de ninguna manera crocante.

HjorgeV 30-07-2007

PAUL ANKA: DIANA (1957)

Este tema acaba de cumplir los 50 años.

Tiempos aquellos en los que a los artistas no se les ocurría, siquiera, llevar el pelo largo.

Es más, la vestimenta que podemos apreciar en el video era algo completamente de moda en ese entonces.

Luego vendrían las melenas y, después, los vestuarios extravagantes y provocadores.

Diana fue, después de Candle In The Wind y White Christmas uno de los singles más vendidos de todos los tiempos.

A este cantautor canadiense (Ottawa, 1941), hijo de libaneses cristianos y que aún continúa presentándose por el mundo, tendré que dedicarle una página de mi bitácora.

Tal vez a Paul Anka, le deba Frank Sinatra uno de los más grandes saltos en su carrera artística.

Gracias a My Way: la versión en inglés paulankaniana de Comme d’habittude, con un texto muy diferente del original en francés y que La Voz la interpretó como alegoría de su propia vida y carrera musical.

Asimismo, pocos saben que She’s a lady (1971), uno de los más grandes éxitos de Tom Jones, se trata de una composición de este canadiense inmortal.

HjorgeV 25-07-2007

BEE GEES: MASSACHUSETTS (2006)

Cuando escucho el nombre de los Bee Gees se me vienen inmediatamente a la mente dos de sus temas: éste, compuesto en 1967, y How deep is your love, producido diez años después.

Estos australianos, nacidos en la británica Isla de Man, me tienen atado a su arte con varias canciones más, pero esas dos son un par de las más emblemáticas de su repertorio para mí.

Massachusetts la cantaban cuando eran unos perfectos desconocidos fuera de Australia, junto a aquella otra memorable de su gran primera época: World. (Dos años después, en 1969, vendría Melody Fair, entre otros temas.)

Cuando muchos pensaban que su época ya había pasado y nadie daba un bledo por ellos, reaparecieron de la mano de John Travolta ya bastante avanzada la década de los 70. La fama que tienen ahora se la deben, especialmente, a esa época.

Pero muchos ignoran que a mediados de los años 60, los hermanos Gibb publicaron un par de temas también inmortales como éste.

Aquí Robin cantando en 2006 en vivo esta canción dedicada a esa ciudad usamericana.

HjorgeV 25-07-2007

BEE GEES: MASSACHUSETTS (FRANCIA, 1967)

Hay que retroceder ahora 41 años. ¿Cómo ha hecho especialmente Robin (Isla de Man, 1949) para conservarse tan bien con casi sesenta años encima?, me pregunto ahora. ¿Tendremos que ponernos todos a cantar este tema todas las mañanas?

Observen la forma de llevar el cabello de los músicos, a camino entre lo que vendría a ser ahora el estilo sobrio (!) de Los Melenudos de Liverpool y el estilo hippie emergente en esos años.

O la chompa (peruanismo para pulóver o jersey, también palabras del inglés como el original jumper del cual procede) de cuello alto de Robin Gibb, tan de moda entonces.

El nombre de este famoso e inmortal grupo (el hermano mellizo de Robin, Maurice Gibb falleció en el 2003; el hermano menor Andy Gibb, artista independiente, ya había abandonado este mundo en 1988) parece que se debe a las iniciales de uno de sus tantos nombres adoptados al comienzo: Brothers Gibb, B.G.

Habré de dedicarle una página especial de mi bitácora a estos seres extraterrestres. No lo digo por su famoso falsete, sino por su calidad y su influencia musical.

El conocido falsete no fue una idea original de ellos, sino del ya fallecido productor musical turco Arif Mardin, ganador de diez Grammys y quien les recomendó en un momento crítico de su carrera, cantar una octava más alto.

HjorgeV 25-07-2007

BEBE: ELLA (2004)

Una bonita canción, de esas que tanta falta hacen en esta vida.

Se trata de Ella del álbum Pa’ fuera telarañas (2004) de la extremeña (de adopción, andaluza de nacimiento) Bebe.

El respeto por los derechos humanos, el no a la violencia y la abierta denuncia a quien creyéndose valiente SÓLO agrede a los que son más débiles que él, tiene que empezar por casa. http://www.menudospeques.com/sermujerhoy/musica_bebe_ella.php

Bebe lo dice, además, de la forma en que se debería dar toda enseñanza: agradablemente.

Y a esto llegué porque visité la página de Mayté/Palas, quien más de una vez me ha inspirado con su bitácora: http://cartasdepalas.blogspot.com/

Aquí, antes de pasar al video de la canción, otro artículo relacionado con todo esto: http://www.elpais.com/articulo/madrid/semana/mujeres/Lila/Downs/Bebe/Anastacia/elpepuespmad/20041122elpmad_21/Tes

HjorgeV 25-07-2007

ALAIN BARRIERE: MA VIE (MI VIDA) (1964)

Este es el tema que llevó al estrellato internacional a este cantante y compositor francés nacido en la Bretaña en 1935.

Los Ángeles Negros de Chile cantaron uno de sus temas, Y volveré, que pertenece a mi particular álbum de las Mejores Canciones de Todos los Tiempos.

Aprecien, en esta breve muestra anterior a mi época, cómo apenas un par de décadas atrás, los seres humanos éramos capaces de escuchar con calma y solaz una lenta y bonita melodía. Gran éxito internacional, además.

Se trataba, simplemente, de otros tiempos.

HjorgeV 25-07-2007

THE CHIFFONS: HE’S SO FINE (1963)

Fue un grupo femenino neoyorquino de los años 60.

En febrero de 1963 alcanzaron con He’s So Fine, el primer puesto en las listas de EEUU.

No se volvió a saber nada –musicalmente- de ellas después.

Harrison se vio obligado a pagar los dos tercios de lo percibido por derechos de autor a Ronnie Mack.

Está considerado como el plagio más famoso de la historia musical.

HjorgeV 22-08-2007

MARTES Y TRECE: JAZZ

Josema Yuste y Millán Salcedo, el dúo Martes y Trece, hicieron historia humorística en España hasta su disolución en 1989.

Un tanto grotescos (esperpénticos, dicen otros) y atrevidos, seguramente, no dejaron gusano con peluca en su época.

Éste número, dedicado al jazz, es simplemente ¡GENIAL!

JOAN MANUEL SERRAT: AY, PENA, PENITA (LOLA FLORES)

La presentación que hace Serrat de esta copla canción de Lola Flores -presente en la actuación del catalán-, me hizo recordar los días cuando (todavía) cantaba mi madre.

Yo lo sigo haciendo, bastante seguido, pero me aseguro de cerrar las ventanas, antes.

FRANCIS CABREL: JE L’AIME A MOURIR (LA QUIERO A MORIR) (1979)

Este fue un éxito mundial de este cantautor francés nacido cerca de Toulouse (Argen, 1953).

Un gran desconocido para el mundo hispanohablante, salvo por esta canción.

Un verdadero poema de amor.

El tema es de 1979 y existen versiones hasta en ritmo de merengue y salsa.

FRANCIS CABREL: LA QUIERO A MORIR

El autor cantando su propia canción en castellano.

(El corte o no corte de cabello escapa a mi responsabilidad.)

FRANCIS CABREL: LA CORRIDA

Cabrel no sólo habla del amor en sus composiciones.

También hace crítica social refiriéndose al racismo y a esa diversión tan masculina y ‘valiente’ que consiste en acosar impunemente a un animal, para aplauso y regocijo de los valientes presentes, al que se termina asesinando sin darle la oportunidad de defenderse (convenientemente): la ‘fiesta’ taurina.

Y lo hace con gracia, el francés.

DLG: LA QUIERO A MORIR

JAIME CUADRA (CHILL OUT): CHOLO SOY (LUIS ABANTO MORALES)

Chill out significa relajarse. Es un término que nació a mediados de los 90 y que designa al contrapeso musical electrónico y relajante de la trepidante música frenética de las discotecas.

Ahora es todo un género musical, caracterizado por su combinación no frenética o suave de diversos géneros.

El Cholo Soy Peruvian Waltz Chill Out del peruano Jaime Cuadra es ya una referencia en este ambiente musical, que tiene en Ibiza -junto al mar y bajo el sol- uno de sus irrefutables templos.

Aquí el tema principal -sobre un vals don Luis Abanto Morales- de su disco.

ROBERTO JORDÁN: HAZME UNA SEÑAL

Con qué ganas no habré bailado este tema del mexicano Roberto Jordán en su versión original (no la he podido encontrar), allá cuando todavía era un niño a comienzos de los setenta.

Aquí en una versión bastante moderna del año 2005.

Roberto Jordán fue el líder indiscutido de un género musical que existió alguna vez y que se llamó bubblegum.

CHARLES AZNAVOUR: VENECIA SIN TI

Este tema fue Nº 1 en España en 1965.

En nuestros países latinoamericanos debió ocurrir lo mismo.

Me gustaría dedicarle una página de mi bitácora a este francés de origen armenio y compositor de más de 1000 canciones.

Lleva más sesenta años en los escenarios y ha actuado también en más de 70 películas.

Cada año anuncia su retirada definitiva dando un gran concierto.

Ya van varios.

RAÚL GARCÍA ZÁRATE: ADIÓS PUEBLO DE AYACUCHO

Todavía recuerdo un viaje que hice por los andes peruanos en un ómnibus interprovincial camino a Ayacucho.

Fue de noche. Viajaba parado, tambaleante junto al chofer, debido a la rudeza del camino.

Intercambiando mi compañía y mis preguntas por sus historias y su música ayacuchana, que él con orgullo me hacía escuchar.

MERCEDES SOSA: TODO CAMBIA

Fue una especie de himno para muchos de nosotros, latinoamericanos varados por estos lares europeos.

Cambia lo superficial, cambia también lo profundo.

¿Qué no cambia en este mundo? Para bien y para mal.

A veces escondiéndonos detrás de una canción así.

Otras, orgullosos de nuestros propios cambios.

Pero nunca estáticos.

LUIS MIGUEL & MANZANERO AL PIANO: EL CIEGO

Un tema muy poco conocido de Manzanero.

Estuvo presente en mi vida durante una etapa (enamorada) de mi vida y lo creía olvidado.

La calidad no es buena, y se trata una improvisación.

Pero alcanza para recordar y reconocer la calidad de esta composición.

NATALIE & NAT KING COLE: UNFORGETTABLE

Hija y padre unidos musicalmente en el tiempo gracias a la tecnología, esa señora que tan poco se preocupa de sus hijos (¿o habría que decir señoro?), pero que en este video demuestra por qué vale.

Nat King Cole murió en 1965, cuando le faltaba apenas un mes para cumplir 46 años.

Su hija, Natalie, tenía apenas 5 años cuando su padre murió, víctima de su adicción a esa potente droga, que no llaman droga por potentes y poderosos intereses comerciales -es decir, de dinero-.

Pero que mata mucho más que todas las demás drogas prohibidas juntas: el tabaco.

COTI: CANCIÓN DE ADIÓS

No sé quién es, todavía.

Sólo que no puede ser porteño por el acento.

Me lo encontré de pura casualidad y me gustó.

¿Dará que hablar alguna vez?

IGOR STRAVINSKY: EL PÁJARO DE FUEGO

Filarmónica de Berlín, bajo la dirección de Claudio Abbado (Milán, 1933).

Stravinsky (Rusia, 1882-Nueva York, 1971) compuso El pájaro de fuego hacia 1910.

EL PÁJARO DE FUEGO (Final)

FITO PÁEZ: AL LADO DEL CAMINO

CAETANO VELOSO: CUCURRUCUCÚ PALOMA

(de la película Hable con ella de Pedro Almodóvar)

JUAN DIEGO FLÓREZ: HUAYNO EN VIENA

Huayno navideño compuesto por el tenor Juan Diego Flórez (con z y tilde).

Estrenado -supongo- e interpretado por él mismo en Viena.

Fue con ocasión de las fiestas navideñas del 2006.

El huayno es una expresión musical netamente andina.

LANG LANG: LIEBESTRAUM/NOCTURNO No. 3 (FRANZ LISZT)

Se afirma que Lang Lang es actualmente el mejor pianista del mundo.

Difícil no suscribirlo.

Personalmente me inclino -de lejos- por Chucho Valdés. Sin que esto signifique ni un ápice de desconocimiento de las astronómicas cualidades de este joven pianista chino.

Aquí en una de las obras más famosas del gran compositor y genio húngaro, Sueño de amor.

CHABUCA GRANDA EN “300 MILLONES EN ESPAÑOL” (1977)

La señora María Isabel Granda Larco (Cotabamba, Apurímac, 1920-Miami, 1983) en unprograma especial de Radio Televisión Española (RTVE) de 1977.

María Angulo, la morena que había inspirado a Chabuca al componer La flor de la canela, contaba en ese entonces con 85 años de edad.

Se nos fue temprano Chabuca.

Hoy tendría 88 y sería testigo de cuánto se la aprecia y quiere no sólo en el Perú.

EL MONUMENTAL GIANMARCO EN EL MONUMENTAL

Gian Marco Javier Zignago Alcóver (Lima, 1970) en un concierto de despedida en el Monumental.

El hijo de Regina Alcóver y del desaparecido Joe Danova es de esos artistas que saben vivir de y hacer vivir a su público.

Es además un cantautor chambero -trabajador-, siempre dispuesto a darlo todo por su arte y por su país.

Su amor por la música criolla, y peruana en general, no se queda en la audición en su caso.

FRANK SINATRA: FLY ME TO THE MOON (dueto)

http://soundpedia.com/music/NjMyOTg=/album/582008/listen.html

HOT CHOCOLATE: SO YOU WIN AGAIN

http://soundpedia.com/music/NjYxOTQ=/album/366315/listen.html

HOT CHOCOLATE: BROTHER LOUIE

http://soundpedia.com/music/NjYxOTQ=/album/366315/listen.html

ELTON JOHN: SORRY SEEMS TO BE THE HARDEST WORD (17), DANIEL (7), GOODBYE YELLOS BRICKROAD (9), BENNIE & THE JETS (11), DON’T GO BREAKING MY HEART (18)

http://soundpedia.com/music/MjY2OTM=/album/598586/listen.html

GILBERT BECAUD: ET MAINTENANT (3)

http://soundpedia.com/music/NzY4ODU=/album/927105/listen.html

EDITH PIAF: LA VIE EN ROSE (2)

http://soundpedia.com/music/NzY4ODU=/album/927105/listen.html

CARPENTERS: SUPERSTAR (18), CLOSE TO YOU (6)

http://soundpedia.com/music/MzY3NDc=/album/847066/listen.html

ROBERTA FLACK: WHERE IS THE LOVE (3), FEEL LIKE MAKIN’ LOVE (5), THE CLOSER I GET TO YOU (6)

http://soundpedia.com/music/NzA1Mjc=/album/127154/listen.html

LUCIANO PAVAROTTI: TORNA A SURRENTO (19), ‘O SOLE MIO (25)

http://soundpedia.com/music/NzM4NTA=/album/176773/listen.html

SANTANA: SAMBA PA’ TI (5), EUROPA (13), BLACK MAGIC WOMAN (3), OYE COMO VA (4), NO ONE TO DEPEND ON (7), EVIL WAYS(2)

http://soundpedia.com/music/MzQ4NDQ=/album/786632/listen.html

JOSÉ FELICIANO: SOMOS (5), ME HAS ECHADO AL OLVIDO, (1)

http://soundpedia.com/music/NjA3MTg=/album/897623/listen.html

BILLY JOEL: JUST THE WAY YOU ARE (1977) (3)

http://soundpedia.com/music/MjM2NDU=/album/724827/listen.html

BILLY JOEL: HONESTY (1978) (2), MY LIFE (3)

http://soundpedia.com/music/MjM2NDQ=/album/724360/listen.html

STEVIE WONDER: FOR ONCE IN MY LIFE (7)

http://soundpedia.com/music/MzU4NDY=/album/337176/listen.html

STEVIE WONDER: I JUST CALLED TO SAY I LOVE YOU (2), MY CHERIE AMOUR (5), YOU ARE THE SUNSHINE OF MY LIFE (10)

http://soundpedia.com/music/MzU4NjQ=/album/348929/listen.html

ELVIS PRESLEY: IT’S IMPOSSIBLE (18) (Manzanero: Somos novios), YOU DON’T HAVE TO SAY YOU LOVE ME (22)

http://soundpedia.com/music/MjY4NDk=/album/690386/listen.html

PERRY COMO: IT’S IMPOSSIBLE (8) (Manzanero: Somos novios)

http://soundpedia.com/music/NTUzNTE=/album/598002/listen.html

ANDY WILLIAMS: WHERE DO I BEGIN (LOVE STORY) (1), IT’S IMPOSSIBLE (5) (Manzanero: Somos novios)

http://soundpedia.com/music/NTUzNTE=/album/598002/listen.html

CAROLE KING: IT’S TOO LATE (10), YOU’VE GOT A FRIEND (13), LOCOMOTION (14)

http://soundpedia.com/music/MjQ4NTc=/album/525842/listen.html

LOU RAWLS: YOU’LL NEVER FIND ANOTHER LOVE LIKE MINE (4), LADY LOVE (6), SEE YOU WHEN I GIT THERE (7)

http://soundpedia.com/music/NTk4MzU=/album/417673/listen.html

LOU ROWLS: GOD BLESS THE CHILD (2) http://soundpedia.com/music/NTk4MTQ=/album/405778/listen.html

ELLA FITZGERALD: MAS QUE NADA (Jorge Ben Jor/1963) (versión en inglés) (2)

http://soundpedia.com/music/NjE4MjA=/album/633539/listen.html

ELLA FITZGERALD: I’LL NEVER FALL IN LOVE AGAIN (8), MACK THE KNIFE (18)

http://soundpedia.com/music/NjE5MjU=/album/695302/listen.html

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