Música de los años setenta, la Década Prodigiosa, acaso una de las más creativas y prolíficas de la historia de la música. Fui alguna vez locutor en la televisión de mi país y en la Deutsche Welle, así que, con estos textos, me imagino ante un micrófono.
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KANSAS: «DUST IN THE WIND» (1977)
Composición de Kerry Livgren (Topeka, 1948), uno de los fundadores de la banda de rock progresivo del Estado del mismo nombre.
Los grupos de rock progresivo surgieron a partir de las bandas de rock psicodélico de los sesenta, buscando influencias más diversas.
A Livgren le fascinaban los temas esotéricos y acababa de leer un libro sobre la poesía de los indios norteamericanos.
Una frase le había llamada especialmente la atención: «For all we are is dust in the wind.»
La incluyó en su composición, una de las primeras acústicas del grupo, más una balada y muy diferente del estilo habitual de la banda.
Séptima canción de su álbum Point of know return de 1977 y lanzada como sencillo al año siguiente, Dust in the wind fue Nº1 por todo el mundo.
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TONY ORLANDO & DOWN: «CANDIDA» (1970)
Michael Antony Orlando Cassavitis (Nueva York, 1944) estudiaba aeronáutica cuando un productor lo animó a grabar su primer sencillo.
Y con apenas 16 años, en 1961, alcanzó con Halfway to paradise el puesto Nº39 de las listas de su país.
Luego el puesto Nº15 con Bless you, su siguiente sencillo, y de allí decidió convertirse en productor además de seguir cantando.
En 1970, bajo el nombre de Down, grabó una maqueta con las cantantes Telma Hopkins y Joyce Vincent.
El resultado, Candida, fue un éxito inmediato. El grupo siguió activo bajo distintos nombres hasta su disolución al final de la década.
Tie a yellow ribbon round the ole oak tree (1973), Nº1 en las listas de EEUU y del Reino Unido, fue su tema más conocido junto con Knock three times (1970).
HjorgeV
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BILL CONTI: «GONNA FLY NOW» (TEMA DE «ROCKY») (1976/77)
Esta es la versión del alemán James Last, mito viviente entre los arreglistas y conductores de grandes orquestas.
Aunque la composición empieza como una pieza de caballería militar, pronto se convierte en una típica pieza de la música disco de moda en esa época.
De allí que haya elegido a la orquesta del teutón Last para recordar un tema que no ha perdido nada de su magia ni encanto con el paso del tiempo.
Por supuesto que la versión para jazz de Maynard Ferguson es mejor incluso -gustos son gustos- que el original de Bill Conti y su letra minimalista.
Pero Gonna fly now le cae como anillo al dedo al gran Last, el genio de las versiones orquestadas en onda disco para caderas soldadas; o sea, militares.
HjorgeV
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CARPENTERS: (THEY LONG TO BE) CLOSE TO YOU (1970)
Otro incunable del genial dúo formado por Burt Bacharach y el letrista Hal David.
De la infancia -de allí la comparación con los libros incunables– del pop, por así decir.
Quien primero la grabó fue Richard Chamberlain (sí, el Dr. Kildare también cantaba) en 1963; entonces con el título completo, sin paréntesis.
Al año siguiente Dionne Warwick la incluyó en su tercer álbum.
Y en 1968 el mismo Burt Bacharach se animó a presentar su propia versión.
Pero la de 1970, la de los hermanos Carpenter, es la versión que más mundo ha recorrido y la que más éxito (comercial) ha tenido.
HjorgeV
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BREAD: MAKE WITH YOU (1970)
Es una suerte que este grupo con solo dos fundadores sobrevivientes, se dedicara a lo que en mi adolescencia se llamaba rock lento.
Esa especie de algodón hiperazucarado que hizo posible nuestro primer -verdadero- acercamiento físico a las muchachas al permitirnos bailar abrazados.
(Tal vez las luces psicodélicas de la época eran para disimular los rostros de bobalicones que debíamos poner al bailar pegados. Todo un hito histórico. Lo llamábamos aparrar en Lima.)
Es una suerte, digo, porque la industria musical parece seguir sin fijarse en este grupo de Los Ángeles precursor de lo que hoy se llama soft rock.
Y que llegó a colocar nada menos que 13 canciones en el Billboard Hot 100 entre 1970 y 1977.
Make with you, la segunda canción del segundo álbum de Bread, On the waters, fue el único Nº1 del grupo en las mismas listas.
HjorgeV
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MICHAEL FUGAIN: UNA BELLA HISTORIA (1972)
Toda una estética la moda de los años setenta.
Con sus pantalones acampanados, sus camisas de cuellos con puntas larguísimas, sus colores estrafalarios.
Ahora nos parecen caricaturas. Y, sin embargo, cómo nos maravillamos.
Década también de gran dominio inicial de las baladas. Solo muy poco después iba a aparecer la música disco.
El cantautor francés Michel Fugain (Grenoble, 1942), por su parte, creó en 1972 la compañía musical itinerante Big Bazar.
En su repertorio había canciones como Une belle historie (aquí en su vesión original y luego en italiano) y La fête.
Fugain también es conocido porque registró como suya Vocȇ abusou.
El dúo de Antonio Carlos y Jocafi, sus compositores brasileños, consiguieron demostrar el plagio y reconocer judicialmente sus derechos.
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RITA PAVONE: MARÍA LUISA (1970)
Busqué durante décadas esta canción. Llegué a creerla un invento de mi memoria.
La he vuelto a escuchar después de cuchumil años y me he asombrado de no reconocer parte del texto y de haberle alterado (en el recuerdo) alguna nota a la melodía.
Por lo demás, qué vitalidad la de esta petisa italiana.
Tras terminar la escuela y laborar en una fábrica de como costurera, se ‘trabajó’ tanto a los dueños de un par de bares vecinos que terminaron dándole la oportunidad de cantar.
Rita Pavone (Turín, 1946) se metió en los sesenta y setenta a medio mundo al bolsillo con su medio metro de estatura y sus treintitantos kilos de peso.
(Esto último no es una gran exageración porque no medía mucho más -149 cm- y pesaba 36.)
Cantó hasta hace poco en varios idiomas y aún es famosa y conocida incluso en países como este, Alemania.
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RAPHAEL: TE ESTOY QUERIENDO TANTO (1972)
Tema del álbum Volveré a nacer de 1972 con arreglos y composiciones del genial Manuel Alejandro.
Miguel Rafael Martos Sánchez (Linares, Jaén, 1943) cumplirá pronto los 70 y continúa en los escenarios desde hace más de 50.
Amado y denostado por su gestualidad y sus poses, fue todo un icono gay cuando no se estilaba salir del ropero y acaso por eso mismo se casó .
Qué gran paradoja: que con su mariconería haya encantado y hecho vibrar a tantas mujeres y heteros convictos y confesos.
Magnífica voz y hermoso estilo, por encima de sus melosos requiebros vocales, manías rítmicas y cierto churriguerismo sistemático.
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THE COMMODORES: EASY (1977)
Todavía faltaban cinco años para que Lionel Brockman Richie (Tuskegee, Alabama, 1949) dejara la banda fundada en 1968 y se entregara a su carrera en solitario.
Richie era el cantante, saxofonista y compositor del grupo de los «comodoros», un rango militar naval.
La banda había llegado a especializarse en baladas, tras empezar como un grupo funky fiestero y llegar a ser los teloneros de los Jackson Five.
Cuando Richie empezó a tener éxito con sus composiciones para otros cantantes (como con Lady para Kenny Rogers) la alianza empezó a tambalearse.
De esa unión quedaron temas históricos como Easy y Three times a lady.
The Commodores fue una de las bandas de soul y R&B más exitosas de la Década Prodigiosa de los setenta.
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AMERICA: VENTURA HIGHWAY (1972)
Una canción sobre el sueño de marchar hacia prometedoras tierras lejanas.
Tan fuerte como la atracción posterior que el terruño ejerce reclamando sus frutos perdidos.
Dewey Bunnell, vocalista de America y compositor de Ventura Highway, soñaba de niño con dejar su fría Omaha natal, con el océano y el sol.
Viajaba por la costa con su familia cuando se les reventó un neumático y Bunnell divisó un cartel de carretera que decía «Ventura».
Años después, buscando inspiración tras el éxito de Horse with no name (Nº1 en las listas de EEUU), recordó ese momento.
Y el momento se hizo canción: con una de las introducciones más hermosas de la música popular, a pesar de su cristalina sencillez.
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DON McLEAN: AMERICAN PIE (1971)
Aquí una grabación con los más de ocho minutos que dura la versión original de este famoso tema.
McLean se ha negado a explicar el enigmático texto, respondiendo con evasivas como:
«Significa que no necesitaré volver a trabajar.» O:
«Encontrarán muchas interpretaciones de mis letras, pero ninguna mía. Discúlpenme que los deje en el aire, pero hace tiempo que he comprendido que un compositor debe escribir sus canciones y, salvo eso, callar.»
American Pie permaneció dos semanas como Nº1 en las listas de EEUU en 1972.
La cantante Lori Liebermann habría asistido a un concierto de McLean y escrito un poema titulado Killing me softly with his song.
Basándose en él, Charles Fox y Norman Gimbel compusieron una canción con el mismo título, dándose la siguiente curiosa constelación:
La primera grabación de Liebermann pasó desapercibida.
En 1973 Roberta Flack se impuso en los Grammy a American Pie de McLean con la sosa The first time ever I saw your face.
Y en 1974 ganó con Killing me softly with his song, una canción sobre McLean, completándose un raro círculo.
McLean y Roberta Flack la ha(bría)n cantado más de una vez juntos.
En nuestro idioma existe una versión del nicaragüense Hernaldo Zúñiga titulada Siglo XX.
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BONNIE TYLER: IT’S A HEARTACHE (1978)
¿Cuál era el encanto de esta canción? ¿El texto? ¿El aire country?
¿La voz rasposa de la Tyler tan acorde con las penas de amor de las que hablaba el pegajoso tema?
Esa clara aspereza vocal había sido producto de su negativa a seguir los consejos médicos de no cantar inmediatamente después de una operación a las cuerdas vocales.
Entonces se había pensado que su carrera había llegado a su fin.
It’s a heartache llegó a ser N°1 en Australia y Francia y estuvo entre los 5 primeros puestos del Reino Unido, EEUU y algunos países europeos.
Pero fue con Total eclipse of the heart (1983), una composición de la leyenda viva Jim Steinmann, que llegó aún más lejos: N°1 absoluto en las listas de Australia, Gran Bretaña, Canadá, Noruega y EEUU.
A sus 60 años, Gaynor Hopkins (Gales, 1951) (su anterior nombre artístico había sido ‘Sherene Davies’) sigue en forma, continúa actuando y preparando material para un nuevo álbum.
HjorgeV
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BILLY JOEL: HONESTY (1979)
¿Cuándo se empieza a tener conciencia de que la falta de honestidad es un fenómeno generalizado?
Y que no te excluye a ti mismo, por supuesto.
De Billy Joel se sabe que le dedicó a su esposa su tema más conocido y exitoso: Just the way you are.
Ese en el que –I said I love you / and that’s forever– le juraba amor para siempre.
Después se separaron y Joel juró no volver a cantarlo.
Pecó de deshonesto, porque ha vuelto a incluirlo en sus giras después de muchos años.
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INDUSTRIA NACIONAL: LA TARDE QUE TE AMÉ (1972)
Se trata de un video de una versión bastante irregular y con sonido parcialmente defectuoso del mayor éxito de esta banda bonaerense fundada en 1969.
Precursores del llamado «beat melódico argentino».
Sin embargo, este documento es una buena muestra de la calidad y de las posibilidades de bandas como esta que no fueron más conocidas por el mero hecho de no cantar en inglés.
Hasta donde sé, no llegaron a ser conocidos siquiera en España.
Industria Nacional sigue trabajando en su país como le corresponde a toda industria nacional.
HjorgeV
SANTABÁRBARA: CHARLY (1973)
Qué canciones las de esa época.
Con esos textos tan candorosos como elaborados.
La banda se había formado como grupo de acompañamiento de Georgie Dann.
Dann era un cantante parisino afincado en España, que había hecho populares temas como el Casatschok (1969) y más tarde otros como El Bimbó (1975).
Entonces, el guitarrista Mario Balaguer, el bajista Enrique Millán (el autor de este tema) y el baterista Alberto López deciden independizarse con la intención de hacer música más pesada.
Les salió este tema, N°1 en España en 1973.
Tuvieron un éxito similar tres años después con Dónde están tus ojos negros.
HjorgeV
FLEETWOOD MAC: DREAMS (1977)
Lo que más me gusta de este grupo junto con Don’t stop.
¿En qué radica el encanto de esta pieza de rock suave (otros lo llaman conceptual, personalmente lo llamaría pop ligero y pegajoso)?
No lo sé.
La memoria y la nostalgia suelen catapultar ciertas obras artísticas a unas dimensiones que acaso no poseen.
Con todo, Dreams ha sido hasta ahora el único sencillo N°1 de esta banda tan camaleónica, en las listas del Billboard usamericano.
Y el álbum al que pertenecía –Rumours– uno de los más exitosos de la historia de la música popular moderna.
HjorgeV
FLEETWOOD MAC: DON’T STOP (1977)
Más ligero y rítmico que Dreams, pero no por eso menos edulcorado.
Don’t stop es otra pieza del mítico álbum Rumours, grabado en marzo de 1976.
En una época en la que parecía que el grupo terminaría desintegrándose debido a los problemas personales de sus integrantes y que se llamó así -precisamente- para acallar esos rumores.
Se dice que los títulos de Rumours reflejaban las tensiones personales dentro del grupo.
No dejes de pensar en el futuro / El ayer ya pasó, dice justamente la letra.
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THE BUGGLES: VIDEO KILLED THE RADIO STAR (1979)
Una de las últimas grandes canciones de la Década Prodigiosa, N°1 en Gran Bretaña.
Cuando al comenzar la nueva década, el 1° de agosto de 1981 la cadena MTV inauguró su programación, lo hizo justamente con el video de este tema del grupo británico The Buggles.
No era una casualidad: se cerraba toda una gran época. Se inauguraba una nueva que -se pensaba- duraría una eternidad (de las de ahora).
En el video presentado por MTV se veían radios que explotaban, refiriéndose, como en la letra, a una estrella de la radio cuya carrera se eclipsaba con la proliferación del video.
Apenas 30 años después, con la cadena Blockbuster al borde de la quiebra, le ha llegado el turno a un nuevo título: Internet mató al video.
Queda por saber qué aniquilará a la Red.
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THELMA HOUSTON: DON’T LEAVE ME THIS WAY (1977)
Kenneth Gamble (Filadelfia, 1943) y Leon A. Huff (1942, Nueva Jersey) son los responsables de varias decenas de composiciones ganadoras de discos de oro y platino: más de 170 si hay que creerle a la Wikipedia
Fueron los pioneros del llamado Sonido Filadelfia, un subgénero del soul predecesor de la música disco.
Con este tema ocuparon los primeros puestos de diferentes países (en tres años diferentes además).
Primero con Harold Melvin & The Blue Notes en 1975.
Dos años después, Thelma Houston, hija de una pañadora de algodón de Misisipi que se había iniciado grabando coros, permaneció medio año en los primeros puestos de las listas del Billboardnorteamericano.
(En las listas tenía como directos competidores nada menos que a dos temas históricos: Hotel California de The Eagles y Dancing Queen de ABBA.)
Una década más tarde, en 1986, el grupo británico The Communards ocupó cuatro semanas el primer puesto del Reino Unido convirtiendo a Don’t leave this way en el disco simple más vendido de ese año.
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MARISOL: AQUEL VERANO (1970)
Suelo perseguir canciones por su poder para transportarme al pasado, a una época o momento concretos.
Esta canción de verano (de esos que no queríamos que terminaran) de Josefa Flores González (Málaga, 1948), más conocida como Marisol o -como ella prefiere- Pepa Flores, es una de ellas.
Apareció formando parte de un elepé y de un disco sencillo, al (otro) lado de Mamy Panchita.
1970 fue el último de los años verdaderamente prolíficos de Marisol y el último de grandes éxitos comerciales en su carrera musical.
En 1973 con Ven, ven y en el 76, con Dile que vuelva, volvió a golpear en las listas.
Para entonces ya se había despojado de su piel de niña prodigio (y explotada) Marisol y solo aceptaba que la llamaran Pepa Flores.
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ANDY GIBB: SHADOW DANCING (1978)
Tema compuesto por los cuatro hermanos Gibb -Barry, Robin, Maurice y Andy-, a pesar de llevar sus carreras por separado.
Andrew Roy Gibb (Manchester, Inglaterra, 1958) fue de los artistas que en los setenta lo tuvieron todo de golpe: fue nadie menos que el primer solista con tres Nº1 consecutivos en las listas del Billboard.
Pero, también, de los que no pudieron soportar el bajón tras el éxito apabullador.
Algunos piensan que Andy, más bien timidón y agarrotado (no sabía qué hacer con sus manos cuando no actuaba con su guitarra), no logró recuperarse de su ruptura con Victoria Principal.
Otros, que simplemente no supo aceptar que las estrellas brillan pero tienen una duración determinada.
Lo cierto es que en 1987, después de pasar por un tratamiento clínico contra su adicción a la cocaína, no pudo evitar tener que declararse en bancarrota.
En 1988, mientras trabajaba en su nuevo álbum con la ayuda de sus hermanos Barry y Maurice y parecía que se podría recuperar en todo sentido, le falló su maltratado corazón.
HjV
ACTUACIÓN CONJUNTA DE OLIVIA NEWTON JOHN, ANDY GIBB Y ABBA (1978)
Era el año de 1978, la Era Disco había llegado a su cenit y empezaba a declinar.
A sus 30 años, Olivia Newton John acababa de hacer de adolescente en la película Grease junto a otro John, Travolta.
Los suecos de ABBA (un acrónimo formado por las letras iniciales de los nombres de sus miembros Agnetha, Björn, Benny, Anni-Frid) estaban en plena cumbre de su carrera, treintañeros tres de ellos.
Andy, el hermano menor de Barry, Robin y Maurice Gibb, los archifamosos Bee Gees, acababa de cumplir 20 años y nadie podía saber entonces que su vida y su carrera se truncarían 10 años exactos después debido a su adicción a la cocaína.
En este video hay tres temas emblemáticos de aquella época y representativos de cada uno de los artistas actuantes. (Ver aquí la segunda parte.)
Notar la preferencia por el blanco en la vestimenta de los suecos y de Newton John (mientras que Andy viste un traje que parece sacado del vestuario de la serie Perdidos en el espacio), la actitud de los artistas y del público, las tomas de las cámaras.
Han pasado 30 y pico años y parece haber siglos de intermedio.
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PAUL McCARTNEY: LIVE AND LET DIE (1973)
Los Beatles se habían disuelto en 1970 y solo un año después, McCartney había formado su propio grupo, Wings.
Y lo había hecho incluyendo a su esposa Linda en la banda, contra todas las críticas de admiradores, amigos y detractores.
Live and let die fue tema central de la película del mismo nombre de la serie de James Bond, entonces interpretada por Roger Moore en su primera actuación de siete, tras el final de la época Connery.
Es uno de los mayores éxitos de la banda, un tema cinematográfico, dinámico y variado, que suele ser acompañado de fuegos artificiales en las presentaciones en vivo.
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BASILIO: CISNE CUELLO NEGRO, CISNE CUELLO BLANCO (1977)
Basilio Fergus Alexandre (Panamá, 1947-2009) tuvo su gran época en los años setenta con temas como Ve con él (1972), Tú ni te imaginas y este de la pluma del genial Manuel Alejandro.
Había llegado a Francia para estudiar medicina, pero la música lo llevó a Madrid donde conoció a Pablo Herrero, compositor y productor de figuras como Nino Bravo y Juan Bau.
Popularizó en los ochenta Vivir lo nuestro, un tema que muchos años después, en 1994, contribuiría a cimentar la carrera de Marc Anthony, a dúo con Linda Viera Caballero, La India.
Basilio, de quien recuerdo en especial su tema Demasiado amor (1978), acaba de fallecer en su residencia de Miami de una bronconeumonía incontrolable.
En los últimos años se había dedicado a recorrer Latinoamérica recordando sus éxitos en esporádicas presentaciones.
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SHARIF DEAN: DO YOU LOVE ME? (1973)
Esos cuellos de camisa, el último grito de la moda de aquellos tiempos.
Sharif Dean, de madre francesa y padre argelino, había nacido en 1947 en Casablanca, Marruecos.
Después de pasar su niñez en París, gana un concurso en Radio Monte Carlo que le vale un contrato para cantar en clubes de Alemania, mientras continúa sus estudios de política y literatura en Bruselas.
Bajo la tutela de su productor belga Jean Huygmans lanza sin éxito su primer sencillo, Mary Ann, en 1972.
Recién al año siguiente da el gran golpe con Do you love me?, el primer disco belga en ocupar durante 17 semanas el puesto Nº1 en otro país, Holanda.
Dean grabó también una versión en castellano del mismo tema. (Para los amantes de los videos kitsch y cursis verla aquí.)
Aunque, personalmente, me quedo con la versión de Domenica di Salvo y del venezolano Roberto Lutti. (No me ha sido posible comprobar la grafía correcta de sus nombres ni encontrar un mejor video.)
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EARTH, WIND & FIRE: SEPTEMBER (1978)
Eran los últimos estertores (brillantes) de la música disco en la década musicalmente prodigiosa de los setenta.
Curiosamente, el grupo recién se hizo especialmente popular en los ochenta por sus exóticas coreografía y vestimentas, a pesar de que ya existía desde 1969.
Aunque el baterista de jazz y cantante del grupo Maurice White tuvo que retirarse de los escenarios por sus problemas parkinsonianos, la banda sigue recorriendo el planeta.
Prestar atención al contagiante swing y a la exactitud de los vientos.
Quien era capaz de quedarse firme y quieto sobre su sitio solo podía ser un sobrehumano.
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NAZARETH: LOVE HURTS (1960) (1975)
Esta banda pionera del rock duro se formó en 1968 en Dunfermline, Escocia, al integrarse el guitarrista Manuel Manny Charlton al grupo telonero The Shadettes.
Love hurts formaba parte de un sencillo (un disco de vinilo de 45rpm de la época) que Nazareth solo había publicado para Europa en 1975.
Ese mismo año, Manny Charlton había asumido las labores de productor musical del grupo y al producir su primer álbum como tal, Hair of dog, reemplazó para el mercado norteamericano el tema Guilty por esta balada.
Love hurts es una composición de Felice y Boudleaux Bryant, una pareja de compositores de música country y rock and roll ya desaparecidos, grabada por primera vez en 1960 por The Everly Brothers.
Roy Orbison la incluyó como el lado B de un sencillo suyo de 1961, alcanzando escasa repercusión salvo en Australia.
Con este tema Nazareth consiguió el mayor éxito comercial de su carrera.
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THE JACKSONS: BLAME IT ON THE BOOGIE (1978)
The Jackson 5 acababan de ser rebautizados como The Jacksons después de separarse del sello Motown en 1975.
Era imposible pasar por alto las cualidades vocales y dancísticas de ese niño de veinte años, su ángel y carisma: esa complacencia personal contagiante y excitante para las masas.
Es el momento previo a la decisión del futuro Rey del Pop de continuar su carrera en solitario.
Con Motown habían conseguido nada menos que cuatro Nº1 en 1970 y habían registrado 469 canciones de las que solo se editaron 175.
Sin embargo, el contrato esclavista con la Motown les aseguraba un magro 2,8% de las ganancias (otras fuentes hablan del 6%), de las cuales se descontaban, además, los gastos de producción.
Blame it on the boogie y Shake your body (Down to the ground) pertenecen a la nueva era de los hermanos tras firmar por Epic Records (subsidiaria de la CBS, después adquirida por la Sony) y adoptar el «sonido Filadelfia».
Pero el hermano menor y la voz principal del quinteto familiar ya debía tener otras ideas y proyectos en la cabeza y saber que ya no necesitaba de sus hermanos para expresar su genio.
La música disco empezaba a desaparecer, una nueva época comenzaba a cuajarse en la historia de la música.
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DEBBY BOONE: YOU LIGHT UP MY LIFE (1977)
Ganó el Oscar de 1977 a la mejor canción original como tema de la película del mismo nombre.
Es composición de Joseph Joe Brooks (New York, 1936), también creador, productor y director de la comedia romanticona You light up my life (allí es cantada por Didi Conn, aunque la voz es de la soprano ucraniana K. Cisyk).
Deborah Ann Boone (New Jersey, 1956) fue elegida para grabar el disco sencillo que llegó a ocupar durante 10 semanas el puesto Nº1 en la lista Billboard Hot 100 de su país, convirtiéndose así en el tema de mayor éxito de la Década Prodigiosa.
Le deparó a Debby Boone ganó un Grammy a la mejor artista debutante ese mismo año.
Brooks, por su parte, acaba de ser acusado de abusar sexualmente de once mujeres, contactadas a través de la Red con la esperanza de conseguir un papel cinematográfico.
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BEE GEES: RUN TO ME (1972)
Este es un tema que bien podía haber marcado el final de los Bee Gees como grupo musical.
Después de un ascenso meteórico tanto en ventas como en popularidad y crítica, que tuvo su cima en 1967, y tras haberse reforzado con dos músicos no familiares -Melouney y Peterson-, vino la recesión cíclica.
Poco antes de la separación total en 1969, Leslie Gibb entró –por única vez- al grupo reemplazando a su hermano Robin para una presentación en la televisión inglesa.
Después de probar sin mayor fortuna cada uno de los hermanos su suerte en solitario, vino la reconciliación a mediados de 1970.
Ya sin la participación de Vince Melouney ni de Colin Peterson, el trío consiguió varios éxitos inmediatos, principalmente con Lonely days y How can you mend a broken heart.
Sin embargo, todavía les esperaba otro gran descenso que duró hasta 1975 cuando se levantaron de las cenizas con su nuevo sonido disco y sus célebres falsetes.
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MIGUEL GALLARDO: HOY TENGO GANAS DE TI (1975)
Las orquestaciones de entonces.
Basta escuchar atentamente el comienzo de la canción para darse cuenta de la calidad musical profesional que se ofrecía en la década de los setenta.
Puede gustarnos el tema o no, puede dejarnos fríos el kitsch de la época. Mas, ¿quién canta hoy en la televisión en vivo y en directo acompañado de una orquesta?
José Miguel Gallardo (Granada, 1949) iba para ingeniero cuando comenzó con sus estudios de solfeo, guitarra y piano en el conservatorio de Barcelona.
Después de componer para otros artistas actuó como Eddy Gallardo en 1972 y 1973.
Hoy tengo ganas de ti, con su inicio lúgubre, le abrió las puertas del éxito internacional en 1975.
A comienzos de los noventa decidió retirarse del canto para dedicarse a la producción musical.
La Señora Que No Perdona a Nadie lo llamó a sus filas en el 2005, cuando empezaba a planear su retorno a los escenarios.
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FLEETWOOD MAC: DON’T STOP (1977)
Que la música termine siendo utilizada con fines políticos es tan común como los músicos que toman partido por una determinada corriente.
Bill Clinton, por ejemplo, eligió esta canción como himno de su batalla electoral.
Lo raro es ver reflejado en los textos de bandas como esta, el tipo de extremismos que terminaron copiando los que la fatal (y mal llamada) Guerra contra el Terrorismo iniciada por Bush pretendía combatir.
En la canción Peacekeeper (‘guardián de la paz’), una línea del texto se cantaba como “no tomes prisioneros, solo mata” en Europa, mientras que en EEUU pasó a ser “no tomes prisioneros, rompe su voluntad”.
Fundada en 1966, esta banda ha recorrido varias etapas con diferentes integrantes y estilos musicales.
Don’t stop pertenece a Rumours de 1977, ganador de un Grammy como álbum del año.
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NICOLA DI BARI: TROTAMUNDOS (Vagabondo) (1970)
Michel Scommegna (Zapponeta, 1940), que no era Nicola ni de Bari, consiguió el segundo puesto del Festival de San Remo 1970 cuando nadie creía en ni esperaba nada de él.
Con La primera cosa bella, con letra de Mogol, inició una racha de éxitos que duró un buen par de años.
En el verano (europeo) de ese mismo año lanzó Vagabundo y al año siguiente ganó San Remo 1971 con El corazón es un gitano.
Estando en Buenos Aires le habrían recomendado acercarse a ver a un pibe que hacía genialidades con el balón y del que habría comentado: “Será más famoso que Pelé”.
El muchachito, ya adolescente, le devolvió el comentario haciéndolo su ídolo.
Me imagino que debe haber reciprocidad y que El Pibe -Maradona- también es ídolo del gran Nicola.
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BIMBO JET: BAILEMOS EL BIMBÓ (1974)
¿Qué tenía este tema relativamente simplón que hizo bailar tanto a tanta gente y que ocupó magníficos puestos en las listas de varios países de diferentes continentes?
¿Era por su saborcito melancólico o por lo repetitivo de su ritmo fundamental?
Bimbo Jet fue un grupo francés que en el verano (europeo) de 1975 se hizo famoso con este tema básicamente instrumental aparecido el año anterior.
Se trataba de una versión del tema Tanha Shodam Tanha grabado por el músico afgano Ahmad Zahir en su álbum Lylee (1971).
Hay que prestar atención a esto: un grupo francés interpretando música de un afgano, con título y estribillos en castellano.
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PINO DONAGGIO: EL ÚLTIMO ROMÁNTICO (1972)
Giuseppe Pino Donaggio (Venecia, 1941) estudió violín en el conservatorio Giuseppe Verdi de Milán y luego composición.
Junto con el letrista Vito Pallavicini, compuso esta canción que fue presentada en el Festival de San Remo de 1971 por Peppino di Capri.
El festival de ese año lo ganó Nicola di Bari con El corazón es un gitano.
Curiosamente, Di Bari grabaría luego El último romántico, por haber sido así caracterizado por su público.
Donaggio se había inmortalizado mucho antes, en 1965, en el mismo evento, con Yo que no vivo (sin ti).
El mismo tema que Elvis Presley grabó en inglés bajo el título de You don’t have to say you love me.
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RITA PAVONE: AY, AY MUCHACHO (1970)
Se trata de una grabación del tema original en italiano (Ahi, ahi ragazzo) del Festival de San Remo de 1970, al que se le ha superpuesto la versión en castellano.
Se dice que esta pequeña gran pelirroja italiana de menos de un metro y medio de estatura, pesaba apenas 36 kilogramos en sus mejores épocas como cantante.
Fue descubierta en el Festival de los Desconocidos de Ariccia en 1962, por Teddy Reno, con quien después se casaría.
Muy conocida en países como Francia y Alemania, Rita Pavone (Turín, 1945) lideró las listas (musicales) de varios países en diversas oportunidades.
Después de una bien lograda operación al corazón en el 2004 y de una gira de despedida al año siguiente, la madrugada del primero de enero del 2006, a las 01:10 horas, cantó oficialmente por última vez.
Incursionó en la política de su país en el 2006 como candidata al senado en una lista de centro derecha, sin llegar a ser elegida.
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CUERPOS Y ALMAS: SAMBA SAMBA (1971)
No me ha sido posible encontrar más información sobre este grupo, salvo que probablemente se trata de un dúo español.
Un tema de los comienzos de la década de los setenta –supongo-, bien alienado en la atmósfera y estética hippie, mensaje (confuso) de paz incluido.
La segunda parte de la canción, con una introducción de percusión latina, recrea muy bien la atmósfera psicodélica propia de la época.
No fue el único tema de los 70 que usó el término samba en su título.
Aparte de Santana, los hermanos Elkin y Nelson Marín de Medellín usaron exactamente el mismo título para uno de los poquísimos temas que se les conoce.
Una de Mis Canciones Favoritas de Todos los Tiempos.
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ELKIN & NELSON: SAMBA SAMBA (1973)
Injustamente olvidados, poco se sabe de los hermanos Javier Elkin y Leon Nelson Marín Vélez (Medellín, 1951 y 1952, respectivamente).
Pero hace unos 35 años convulsionaron fugazmente a una pacata –y franquista- España después de haber pasado por Venezuela y oscuros bares de Madrid.
Dos magníficos músicos, descubiertos en una de sus actuaciones improvisadas por Juan Pardo de Los Brincos, quienes con dos guitarras (en este tema con dos acordes básicos) y algo de percusión podían hacer bailar a las sillas.
Se ha llegado a hablar de La revolución del glam latino, más que nada por su estética al vestir.
Aunque se alimentaban también del funk, su estilo indefinido era único y directamente emparentado con ritmos afrolatinos como la salsa y con el derrotero de músicos como Santana.
Verdaderos bravos de la música latina, potentes y rítmicos en el fraseo, solían usar el inglés para los coros y tenían el sabor como máxima.
Otro de Mis Favoritos de Todos los Tiempos que no había vuelto a escuchar desde mi adolescencia limeña.
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CAROLE KING: YOU’VE GOT A FRIEND (1971)
Con esta composición, de su álbum Trapestry, Carole King ganó un Grammy por la Canción del Año de 1971.
Ese mismo año, James Taylor la tomó para su álbum Mud Slide Slim and the Blue Horizon y consiguió el mayor éxito de su carrera, así como un Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina.
Trapestry se quedó más de seis años en las listas, se vendió 10 millones de veces en EEUU y ganó 4 Grammys.
Carole King (Nueva York, 1942), nacida en un hogar judío de Brooklyn y a sus 67 años sigue perfectamente activa.
En el Queens College fue compañera de Neil Sedaka, a quien inspiró para su celebérrimo Oh, Carol.
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CHUCK MANGIONE: FEELS SO GOOD (1978)
No puedo dejar de asociar el sonido de la trompeta y el estilo de Mangione con el verano limeño de ese año.
Un aura de optimismo que, para mí, sigue incólume en este relativamente sencillo tema, a medio camino entre el jazz y el pop, de Charles Frank Chuck Mangione (Rochester, Nueva York, 1940).
A pesar de ser más conocido por su Feels so good de 1978, Mangione ha grabado más de 30 álbums desde 1960, además de haber ganado un par de Grammys.
Músico de formación profesional, ha dirigido varias orquestas, y se retiró en 1989 de los escenarios después de 25 años de actividad ininterrumpida.
En 1994 –Dizzy Gillespie acababa de morir- volvió a los estudios de grabación.
Aún aparece esporádicamente en la televisión de su país.
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CARLOS SANTANA: EUROPA (1976)
Los inicios profesionales de este mexicano que a los 8 años ya había dejado el violín mariachi paterno por la guitarra, no fueron sencillos a pesar de su obvia genialidad.
Pero en 1969, cuando acababa de grabar su primer álbum y de integrarse un percusionista nicaragüense –José Chepito Areas- a su banda, Santana soltó los memorables 11 minutos de su Soul Sacrifice en Woodstock.
Luego vinieron Samba pa ti y Black magic woman, y de allí hasta ahora; es decir, hasta la eternidad.
Tuvo momentos difíciles y épocas de las que no se sabía qué sería de su futuro artístico.
Pero Carlos Augusto Alves Santana (Autlán de Navarro, Jalisco, 1947) (¿por qué Carlos Alberto Santana Barragán en la Wikipedia en castellano?) las superó todas y hoy sigue perfectamente activo y en plena forma a sus 61 años.
Justamente, esta pieza, del álbum Amigos de 1976, marcó uno de los varios ‘regresos’ (Supernatural el mayor en 1999) de este guitarrista divino y creador de un estilo y un sonido propios.
Si lo que hace es una mezcla de rock, salsa y jazz, es algo que no le debe preocupar mucho a este mexicano inmortal.
Alguien que ya hacía música de fusión cuando el hombre no había llegado aún a la Luna y ni siquiera se había inventado ese término.
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SHOCKING BLUE: VENUS (1969)
Esta banda holandesa formada en 1967 por Robbie Van Leeuwen en La Haya, consiguió la fama mundial en 1970 con su primer álbum gracias a Venus.
Hasta el fallecimiento de su vocalista Mariska Veres en el 2006, a sus 59 años, el grupo había conseguido seguir actuando a pesar de las numerosas separaciones sufridas.
Venus, una de mis Favoritas de Todos los Tiempos (pasando por alto este poco favorecedor video), volvió a los primeros puestos de las listas tanto en 1986 como en 1990.
Y no debería llamar la atención que vuelva a hacerlo.
Por esas cosas de la vida, ya alejado de la música, Bob Van Leeuwen terminó asentándose en esta ciudad (Colonia) y aquí llegué a conocerlo trabajando un par de años para él.
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SHOCKING BLUES: DAEMON LOVER (1970)
Tema del álbum Scorpion’s Dance (1970) de duración poco común (6 minutos y pico) y que creía perdido para siempre.
Lo recordaba especialmente por el particular arpegio inicial, que era abandonado más tarde temporalmente al acelerarse -doblándose- el ritmo y dar paso a interesantísimos solos de la primera guitarra.
También, por la incorporación de una segunda guitarra (¿acústica?) desarrollando una línea melódica propia y característica.
Al fondo, el bajo marcando su propio pulso singular y quedando durante un par de compases en primer plano hacia el final de la canción.
Una rareza olvidada y de mis Favoritas de Todos los Tiempos, resucitada gracias a la magia de YouTube.
En mi país llevó el título de Demonio enamorado.
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SHOCKING BLUES: BLOSSOM LADY (1971)
Los Shocking Blues no llegaron tan alto en las listas con este tema como con su emblemático Venus.
Aunque Blossom Lady apenas alcanzó el puesto 41 aquí en Alemania, por ejemplo, en mi país fue tomada más en serio y no somos pocos los que todavía la recordamos.
Después de fundar su banda en La Haya en 1967, Bob Van Leeuwen la abandonó definitivamente en 1973.
Tras su salida, no volvió más a las andanzas musicales y se dedicó a los negocios aquí en Colonia.
Curiosamente –y a pesar del idioma- la producción de esta banda holandesa es más conocida y admirada en Japón y Latinoamérica que en Europa y EEUU.
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JOSÉ FELICIANO: FELIZ NAVIDAD (1970) (en Copenhagen, 1973)
Sin ser de lo mejor de Feliciano y compuesta en 1970, esta canción ya es un verdadero clásico y se encuentra entre los 25 temas más difundidos por estas fiestas en todo el mundo.
Se dice que José Montserrate Feliciano García (Lares, Puerto Rico, 1945) se pasaba de niño hasta 14 horas diarias escuchando música.
A los 5 años llegó con su familia al Harlem Latino (El Barrio) de Nueva York y a los 9 ya estaba actuando en el Teatro Puerto Rico.
Aunque empezó con el acordeón (uno de los 18 instrumentos que domina), recibió luego clases de guitarra de Harold Morris, quien a su vez había sido pupilo de Segovia.
Ciego de nacimiento en una familia de once hermanos, Feliciano no ha cesado de producir ni actuar desde que a los 17 años se inició en el mundo del espectáculo.
Ya van 46 años como profesional desde entonces.
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RUPERT HOLMES: ESCAPE (CANCIÓN DE LA PIÑA COLADA) (1979)
Primer puesto de las listas de EEUU en diciembre de 1979 y en enero de 1980, y con ello el último Nr. 1 de la Década Prodigiosa de los 70 y el único tema que lo ha conseguido en dos décadas diferentes.
De padre usamericano –oficial del ejército y director musical- y madre inglesa, Holmes (Northwich, Inglaterra, 1947) creció en la periferia de la ciudad de Nueva York.
Ya había compuesto melodías para The Platters, The Drifters y para la serie televisiva de la Familia Partridge, cuando Barbra Streisand se fijó en su primer álbum, Widescreen, del cual escogió varios temas para su película Ha nacido una estrella (1976).
Rupert Holmes no sólo había estudiado clarinete en la Manhattan School of Music, también dominaba otros instrumentos, aparte de cantar, componer, hacer arreglos y trabajar como músico de estudio.
Ingenioso incansable, ha sido productor y autor televisivo, compositor y escritor dramático, comediante en solitario y en el 2003 publicó su primera novela.
Piña Colada es una historia con sorpresa incluida: la de muchos que no saben quién duerme realmente a su lado.
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JEANETTE: YO SOY REBELDE (1971)
Con esta simple canción de rebeldía aún más simple, la española Janette Anne Dimech (Londres, 1951) logró establecerse en el mundo musical como solista.
Hija de un ciudadano del antiguo Congo Belga de ascendencia maltesa, antes había probado suerte en una banda de estudiantes llamada Pic-Nic, con la que grabó temas como Cállate niña en 1967, Amanecer y No digas nada.
Acostumbrada a moverse por todo el mundo, debido al negocio de importación y exportación de sus abuelos, ella misma nació en Londres, y creció en Chicago y La Habra, California.
Tras el divorcio de sus padres, regresó a la edad de doce años a Barcelona con su madre, una española de las Islas Canarias.
Después de establecerse en Viena con su esposo húngaro, le llegó el éxito con Yo soy rebelde en 1971.
Canción de la pluma del gran Manuel Alejandro y que hizo popular, además, en francés y en inglés.
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JEANETTE: ¿POR QUÉ TE VAS? (1974)
Aunque Yo soy rebelde le habría bastado para pasar a la historia, un hecho indirecto, le trajo a Janette Anne Dimech (Londres, 1951) muchas más satisfacciones con otra canción.
¿Por qué te vas?, grabada en 1974, había permanecido olvidada hasta que la película Cría cuervos de Saura (en la que actuaba Geraldine Chaplin) ganó el Festival de Cannes de 1977 y la hizo conocida internacionalmente.
Se la había escrito un cantautor con fama de tímido y retraído y que recién se había animado a cantar: José Luis Perales.
Curiosamente, a pesar del idioma, ¿Por qué te vas? llegó a estar aquí en Alemania en el primer puesto de las listas y existen, además, hasta tres versiones en alemán de ella.
Afincada en Barcelona, Jeanette volvió a intentarlo en 1999 con Daría cualquier cosa, un tema que había popularizado el cantante portorriqueño Chayanne.
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DYANGO: CUANDO QUIERAS (1976)
No sé por qué.
Para mí sigue siendo una de Mis Favoritas de Todos los Tiempos por excelencia.
Sólo la entrada del piano basta para pasar a otra dimensión y que el tiempo parezca detenerse.
¿Sería por la edad? ¿La del adolescente que empieza a descubrir el mundo, el amor y las decepciones que de niño apenas sabía de oídas?
El tema de José Gómez Romero (Barcelona, 1940) no tiene, por otro lado, un mensaje claro ni directo: cuando quieras, donde quieras. Es decir, todo queda abierto.
¿Por qué, entonces? ¿Por su simple valor musical?
¿Existe eso?
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FOREIGNER: COLD AS ICE (1977)
Una entrada de piano que ya es clásica, para un tema de 1977 y del mejor rock de finales de esos años.
Los coros depres se iban superponiendo en un lindo juego de capas, para acentuar esa frialdad gélida a la que se refería este grupo neoyorquino fundado ese mismo año.
Esta banda que se mueve entre el rock y el rock duro, ya lleva vendidos nada menos que 50 millones de discos; las dos terceras partes de ellos en su propio país.
Sólo al salir su álbum Foreigner, se vendieron inmediatamente 4 millones de copias y se mantuvo en la lista de los mejores 20 de EEUU a lo largo de todo un año.
A pesar de que de la formación original sólo ha quedado el guitarrista Mick Jones, el grupo sigue rodando por todo el mundo.
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ROBERTO CARLOS: DETALLES (1971)
Si tuviera que decidirme por dos canciones de este inmortal brasileño, ésta, junto con El gato en la oscuridad, sería una de ellas.
Es la que abre su disco Roberto Carlos de 1971, y que es cerrado por Amada, amante.
El desamor y la nostalgia son sólo dos de la larga serie de temas que trata en sus canciones.
Conocido como furibundo antiizquierdista, llegó –en su propio extremismo- a dedicarle una de sus interpretaciones a la esposa del funesto Pinochet en un Festival de Viña del Mar.
Se dice que es el único artista que ha vendido más discos que The Beatles en Latinoamérica.
Roberto Carlos Braga (Cachoeiro de Itapemirim, 1941) cantó por primera vez en público en una radio a la edad de nueve años, incentivado por su madre.
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ROBERTO CARLOS: UN GATO EN LA OSCURIDAD (1972?)
O Rei de su país: el segundo rey absoluto, junto con Pelé, ya lleva casi medio siglo en los escenarios.
Empezó imitando a Los Beatles y en los setenta se pasó a la música romántica y melódica, género en el que ha vendido más de cien millones de álbums.
Con Erasmo Carlos –no es un pariente suyo- ha compuesto más de 500 temas, aparte de los trabajos personales de ambos.
De niño perdió una pierna y desde entonces lleva una prótesis.
Es el único latinoamericano que ha ganado el célebre Festival de San Remo (1968).
No me ha sido posible ubicar el álbum ni el año de este tema de todos los tiempos.
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THE ROLLING STONES: ANGIE (1973)
Número uno en las listas de EEUU y de otros países del mundo en 1973 y uno de los mayores éxitos de esta banda dinosauria.
De la onda más depre de los Rolling y de la música moderna en general.
Sin embargo, sirvió para juntar corazones ansiosos en una época en que se bailaba abrazados y muy juntos aún entre desconocidos.
Viendo los ojos y observando las pupilas de Mick Jagger, me pregunto ahora: ¿cuántas drogas se metía a la vez y en qué cantidades?
Aquí en Alemania, la canción se utilizó en la campaña electoral de Angela Angie Merkel en el 2005, de la que resultaría ganadora.
Curiosamente, los del CDU obviaron pedir el permiso correspondiente y tuvieron que retirarla.
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STORIES: BROTHER LOUIE (1973)
Qué melenas, qué ropa, qué zapatos. Hoy les pondrían una multa.
Este es un tema que trata de una relación interracial y que fue escrito originalmente por Errol Brown del grupo británico Hot Chocolate.
Aunque llegó a estar entre los diez mejores de 1973 en Inglaterra, fue recién seis meses después, con la versión de Stories, que llegó al primer puesto en EEUU y en el resto del mundo.
Existen varias versiones más modernas de este tema, entre las que se cuentan una de Bon Jovi y la de un grupo de hip hop llamado Code Red.
Stories fue un grupo de Nueva York de cortísima vida.
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LOS POP TOPS: MAMY BLUE (1971) (versión en castellano)
Fue una canción emblemática de la época.
Mezcla de gospel ligero, pop, soul y letanía mística, fue otro de los temas depres por excelencia.
Aunque no lo parezca, Los Pop Tops fue una banda española, fundada en Madrid en 1967.
El francés Alan Mihoud, quien también había sido productor de Los Bravos, se fijó en Los Tifones, un grupo que en 1966 había ganado en la radio el Festival de Conjuntos Musicales de León.
Al nuevo grupo le añadió la voz de Phil Trim (Trinidad Tobago, 1950) y le puso Los Pop Tops, también conocido como The Pop Tops en los países de habla inglesa. (Hasta existe la curiosa grafía The Los Pop Tops.)
En su versión en inglés, aquí en Alemania Mamy Blue se mantuvo diez semanas en el primer puesto de las listas y fue un gran éxito en toda Europa.
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CAROLE KING: IT’S TOO LATE (1971)
Escuchar el nombre Carole King me trae inmediatamente a la memoria los primeros acordes de esta canción de desamor.
Es su melodía, es ella la que toca el piano y es su letra la que ella misma canta.
Carol Klein (Brooklyn, Nueva York, 1940), su nombre verdadero, es una de las más prolíficas cantautoras de la historia, con más de 100 canciones suyas incluidas en las listas de Las Mejores 100 de la revista Billboard de su país.
Lleva ganados 4 Grammys y sigue políticamente activa, en la izquierda liberal de su país.
Los Beatles incluyeron en su primer álbum Please Please Me (1963) su tema Chains.
Y los mismos Melenudos de Liverpool llegaron a afirmar lo siguiente: “Nuestra meta era escribir composiciones al estilo de Carole King y Gerry Goffin”.
Después de 10 años de pausa, en el 2004 volvió a salir de gira esta artista de ascendencia judía que no pensaba que podría ir más allá de su rol de escribir canciones para otros.
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MAURICIO MORIS BIRABENT: EL OSO (1970)
“Así perdí mi amada libertad”, recapitula el oso poeta y filósofo de la canción.
“Conformate”, le decía un tigre viejo: “Nunca el techo y la comida han de faltar. Sólo exigen que hagamos las piruetas y a los chicos podamos alegrar.”
Mauricio Moris Birabent (Buenos Aires, 1942), se había enterado, en plena dictadura militar, de que se le acusaba de “atentar contra el sentir nacional y las tradiciones argentinas”.
Con Los Beatniks había grabado en su país el primer disco –Rebelde– del movimiento llamado Rock Nacional, demostrando que el rock en castellano era posible.
Creador de Ayer nomás –tema que popularizaron sus compatriotas Los Gatos- tuvo que abandonar su país para aterrizar en 1976 en una ciudad y país desonocidos: Madrid.
Facundo Cabral le había mencionado la posibilidad de actuar durante un mes en El Poncho madrileño y Moris no lo duda un momento.
Allí, él solo, con su guitarra eléctrica, ofrecía conciertos singulares: rock de autor y en castellano.
Entre pase y pase, unas chicas hacían strip-tease.
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CHICAGO: IF YOU LEAVE NOW (1976)
Fue un año durísimo para mi enamorado corazón adolescente.
Y uno de los más prolíficos en la historia de la música pop.
Por un peinado como el que llevaba el cantante, hoy podría ser encarcelado.
Es un decir.
Pero Chicago era Chicago y la moda era la moda.
Escuchen esos vientos del grupo formado en 1967 en la ciudad del mismo nombre y en el que todos sus integrantes también componían.
Aparte de su estilo, Chicago fue conocida por ser de las primeras bandas de rock en incluir una sección de vientos, dándole un aire jazzístico a sus composiciones.
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ANDREA TRUE CONNECTION: MORE, MORE, MORE (1976)
La Era Disco, si bien había nacido a comienzos de los 70, recién iniciaba su apogeo.
No se necesitaba mucho, al parecer, para hacer bailar a esa juventud mundial ansiosa por moverse con libertad y desparpajo.
Una buena banda, un tema pegajoso y una voz presentable.
El estilo de hacer música -el sonido disco– estaba basado en el Rythm & Blues, el funk y el soul, y muchas veces apoyado en claros elementos latinos.
La llamada música disco significó la carta de ciudadanía de las discotecas, esos lugares que, a diferencia de los antiguos salones de baile, no lo hacían con música en vivo.
Había nacido la fiebre del sábado por la noche.
Las nuevas tecnologías –con su alta fidelidad y potencia en el sonido- lo hacían posible.
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LEO SAYER: YOU MAKE ME FEEL LIKE DANCING (1976)
“Voy a bailar la noche entera” repetían los coros en este tema emblemático de la era disco.
No era especialmente rápido ni marcado, pero pegajoso como ninguno.
Eran los gustos de la época: el falsete no estaba mal visto.
Sobre eso podrían escribir libros los Bee Gees, por ejemplo.
El ritmo repetitivo, el bajo sincopado, los coros y parte del muro de sonido que creaba la orquesta son los típicos del sonido disco.
La carrera artística de Gerard Hugh Leo Sayer (Inglaterra, 1948) abarca ya cuatro décadas.
Con este tema llegó a ocupar el número 1 en el Billboard Hot 100 de ese año.
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LEO SAYER: WHEN I NEED YOU (1977)
Una linda y sentida balada de este cantautor inglés.
Era una época en la que lo depresivo formaba parte casi inherente del llamado rock lento.
Representado, en esta canción, por la melodía llevada por dos y hasta cuatro voces (también en falsete), seguramente todas del mismo Sayer.
When I Need You ocupó el primer lugar tanto en las listas de su país como en EEUU.
Ese mismo año ganó un Grammy por su You Make Feel Like Dancing de finales del año anterior.
Gerard Hugh Leo Sayer (Sussex, Inglaterra, 1948) acaba de presentar este año su último disco, Don’t Wait Until Tomorrow.
En el 2006 una versión del DJ Meck de su Thunder In My Heart de 1977 ocupó el primer lugar de las listas británicas.
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AL STEWART: EL AÑO DEL GATO (1976)
Fue con su séptimo álbum que este empeñoso escocés se aseguró un lugar en la historia de la música.
Se trataba de una pieza de seis minutos y medio de duración -la última del disco-, que llevaba el mismo inusual y un tanto misterioso nombre de El año del gato.
Peter Wood fue el coautor de Year of the Cat, tema que tal vez no habría pasado a la historia sin la mano del ingeniero y productor Alan Parsons.
Parsons fue el responsable de incluir los solos de saxofón (y acaso también el piano), dándole a El año del gato un carácter más cercano al jazz y alejándolo de su original concepto folk.
El éxito multitudinario se le fue a Alastair Ian Stewart (Glasgow, Escocia, 1945) de la misma manera como le había llegado: súbitamente.
Él era –lo sigue siendo a sus más de 60 años- un tímido cantautor más preocupado y concentrado en sus composiciones que en prestarse a los vaivenes de la mercadotecnia.
1976 fue el Año del Gato en el calendario vietnamita. Éste se diferencia del calendario chino sólo en este animal, que ocupa el lugar del conejo.
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AL STEWART: ON THE BORDER (en vivo, 1976)
La poesía de Stewart se nutre de temas tan diversos como la historia, la mística y la enología.
También son frecuentes sus citas literarias y cinematográficas.
En EEUU, país al cual emigró a mediados de los 70 y en el que pronto le sonrió la fortuna, se pudo dedicar a su segunda pasión después de la música: la vitivinicultura.
Se dice que posee una de las mejores bodegas de California.
Con dos temas de un solo álbum, este cantautor escocés obtuvo los mayores y únicos grandes éxitos en su larga carrera profesional de más de 40 años.
Otro de sus mejores temas –curiosamente el primero de ese mismo álbum felino: Lord Grenville– casi ha pasado injustamente al olvido.
No así On the Border, el segundo título del álbum Year of the Cat.
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TINA CHARLES: I LOVE TO LOVE (1976)
Creo que ese año estaban de moda las camisas leñadoras a cuadros.
Te las tenías que poner aunque hiciera un calor del carajo en Lima, porque la moda no incomodaba. (Como tampoco ahora.)
Tina Hoskins (Londres, 1954), rebautizada artísticamente como Tina Charles, sigue cantando, con su tímbrica e inconfundible voz y muy buen aspecto; por más que aquel de esa época histórica siga desconcertando a muchos.
Con su himno de la era disco, ese año nos hizo sudar a más de uno con el sonido potente y claro de su pegajoso tema, presente en todas y cada una de las fiestas de esa temporada.
Lo malo era que las chicas nunca querían entender de qué iba la letra de la canción y seguían bailando terca e indiferentemente: I love to love, but my baby just loves to dance.
¿O era al revés?
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CAMILO SESTO: VIVIR ASÍ ES MORIR DE AMOR (1978)
Se podría decir que Sesto ha hecho un pacto con el diablo.
A cambio de rejuvenecer (que ya no sólo de no envejecer), él debe a cambio, seguir cantando como si el tiempo se hubiera detenido. Un imposible que él asume con arrebato.
Camilo Sesto no le puede decir quizás nada a las nuevas generaciones.
Lo suyo es hacernos recordar. Y esta muy bien así.
Esas épocas en las que los cantantes se hacían acompañar por grandes orquestas, todos conocían muy bien su oficio y los cantautores nos alimentaban con preciosas melodías arropadas en arreglos virtuosos.
A Camilo Blanes Cortés hay que saber reconocerle, además, haber sido quizás el artista más completo de su generación; puesto que fue intérprete, compositor y productor de sus propios discos.
Y de Vivir así es morir de amor, del álbum Sentimientos (1978), se dice que es una de las canciones más versionadas y difundidas de la historia de la música española.
Otra cosa es querer confundir el pasado con el presente.
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GILBERT O’SULLIVAN: ALONE AGAIN (NATURALLY) (1971)
Una canción en la que hablaba de la muerte de sus padres y de un suicidio imaginario.
Y una canción consuelo, por la constatación del estribillo: Solo otra vez, naturalmente.
Sin haberla escuchado, basándose en esas dos premisas, ¿quién habría dado un centavo por ella?
Sin embargo, con su primer álbum, Himself (1971), llegó a los primeros puestos de éste y del otro lado del Atlántico, después de haber tenido poca suerte con sus primeras composiciones.
Tras alcanzar y mantenerse en los primeros puestos de las listas de varios países, Sullivan inició un juicio contra su sello MAM Records, por considerar leonino el contrato que los unía.
A pesar de que los jueces le reconocieron un resarcimiento de 7 millones de libras esterlinas, el juicio lo dejó apagado como compositor por largos años.
En el 2007 publicó su último álbum A scruff at Heart.
HjorgeV
GILBERT O’SULLIVAN: OH, CLAIRE (1972)
O’Sullivan sigue siendo más admirado y recordado actualmente en Japón que en el resto del mundo.
Es una injusticia hacia ese resto al que pertenecemos nosotros.
Tuvo por lo menos dos temas a incluir en la lista a llevar a una isla solitaria: Oh, Claire y Alone again.
Get down tampoco fue poca cosa y O’Sullivan tenía ese no sé qué que muchos músicos no podrán adquirir ni con una inyección o un transplante. (O por más drogas que se metan.)
Oh, Claire sigue siendo una de las canciones que definieron parcialmente los 70: por el estilo, la melodía, los arreglos y por ese fraseo silbado que es simplemente celestial.
Era terrible: mayo del 68 no quedaba muy lejos atrás, la guerra de Vietnam no había terminado y una canción así nos podía hacer creer que el mundo estaba en orden.
Terrible, claro. Pero era su mérito como canción.
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KC & THE SUNSHINE BAND: ROCK ME BABY (1973)
Harry Wayne Casey y Richard Rick Finch llevaban trabajando un buen tiempo en el sello TK Records, sin sospechar que pronto pasarían a la historia.
Como empleados de la empresa, aprovechaban su tiempo libre para utilizar los estudios y grabar en lo que se pudiera.
Un día de 1973, ensayando una balada, junto con el guitarrista Jerome Smith, se dieron cuenta de que la melodía era muy alta para la voz de Casey.
Buscando a un intérprete que pudiera cantarla, se les cruzó casualmente en el camino George McCrae.
Se dice que en dos sesiones de grabación, la canción quedó lista.
Lista, para ser Número 1 en EEUU, Gran Bretaña y muchos países más, llegando a vender más de 5 millones de sencillos.
Jerome Smith murió en un accidente de construcción –su otro oficio- en agosto del año 2000, al caerle encima el tractor oruga que conducía.
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KC & SUNSHINE BAND: THAT’S THE WAY (I LIKE IT) (1975)
No se trata obviamente de una buena grabación, ésta que presento aquí. Pero es documental.
Las vestimentas, el espíritu de la época, la sección vientos y la loquísima coreografía; el relajo de esta banda de Florida.
¿Quién se presenta hoy así, con trompetas, trombones, saxofones y con coros profesionales en música para bailar? Porque lo suyo eran las fiestas.
That’s the way se sostenía sólo de un refrán pegajosísimo, de su ritmo contagioso y de un fraseo inicial portentoso.
Y, sin embargo, fue Número 1 en casi todo el mundo, además de seguir golpeando incluso hoy.
Qué tiempos.
Era música negra, sección rítmica y vientos afroamericanos, bajo la batuta del talento, la voz, el teclado y el olfato de Harry Wayne KC Casey.
HjorgeV
KC & THE SUNSHINE BAND: PLEASE DON’T GO (1979)
La ola de la llamada música disco llegaba a su declive con el aporte pasado de temas enfebrecedores como los de KC & The Sunshine Band y su That’s the way (I like it).
Que esta banda de Florida también lo podía hacer de otra forma –más lenta- lo demuestra su balada Please don’t go.
Fue también su último Número 1.
Poco después se disolvía como grupo, después de que su sello TK Records se declarara en quiebra.
En mi recuerdo tengo a una Lima de enero de 1980, en plena canícula, con este fondo de rock lento, himno de los amores adolescentes fracasados.
Harry Wayne KC Casey, vocalista y primera alma de la banda, no se rindió tan fácilmente a pesar de sufrir un grave accidente automovilístico que le paralizó una mitad de su cuerpo en 1983.
En 1991 resucitó a la banda. En el 2006 la sacó nuevamente a girar.
(Inicio de la canción después de 58 segundos.)
HjorgeV
DANNY DANIEL: SÉ QUE ME ENGAÑASTE UN DÍA (1975)
A pesar de que Por el amor de una mujer es considerada su mejor composición, personalmente me quedo con este tema de Daniel Candón de la Campa.
Curiosamente, este gijonés nacido en 1942 y un año mayor que Julio Iglesias, tiene algo más en común con su compatriota.
Ambos iban para futbolistas profesionales, triunfaron en la música y terminaron estableciéndose en EEUU.
Después de estudiar tres años de solfeo siguiendo la afición musical de su padre, este le regaló un acordeón.
Su primera canción la compuso en 1969. En el 2004 volvió al mundo del espectáculo con un álbum de corte clásico: Cuando brilla una estrella.
No había vuelto a escuchar Sé que me engañaste un día en su versión original desde esos días adolescentes del 75, 76 y 77 que me quedé prendado del tema.
La magia de YouTube me ha sorprendido descubriéndome que he estado cantando durante décadas mi propia versión de la melodía sin saberlo.
HjorgeV 05-04-2008
JOSÉ JOSÉ: EL TRISTE (en vivo) (1970)
Qué voz y qué interpretación.
Y simplemente apoteósica la respuesta del público.
El tema es nada menos que de la pluma del gran Roberto Cantoral, autor de El reloj y La barca y quedó en un absurdo tercer puesto.
Es el II Festival de la Canción Latina, que después pasó a ser el ya desaparecido Festival de la OTI.
José Rómulo Sosa Ortiz (Ciudad de México, 1948) demostrando en el escenario y a sus 22 años que no es un simple mortal más.
Observen las aclamaciones del público mexicano, el éxtasis delirante, en plena interpretación.
En el escenario, El Príncipe de la Canción, como si no fuera con él todo el bolondrón.
Absolutamente concentrado en su arte. Me atrevo a decir que él mismo no volvió/volvería a cantar así.
¿Quién lo consigue ahora?
HjorgeV
BREAD: DIARY (1972)
Los temas de este grupo usamericano pueden llegar a parecernos en el recuerdo todos partes de uno solo.
Eso no tiene por qué ser malo.
Muchos de los más célebres artistas afirman una y otra vez que se pasan la vida buscando la obra, su obra, y terminan escribiendo solo varias versiones de la misma.
Bread ya la escribió.
Con ese nombre que suena a necesidad diaria, el tema principal no podía ser otro que el amor.
¿Demasiada edulcoración?
¿Qué importa cuando afuera -a lo lejos, todavía- resuenan las balas y la idolatría del dinero arrasa con lo verdaderamente bueno de este planeta?
Escuchar a Bread en mi adolescencia, significaba soñar con la muchacha desconocida que, bailando muy apretados, alguna vez se animaría a declararte su amor al oído.
HjorgeV
HOT CHOCOLATE: SO YOU WIN AGAIN (1977)
Pocos saben que en la década de los 70 solo tres nombres alimentaron con asiduidad prácticamente anual los primeros lugares de las listas de muchos países, como el Reino Unido.
Ellos fueron Diana Ross, Elvis Presley –hasta su muerte en 1977- y el grupo británico Hot Chocolate.
Se dice que el vocalista, Errol Brown, un británico nacido en Jamaica, había empezado grabando con sus compañeros un tema de John Lennon –Give peace a chance– a ritmo de reggae, pero sin permiso del autor.
¡Qué sorpresa tiene que haberse llevado Brown, cuando la Apple Records –el sello discográfico del que los Beatles eran fundadores y propietarios- se puso en contacto con él y le comunicó que Lennon se había quedado encantado con esa versión de su tema!
El contrato que firmaron como grupo con la Apple no prosperó demasiado, porque los Melenudos de Liverpool se separarían poco después.
La ironía del destino quiso que el único tema con el que Hot Chocolate se mantuvo durante tres semanas de julio de 1977 en el primer puesto en el Reino Unido, no fue uno que salió de la talentosa pluma musical de Errol Brown.
So you win again lleva la firma de Russ Ballard.
Se afirma, también, que contribuyeron enormemente como grupo al desarrollo de la música disco.
HjorgeV
GLORIA GAYNOR: NEVER CAN SAY GOODBYE (1974)
En octubre de 1974, el año que muchos consideran como el del nacimiento de la música disco, Gloria Gaynor (Newark, Nueva Jersey, 1949) golpeó duro con Never can say goodbye.
Pocos títulos como éste, de toda la historia musical, tan exitosos en las listas y que han sonado tanto en fiestas y discotecas y, aún hoy –más de 30 años después-, lo siguen haciendo.
En 1975 la Gaynor publicó su álbum con el mismo nombre que incluía su versión de Reach out, I’ll be there, tema de The Four Tops de 1966.
Honey bee era el título que iniciaba el primer lado y que seguía sin disolución de continuidad con los otros dos temas nombrados, en un maratón musical de casi 19 minutos que, en su momento, se tocaba íntegro en los clubes, fiestas caseras y discotecas.
Gaynor fue así, la primera cantante en grabar un álbum propio con música disco.
A pesar de llenar grandes escenarios, muchos de sus temas se hicieron conocidos por sus conciertos y no a través de las listas.
Curiosamente, Never can say goodbye –de la pluma de Clifton Davis-, fue un disco simple de The Jackson 5 grabado en 1971 por el sello Motown y uno de los más exitosos del quinteto de un Maicol El Desteñido Jackson de apenas 12 años de edad y sus hermanos.
HjorgeV
GLORIA GAYNOR: I WILL SURVIVE (1978)
Después de sus éxitos de 1975, recién en 1978 Gloria Gaynor pudo volver a los primeros puestos de las listas con este tema de octubre de ese año, escrito por Freddie Perren y Dino Fekaris.
Se trataba originalmente del lado B de un simple con el título de Substitude.
Gracias a la porfía de los pinchadiscos que lo ignoraban como tema principal del disco, Sobreviviré pasó a convertirse en casi un himno de muchas feministas por su –vamos a decir- letra antimachista tan poco común para sus tiempos.
Por esas cosas de la vida, este mismo título fue acogido por el movimiento homosexual o gay junto con otro tema de Gloria Gaynor: I am what I am, el cual también se ha convertido en símbolo de muchos transexuales.
Después de 18 años de pausa, la Gaynor publicó un nuevo álbum en el 2002 con bastante éxito.
En el 2005, fue acogida en la Dance Music Hall of Fame por el tema I will survive, Sobreviviré, exactamente 30 años después de su publicación.
HjorgeV
GLORIA GAYNOR: REACH OUT I’LL BE THERE (1966/1975)
Este es un tema de The Four Tops del año 1966, grabado bajo la égida del omnipotente sello Motown, bajo el que también han grabado The Jackson 5, Marvin Gaye, Diana Ross & The Supremes, Gladys Knight & The Pips, Thelma Houston, The Commodores y Lionel Richie, entre otros.
Según la revista Rolling Stones, este es uno de los cuatro temas de Gloria Gaynor que componen la lista de los 100 Más Imprescindibles.
Reach out pertenece a la pluma del famoso trío afroamericano Holland-Dozier-Holland, compuesto por Lamont Dozier y los hermanos Eddie y Brian Holland, acaso el trío de compositores más prolífico y exitoso de la historia de la música. Siguen activos.
Es, también, el que más éxitos le ha proporcionado al sello Motown Record Company, L. P., hoy parte del consorcio francés Vivendi.
Cuatro décadas después les sigue proporcionando nada despreciables ingresos y vuelve a ser retomado por artistas jóvenes procedentes de diversos géneros.
HjorgeV
CRYSTAL GAYLE: DON’T IT MAKE MY BROWN EYES BLUE (1977)
Una linda voz. Un físico que muchas artistas ya quisieran tener –aunque fuera prestado- para sus presentaciones en vivo.
Musicalmente, su interpretación es más que agradable. El tema es una pegajosa balada country-pop arropada con una pizca del jazz romántico de velas encendidas y atuendos de telas gruesas como el terciopelo, además de su respectiva carga ultraligera de blues.
Me sigue fascinando.
La canción llegó a ocupar durante varias semanas el 1er lugar de las listas en EEUU, además de hacerle ganar un Grammy.
Crystal Gayle hace recordar a esos artistas que dan lo mejor de sí cuando están solos, porque el público y los escenarios les son muy grandes, los intimida.
No hay nada de malo en eso. La timidez puede llegar a ser un don nada despreciable.
Personalmente, le perdono que cante una triste canción como si se tratara de agradecer haber recibido una bolsa de caramelos por parte de los abuelos, porque eso no altera un solo pellizco a mi fascinación por este tema.
Nuestra Crystal tenía otras preocupaciones. Una de ellas era dejarse crecer su linda cabellera hasta la altura de las rodillas, por ejemplo.
Sigue activa, aunque, en el fondo, a pesar de su atractivo físico y su éxito por todo el mundo, nunca debe haber abandonado su alma de provinciana profunda usamericana y aficionada al country.
Lo cual tampoco tiene por qué tener nada de reprochable.
HjorgeV
PETER FRAMPTON: SHOW ME THE WAY (1976)
Acababa de terminar el colegio y andaba desorientado en muchos sentidos.
Cierto, quedaba mucho por descubrir y decidir, pero hasta que uno se vuelve a encontrar a sí mismo, toma su tiempo.
Esta canción de Peter Frampton me acompañó durante un buen tiempo en ese trayecto que para muchos puede terminar en una oficina sin verdaderas ventanas a la vida, una existencia perdida en el hedonismo o una simple obsesión por el dinero.
Muéstrame el camino, me tenía que decir a mí mismo. Muéstramelo.
No sé si lo he hallado. Porque no sé siquiera si es posible afirmar algo así.
El camino es cada día, cada esfuerzo, cada nueva sonrisa, cada nueva curiosidad, cada nueva tarea por cumplir. Cada sueño por el que se trabaja y lucha. Lo que se pierde y lo que se gana.
Lo que hacemos por los demás en esta Comuna Universal tan irresponsable y experiencia probablemente fallida que es la llamada Aldea Global.
No debemos cejar nunca de repetírnoslo a nosotros mismos. Muéstrame tu propio camino.
El original. Al que tenemos derecho cada uno de nosotros.
HjorgeV
PETER FRAMPTON: BABY I LOVE YOUR WAY (1976)
Una de mis grandes favoritas, por más que no sea un gran portento musical.
La letra no decía mucho al final, pero empezaba esperanzadoramente, como haciéndote creer que podrían ser tus propias palabras de adolescente para guiarte ante tu nuevo amor.
Hermosa la introducción musical: una especialidad de este músico inglés (Kent, 1950).
Acababa de mostrarnos el camino y don Peter Frampton nos ofrecía la continuación debida:
Shadows grow so long before my eyes…
But don’t hesitate…
I can see the sunshine in your eyes…
Una simple canción de amor, con el encanto musical imposible de los amores que pueden durar toda una vida y con un tecladista con un gusto muy especial en sus solos.
Activo desde 1966, Frampton sigue en la ruta. Su último álbum se titula Fingerprints y data del año 2006.
¡Qué melena! ¡Lo máximo en esos tiempos!
HjorgeV
(Para ver un artículo relacionado con este tema y su utilización en una película, pulsar aquí.)
I POOH: TANTA VOGLIA DI LEI (DEBES COMPRENDERME) (1971)
Tantas ganas de ella sería una de las traducciones del italiano de este tema cumbre de la llamada balada romántica en mi época pubertaria y adolescente, aún cuando ya había dejado de ser actual y la conocíamos como Debes comprenderme.
Esta canción de este grupo italiano, logra transportarme a esas épocas en que oscurecíamos las salas y los salones para bailar y eso de bailar abrazados -a veces, con desconocidas- constituía todo un gran rito.
También la creía perdida. (En mi país debe seguir escuchándose seguido por la radio.)
Cuidado que este tema es una despedida, en realidad. (El video es un sonomontaje, no muy bien sincronizado. Lo siento.)
El nombre original de este grupo es Pooh. En mi país y en otros más de habla castellana se le conoce más como I Pooh. (Los Pooh, en italiano.)
Están en la carretera desde 1966. 40 años sin parar y siguen haciéndolo con éxito.
Es de los pocos grupos cuyos admiradores tienen entre 15 y 60 años.
Por lo menos.
Me acabo de enterar que son prolíficos, que llevan publicado 44 álbumes y que compusieron el tema Cuore Azurro (‘corazón azul’) para el mundial pasado del 2006 que ganó su país aquí en Alemania.
Yo me quedo con esta sola canción de ellos en castellano.
Me basta.
¿Cuántas veces habremos soñado estar enamorados de la chica con la que bailábamos muy juntos y abrazados en la penumbra, y ella nos habrá correspondido con el pensamiento sin llegar a saberlo jamás ninguno de los dos?
HjorgeV
MOCEDADES: ERES TÚ (1972)
He estado esperando tanto tiempo para incluir este tema aquí.
Lo guardaba como oro puro. Qué digo. Como diamante. Como agua cristalina. La última del mundo.
Acabo de ver el año de edición y descubro que esta canción de Juan Carlos Calderón es de 1972. Mi asombro se debe a que la estuvimos cantando con la gente del Coro de San Marcos -como parte del repertorio no oficial- allá a finales de los 70.
¡Y yo que la sentía tan fresca, tan recién salida!
Esta es una de las canciones que más me han ayudado a enseñarles el castellano a mis hijos germano-peruanos.
Y cantando en coro con ellos en nuestra camioneta, me ha hecho recordar tantas veces cómo la señora Domínguez conseguía que todos los niños cantáramos en la suya, que nos llevaba a nuestro colegio de Miraflores.
Con este tema Mocedades se presentó al Festival de Eurovisión de 1973, en Luxemburgo, donde fueron acusados de plagiar una canción yugoslava del mismo evento de 1966.
La acusación no prosperó y terminaron ocupando el 2º lugar.
Apréciese una de las tantas formaciones de este grupo bilbaíno que nació como el trío Las hermanas Uranga y que acaba de publicar su vigésimosegundo disco (2007): Mocedades canta a Juan Luis Guerra.
La solista aquí y su intérprete más famosa, Amaya Uranga (Bilbao, 1947), abandonó el grupo en 1984, inició una carrera en solitario –cuatro discos- y se incorporó finalmente al grupo El Consorcio.
HjorgeV
ANDY GIBB: I JUST WANT TO BE YOUR EVERYTHING (1977)
No solo era hermano de los Bee Gees, también cantaba parcialmente con el famoso falsete.
Había nacido en Manchester, Inglaterra, en 1958, y emigrado con toda la familia a Australia cuando apenas tenía unos meses de edad.
A los 13 años ya había participado en Ibiza -España- en concursos musicales.
Qué recuerdos me trae esta canción del 77, que no se trata de ningún portento musical, pero qué gracia y pegamento que tenía.
Su hermano mayor Barry, a quien se parecía mucho físicamente, le escribió esta canción con la que a los 19 años alcanzó el primer puesto en EEUU.
El hermano menor de los Gibb se mantuvo un par de años en los puestos más altos de las listas y anduvo de novio de Victoria Principal.
Cuando se separaron, a mediados de los 80, Andy Gibb fue a parar directamente a una clínica para drogadictos. En 1987 se declaró en quiebra y en enero del año siguiente todo indicaba que iba a lograr el regreso.
Ni siquiera pudo empezar a grabar su nuevo disco a pesar de haber firmado los contratos con la Island Records.
A comienzos de marzo del 88 fue hospitalizado por una miocarditis y falleció pocos días después.
Sus excesos con las drogas -alcohol y cocaína- le pasaron la cuenta.
HjorgeV
GEORGE HARRISON: MY SWEET LORD (1971)
Un pegajoso y sencillo tema que le costó una gran batalla legal al guitarrista de Los Melenudos de Liverpool.
En la corte, Harrison afirmó haberse inspirado en el tema de Edwin Hawkins Oh happy day.
La cantó en su famoso Concierto para Bangladesh de 1972 en el Madison Square Garden.
Fue el primer tema en solitario de un ex Beatle en alcanzar el primer puesto en las listas a los dos lados del Atlántico.
A esas alturas del partido, todavía no se lo podían creer todos, pero ya estaba claro que la banda más influyente y exitosa de todo el siglo XX no se volvería a juntar.
Harrison la había escrito para Billy Preston en 1969 en Copenhagen.
¿Estaría a punto de volverse predicador?
Por lo menos en ese entonces ya tenía toda la pinta –jesucrística, más que harekríshnica– y la canción ideales: Hare Krishna…
¿Plagió esta canción el segundo Escarabajo en dejar este mundo en el 2001? ¿O la gran coincidencia de su tema con He’s so fine (puesto número 1 en EEUU en 1963) de The Chiffons fue pura casualidad?
Para mí, la cosa está clara.
Los jueces dictaminaron que la copió inconscientemente. (Lo han leído bien.)
HjorgeV
LOU RAWLS: LADY LOVE (1977) (en vivo, 1992)
Su fraseo, particular e inconfundible. Su voz de barítono con los llamados bajos formantes.
Lou Rawls era/es uno de los Grandes y él sigue sin saberlo. Y, tal vez, sigue sin -ni siquiera- importarle.
En este concierto está a punto de cumplir los 60 años.
Tras un gravísimo accidente de tránsito llegó a declarársele muerto, cuando apenas tenía 25.
–Esta es mi segunda vida, ¿de qué me puedo quejar? -decía este grande de la música que se nos fue el año pasado.
Sinatra decía que ellos dos eran los únicos capaces de alcanzar al público solo con sus voces y sus espíritus.
Rawls afirmaba, por su parte, que su arte era desestilizado. Es decir, que era completamente natural, aunque muchos entendieron que quería decir sin estilo.
Algo que pocos llegan a entender en su profundidad.
HjorgeV
LOU RAWLS: SEE YOU WHEN I GIT THERE (1977)
Me ha costado mucho incluir este video aquí en mi bitácora (el águila es simplemente imposible, por más que el pobre animal sea inocente), pero se trata de la única versión disponible de este tema en YouTube.
No se pierdan este tema.
Uno de Mis Favoritos de Todos los Tiempos, junto con You’ll never find.
Pardon me, do you have change for a quarter? / I gotta make a phone call / Thank you…
How you doin’, I hope you’re fine…/ Whoa, and I’ll see you when I get there…
HjorgeV
LOU RAWLS: YOU’LL NEVER FIND (1976) (en vivo, 2000 )
En esta grabación ya tiene 67 años, pero su voz sigue siendo casi la misma. Inconfundible.
Rawls es un artista que ha sido poco reconocido. Tal vez porque nunca se le dio por muchos aspavientos y lo suyo solo era la música.
Estaba en la carretera desde los años 50.
A pesar de conocérsele mayormente como cantante de los llamados románticos, Rawls dominaba el jazz y era un especialista en scat.
Falleció el año pasado (2006) a los 72 años de edad.
Su estilo parece tan sencillo que llega a engañar. Es que en él era simplemente natural.
Pertenecía a esa estirpe de seres humanos a los que su arte suele hacer pasar desapercibido por su gran naturalidad.
Y ese swing –suyo- que conseguía imprimirle a la orquesta, no lo he vuelto –simplemente- a escuchar.
HjorgeV
MICHAEL BUBLE & LAURA PAUSINI: YOU’ LL NEVER FIND…
Si bien la Pausini sale bien parada -por su voz- de este evento, presentar este video aquí, después de haber escuchado al original, debe ser una especie de maldad mía.
El tema está muy bien cantado. Se ve que han ensayado sus partes. El arreglo es interesante.
Los dos cantan bien. Sí. Están bien vestidos. Laura un portento, como siempre. Buble cada vez más profesional.
Pero, salvo eso, ¿algo más?
Lo siento.
Lou Rawls no tiene de qué preocuparse allá en el Olimpo de los Grandes.
Su puesto está bien guardado aquí en este mundo de meros replicantes, que somos todos nosotros.
HjorgeV
ABBA: CHIQUITITA (1978)
Hace unos días mis hijas –de 11 y 12- asistieron con mis suegros a un musical en Hamburgo dedicado a este grupo sueco.
-¡Cantaron Chiquitita en alemán! –me dijeron, ellas que solo conocían la versión en castellano que tengo en casa.
Se dice que de esta canción grabaron los suecos varias versiones.
La recuerdo especialmente porque uno de mis grandes amigos limeños, Miguel Valenzuela, llamaba precisamente así a su tía que había hecho de su madre desde que él era un bebé.
Cuando salió la canción, le pareció que era como un homenaje especial dedicado a ella.
-No conocían las canciones, pero cómo lo gozaron –me dijeron mis suegros, quienes fueron los que habían llevado a mis hijas al musical que menciono.
-¡Claro que las conocían! –les respondí-. ¡Por mí!
Los suecos donaron las regalías de Chiquitita –éxito mundial- a la UNICEF en 1979, Año Internacional del Niño.
HjorgeV
ABBA: DANCING QUEEN (1976)
Otra canción del álbum de Mis Canciones Favoritas de Todos los Tiempos.
Logra transportarme a ese estadio que precede a la vida adulta y que identificamos con la libertad y los límites imposibles.
Björn & Benny, Agnetha & Anni-Frid fue el título con el que las dos parejas presentaron su primer trabajo conjunto.
De las iniciales de sus nombres formaron ABBA, que ahora es inseparable de la historia musical del siglo XX.
Sigue emocionándome (de manera bastante nostálgica) este tema de uno de los pocos – sino el único- dúo de parejas de la historia musical.
HjorgeV
ELTON JOHN: SORRY SEEMS TO BE THE HARDEST WORD (1976)
Increíble ver aquí a un Sir Elton John con apenas cabello sobre su cabeza.
Con unos anteojos de conejo de cuento infantil y un gesto más sincero que el del más sufrido enamorado del mundo.
Este tema rompió mi corazón en su momento, sin tener en cuenta que ya había dejado realmente de existir.
Escucharlo ahora es volver a vivir para revivir (no es una redundancia) mi par de muertes sentimentales de entonces.
Fabuloso el piano. La armonía, durísima como la letra.
Es decir, maravillosa para el enamorado sin suerte.
Tendré que dedicarle una página de mi bitácora a este gigante inglés que puede llegar, como persona de a pie, a patinar muy feo.
Acaba de pedir cerrar la Red durante cinco años.
Por mi parte, he propuesto una colecta a su favor y ya le he dedicado una página de mi bitácora.
Para que a la próxima boda de tres millones de dólares a la que lo inviten, no tenga necesariamente que acudir en el mismo helicóptero de color lila con el que llegó a la de Liz Hurley y el millonario indio Arun Nayar. Hay pobreza de muchos tipos.
HjorgeV
BARRY MANILOW: MANDY (1974)
Este fue un tema que Scott English (Brooklyn, 1943) dedicó a su perro Brandy –título original- el año 1971, después de que su can se escapara para no volver.
En 1974, el que era el pianista y arreglista de Bette Midler, tomó el tema y lentificó el ritmo convirtiéndolo en una melosa y bonita balada.
Con este arreglo a su particular gusto, Manilow (Barry Alan Pincus de nombre original: nacido también en 1943 y también en Brooklyn) consiguió un Disco de Oro.
English, establecido como compositor en Londres desde mediados de los 60 –aunque seguramente no debido a su apellido-, vive de los derechos de su único hit mundial.
Se sospecha que Manilow le cambió el título al tema debido a sus problemas etílicos, aunque esta no es la versión oficial de este descendiente de judíos rusos.
Por otra parte, la versión del perro escapado se la dio English a un periodista por teléfono para que lo dejara dormir en paz y que él mismo desmentido.
Fue el productor Clive Davis quien no solo animó a Manilow a ocuparse de Brandy/Mandy sino que lo convenció de incluirlo en su segundo LP, Barry Manilow II, en el que este solo deseaba incluir composiciones propias.
HjorgeV
MANDY Acordes y Letra
A Amaj7 A Amaj7 A
I remember all my life raining down as cold as ice.
Bm Bm7 G
Shadows of a man. A face through a window, crying in the night,
E7/4
the night goes into
A Amaj7 A Amaj7 A
Morning's just another day happy peoples pass my way
Bm Bm7 G
Looking in their eyes, I see a mem'ry, I never realized
E7/4
how happy you made me, oh ...
A Amaj7 A Amaj7 A
Standing on the edge of time walked away when love was mine
Bm Bm7 G
Caught up in a world of uphill climbing, the tears are in my mind
E7/4
and nothin' is rhyming, oh ...
A F#m D E7
... Mandy well you came and you gare with out taking
E7/4 A
but I sent you away Oh, Mandy
F#m D E7
well you kissed me and stopped me from shaking
E7/4 A F#m D E7/4 E7
and I need you today Oh, Mandy
BARRY MANILOW: CAN’T SMILE WITHOUT YOU (1978)
Este es un tema escrito por Chris Arnold, David Martin y Geoff Morrow.
Manilow, mostrando el mismo buen gusto que lo había hecho triunfar con la reelaboración de otro tema –Mandy-, llegó con este al primer lugar de las listas de EEUU en 1978.
Curiosamente, ya los Carpenter lo habían incluido en 1976 en su álbum A kind of hush.
No tengo la mala suerte, porque estoy felizmente casado y tengo hijos (toco madera, aunque tampoco soy supersticioso porque dicen que serlo trae mala suerte), pero qué descomplicados desastres amorosos los de la canción.
Una versión verdaderamente adulta de este tema -el de la separación- tendría que tener un título más largo: No puedo sonreír sin ti, ni pagar el alquiler, el colegio de los chicos, las mensualidades del auto…
HjorgeV 02-07-2007
CÉSAR BANANA PUEYRREDÓN: NUESTRO AMOR COMENZÓ A VIVIR (1973)
La busqué durante mucho tiempo.
La guardaba en la memoria como esos tesoros que sabemos que el día que se nos escapen habremos dejado de ser nosotros mismos.
Es otro tema de Mis Favoritos de Todos los Tiempos. De esos que entran necesariamente en la maleta con la que nos vamos a una isla solitaria.
Me gusta la letra (la historia), la melodía, el estribillo, los coros y la cadencia armónica. Es de las canciones que puede conseguir que la piel se me erice cada vez que la escucho.
¿De cuántas canciones podría decir lo mismo?
César Pueyrredón es muy conocido en la Argentina, su país, en donde se le admira por muchos temas más.
Personalmente solo conozco éste y ese otro tema inmortal llamado Ella está con lágrimas en los ojos.
Son solo dos.
Pero de los que bastan para una vida entera.
HjorgeV
(HARRY) NILSSON: WITHOUT YOU (1971)
Una verdadera rareza en el mundo de la música este usamericano ganador de dos Grammys y muerto a la temprana edad de 53 años.
Cuando escuché cantar en 1994 a Mariah Carey (esa otra usamericana, hija de un técnico venezolano) Without you, me acordé que conocía una vieja versión que a mí seguía pareciéndome la mejor.
Pero no me fue posible comprobarlo entonces.
Hoy lo he hecho, gracias a esa –todavía- incipiente enciclopedia (universal) llamada YouTube.
La versión del albino y versátil músico neoyorquino me sigue pareciendo incomparable.
Harry Nilsson (Brooklyn, 1941-1994) prefirió que lo llamaran simplemente por su apellido escandinavo.
Se dice que era dueño de un departamento en el que murieron tres músicos por exceso de drogas. Entre ellos: Cass Elliot de The Mamas & The Papas y Keith Moon de The Who.
Su mayor éxito en 1971 lo obtuvo con este tema que era original de los Badfinger ingleses.
Fue amigo de John Lennon y llegaron a grabar un tema juntos, Dirt road.
Su asesora financiera, Cindy Sims, lo estafó y malversó sus bienes de tal manera, que lo dejó en la ruina total.
La misma noche en que terminó de grabar el disco recopilatorio de sus obras que podría devolverlo al camino de las cifras en azul (léase tranquilidad económica, esa gran desconocida para muchos músicos genuinos y demás artistas), su corazón se rindió por segunda y definitiva vez.
HjorgeV
MARIAH CAREY: WITHOUT YOU (1994)
¿No estaré cometiendo una injusticia con esta media venezolana de límpida e increíble voz?
No. A cada uno lo suyo. Nilsson queda en su lugar.
Inamovible.
Doña María se las tendrá que arreglar. Calidad le sobra a ella.
Y cómo; a esta guapa petisa.
HjorgeV
BADFINGER: WITHOUT YOU (1970)
El tema original, escrito por Pete Ham y Tom Evans, y que primero se llamó If It’s Love.
Grabado en 1970, no le dieron mucha importancia hasta que al año siguiente, en 1971, Nilsson lo rescató para la posteridad.
Interesante este video por informativo, porque culmina con la historia y la versión de Nilsson de esta canción.
HjorgeV
KELLY CLARKSON: WITHOUT YOU (2002)
Esta joven tejana y excelente música (Texas, 1982), ganó el concurso American Idol en el 2002.
Tiene una voz tan talentosa, que tiende a abusar de sus posibilidades.
Me atrae, aparte de sus cualidades vocales, su -por momentos- enrevesado fraseo. Creo entrever excelentes cualidades para el jazz.
No sabía que era un ídolo germano -también de mis hijas-, hasta que me enteré que ella es la que canta Because of you, la canción que más se repite en casa desde hace un tiempo.
Lleva ya ganados dos Grammys.
Ojalá que su juventud le permita comprender que en el canto -muchas veces-, menos, puede ser infinitamente más.
HjorgeV
EAGLES: HOTEL CALIFORNIA (1976) (en vivo)
Qué placidez escuchar las líneas melódicas de las cuerdas en este tema histórico.
¡Qué guitarristas y qué bien complementados sus instrumentos entre sí!
Corriendo en paralelo para apoyarse y no estorbarse, ahondando aún más el carácter mágico y medio esotérico de la letra. La intencionalidad de música sinfónica que imponen las guitarras es un placer para el alma y los oídos.
Surrealismo mágico puro made in the USA. ¡Y del inofensivo!
Pensar que sus inicios como grupo fueron de la mano del country. Del country-rock, para ser más exactos. Llegando a crear un sonido y un estilo muy peculiares, aguileños.
El tema es, en realidad, la descripción de una pesadilla. ¿Qué se habrían fumado los autores? (No es envidia.)
Un viaje a ese y otros tiempos les espera colocándose los auriculares.
HjorgeV
EAGLES (1994): HOTEL CALIFORNIA (en vivo)
Escuchen con especial atención, ahora, esta tardía versión de su gran tema, como una forma de corroborar lo anteriormente afirmado sobre las guitarras.
Qué tremendo ver que algunos de los integrantes de Eagle, lleguen a parecernos más jóvenes en sus atuendos de usamericanos comunes y corrientes.
El grupo se ha vuelto a juntar, después de haberse disuelto un par de veces.
En una entrevista, Don Henley, el cantante y baterista del grupo, ha prometido para este verano (2007) el nuevo álbum The long road to Eden.
“Si antes no nos hemos matado el uno al otro”, dijo en la misma entrevista.
HjorgeV
PLAYER: BABY COME BACK (1977)
Este es uno de esos temas que podría pasarme escuchando una y otra vez -durante horas- con los auriculares puestos.
(Para consultar la letra y música en la SoundPedia:
http://soundpedia.com/music/NTg0OTA=/album/513157/listen.html)
Excelentes músicos. Con ese porte sobrio y concentrado, apenas soberbio, en el escenario, que muy pocos profesionales dominan.
Peter Beckett, inglés de Liverpool movido a EEUU, el cantante principal y quien ha seguido como solista su carrera artística, es también el de esa guitarra justa que acompaña esta canción y la cierra con un solo inmortal.
Esta banda de Los Ángeles se creó al conocerse sus integrantes en el transcurso de una fiesta.
Estuvieron dándole duro un tiempo en el garaje de la casa de Ronn Moss, vocalista y bajista del grupo, hasta hacerse conocidos y dueños de un rock lento bastante melódico y sumamente interesante.
Con éste, su primer simple, golpearon fuerte y ocuparon durante semanas el primer lugar de las listas usamericanas.
Baby come back de Peter Beckett y John Crowley, fue el único tema del grupo que logró alcanzar fama internacional, a pesar de haber alcanzado con otros de los suyos muy buenos lugares hasta 1982 en EEUU.
Eric Clapton se quedó tan impresionado con ellos, que los invitó a telonear para su gira de 1979. Moss y Beckett se atrevieron a revivir el grupo en 1995.
¿Tienen los auriculares a la mano?
HjorgeV
NINO BRAVO: TE QUIERO, TE QUIERO (1969)
Le he dedicado una página de mi bitácora al gran Nino Bravo (ver 29-05-2007).
Debido a su corta trayectoria artística de más o menos cinco años hasta su sorpresiva muerte en un accidente automovilístico en abril de 1973, el material grabado existente es relativamente escaso.
Esta versión de Te quiero, te quiero grabada para un especial de la televisión española de la Nochevieja de 1971 no la conocía y me ha gustado particularmente. Observen la orquesta sinfónica acompañándolo en vivo detrás y la sencilla elegancia de su vestimenta.
Qué lujos verdaderamente musicales los de esos tiempos.
A mí me sigue fascinando eso de ver cómo un hombre con esa inmensa voz que tenía, parecía querer esconderse en una actuación tan sobria, casi tímida y prácticamente exenta de poses para desenvolver su gran arte: un imposible en estos tiempos tan poco musicales -a veces- que corren ahora.
Este video es una verdadera joya musical.
La combinación de perilla y bigote que lleva Bravo, es una sorpresa que nos llega -36 años y medio después: más que toda una vida adulta- de regalo.
HjorgeV
JOSÉ JOSÉ: LA NAVE DEL OLVIDO (1969)
Éste fue el primer éxito -composición del fallecido Dino Ramos- de este gran artista mexicano, quien lo interpreta aquí a los 21 años de edad.
José Rómulo Sosa Ortiz (Ciudad de México, 1948), se puso su nombre artístico, repitiendo el suyo que era también el de su padre, tenor de la Ópera Nacional y quien acababa de morir entonces. Su madre, Margarita Ortiz, fue concertista de piano.
Aumentar más líneas aquí, significa quitárselas a la página que deseo dedicar a este ya inmortal artista, aquí en este Cuaderno Que Cuenta.
Baste agregar que lleva vendidos más de 43 millones de discos en sus 44 años de carrera artística y que sigue trabajando, a pesar de tener un sólo pulmón.
HjorgeV
BEE GEES: HOW DEEP IS YOUR LOVE (1977)
Otra de mis favoritas de todos los tiempos.
Una de las pocas canciones que conseguían ponerme la piel de gallina con clara facilidad en esa época inicial de la universidad, amores juveniles, natación, remo y domingos en El Bosque.
Visto desde la distancia, un tema muy bien construido. Bonito inicio, agradable melodía. La armonía sin ser compleja, no es nada simple.
La orquestación complementaria, atrás, discretamente, como lo necesitaba la música entonces.
El arreglo básico de estos británicos, exacto, para una balada que ya es inmortal.
Aunque la pregunta del título pocas veces la podamos responder.
HjorgeV
LOS ÁNGELES NEGROS: Y VOLVERÉ (Alain Barriere) (1972)
¡Cómo no me habrá hecho soñar este tema del francés Barriere en mis primeros años de adolescencia!
Aunque se trata de una corta y un poco desdichada grabación para la televisión (¡en vivo!), se puede apreciar claramente la gran voz del -ya inmortal- vocalista chileno Germaín de la Fuente; quien, dicho sea de paso, sigue cantando.
Debo referir como anécdota que una vez preparé, hace unos tres o cuatro años aquí en Colonia, un repertorio de mis canciones favoritas de todos los tiempos.
Ensayamos con un pianista y un saxofonista, chilenos ambos, un guitarrista argentino que también tocaba el bajo, y un percusionista peruano. Excelentes músicos todos, dedicados a su profesión. Dentro del repertorio escogí esta canción.
Los músicos no se burlaron, pero se notaba que les causaba cierta gracia mi inclusión de esa canción de Los Ángeles Negros en el repertorio, proveniendo ellos del jazz, mayormente.
-Quiero un tratamiento de la canción como en Las Hojas Muertas -les dije-. Autumn Leaves o Les Feuilles Mortes. ¿No la conocen? Todo músico de jazz la conoce.
-Sí, sí -me respondieron ellos, poniéndose serios.
La ensayamos tal como se los pedí y la canté en uno de los pequeños conciertos que refiero.
Al final, más de una persona se acercó a tratar de comprar discos nuestros (que no teníamos). Querían uno en el que estuviese la canción…
¡Ya saben a cuál me estoy refiriendo!
HjorgeV
TOM JONES: SHE´S A LADY (1971)
El tema es de 1971, de tal manera que cuando esta grabación se hizo en 1974, este artista galés ya la había cantado innumerables veces y eso, mal que nos pese, se nota.
Notemos, asimismo, sin embargo, que Jones está actuando en vivo y que se trata -no sé si lo saben, pero se debe notar- de una canción que exige verdadero esfuerzo físico y mucho swing.
Legendarios, sus movimientos: que hoy sólo nos pueden dejar con una gran ‘O’ en el rostro.
Legendaria, la moda de la época: que ahora a mí, que bailé de niñito incansablemente con este tema, hasta me parece medioeval. ¡Pero por pantalones así llegaba a dar la vida!
Legendaria, también, no lo olviden (porque ya es como en una leyenda, como en un antiguo cuento de hadas), la orquesta en vivo.
Cómo son los cosas. Ahora que ningún cantante daría nada por tener a 20 ó 30 maestros músicos acompañantes (yo daría una de mis vidas por darme una sola vez el placer de cantar acompañado por una Big Band), observen ¡la desnudez del escenario!
¿En dónde los mantienen escondidos?
(Están delante, en la fosa, como en la ópera.)
HjorgeV
TOM JONES: SHE´S A LADY (2007)
El legendario Thomas Jones Woodward (Gales, 07-06-1940) cantando la misma canción en el Festival de Viña del Mar (Chile) de este año que ya se nos va por más de la mitad.
¡A sus casi 67 años!
(Ya sé a lo que me voy a dedicar cuando sea grande.)
HjorgeV
SANDRO: ROSA ROSA (1975)
Por si a alguien le quedaban dudas sobre las cualidades gimnásticas que debían tener los cantantes de esa época, vean esta grabación del legendario Roberto Sánchez Sandro de Argentina (Buenos Aires, 1945).
Aquí, sí se puede apreciar claramente la orquesta, delante del escenario.
Y, si me permiten la pregunta, puedo entender –más o menos, por lo menos teóricamente- por qué chillaban las jovencitas cuando el hombre hacía esos movimientos concéntricos con las caderas.
Pero, ¿qué decir acerca de esa pierna temblando epilépticamente y de esos saltitos neuropsiquiátricos a los costados?
Cosas de la época.
La actual -también- tiene las suyas.
HjorgeV
GABRIELA FERRI: TE REGALO MIS OJOS (1968)
Aquí un tema inmortal de esta italiana que a los 63 años, y víctima de una depresión, se suicidó el 3 de abril del 2004, arrojándose por el balcón de su departamento en la localidad italiana de Viterbo.
La Ferri había nacido en 1942 y era conocida en Italia como “La voz de la canción popular”.
(THE) MARMALADE: REFLECTIONS OF MY LIFE (1969)
Para mí, esta es una de las canciones más emblemáticas de toda una época. Apareció en diciembre de 1969, al filo de los 70, y se pudo escuchar en toda fiesta juvenil de mi ciudad -Lima- durante varios años.
Hasta que llegó la música disco y empezó a resultar un poco absurdo que las chicas descansaran su cabeza en el hombro o en el pecho de algún muchacho desconocido. No siempre, claro. Y dependiendo de la fiesta.
Emblemático, también, y representativo, el texto: parecía decir mucho, pero no decía ‘nada’. Era una simple queja:
El mundo es un mal lugar
Un lugar terrible para vivir
Pero yo no quiero morir
Marmalade fue un grupo escocés, aunque muchos creían que era usamericano.
Cuentan que una versión rejuvenecida del grupo estuvo activa a comienzos de este siglo.
CECILIA: UN RAMITO DE VIOLETAS (1975)
Evangelina Sobredo Galanes Cecilia (Madrid, 1948-Benavente, 1976) tenía toda una vida por delante.
Debido a la carrera diplomática de sus padres, se dice que aprendió a hablar inglés antes que castellano.
Sus primeras grabaciones las hizo en ambos idiomas, eligiendo el de sus padres como el definitivo para su carrera musical, después de haber estudiado la carrera de Derecho.
En 1975 representó a España en el Festival de la OTI, alcanzando el segundo puesto con Amor de medianoche. Sus composiciones reflejan claramente sus preocupaciones existencialistas y feministas.
Una noche de agosto de 1976, regresando de dar un concierto en Galicia, encontró la muerte como su compatriota Nino Bravo en un accidente automovilístico, casi a la misma edad: él a los 28, ella a los 27.
Esta es su canción más conocida -no la mejor, me dicen-, que fue primero un cuento de su propia creación.
CARPENTERS: WE’VE ONLY JUST BEGUN (1970)
Karen Carpenter con el cerquillo de moda y tocando la batería.
La página del martes 10 de abril de esta bitácora está dedicada, precisamente, a los hermanos Carpinteros de Connecticut.
ENRIQUE GUZMÁN: CIEN KILOS DE BARRO (1961)
El mexicano pertenece más a la década del 60 que a la del 70, pero hasta ahora me persigue esta canción.
JOSÉ LUIS PERALES: EL AMOR (1979)
Perales es un músico muy poco considerado en el mundo musical español, a pesar de sus grandes éxitos comerciales.
Se decía que hacía canciones con muy pocos acordes.
Él es un hombre con los pies en el suelo y que sigue componiendo.
¿Canciones con muy pocos acordes?
¿A quién le importaba eso cuando los resultados nos podían hacer volar?, pregunto yo.
SANTABÁRBARA: CHARLY (1973)
Fue Nº 1 en España en 1973.
Una alegoría cuádruple -salvar, querer, dejar en libertad y esperar el regreso- en una melodía simple, pero que tardó años en dejar las listas.
Una tragicomedia exitosa en un ropaje relativamente simple.
Casi como una telenovela.
Pero la escuchamos hasta el cansancio.
DYANGO: CUANDO QUIERAS, DONDE QUIERAS (1975)
Una canción que me dio tanto para soñar y tantas alas en su momento.
Sólo la introducción del piano y los arreglos constituyen para mí una joya musical.
Pero José Gómez Romero Dyango (Barcelona, 1940) tiene mucho más que ofrecer.
Una de mis favoritas de todos los tiempos y que la creía casi olvidada.
Tomen sus auriculares, por favor: En el prado y en el mar debes de quererme muchos más…
JOAN MANUEL SERRAT: CANTARES
El último año de colegio presentamos en grupo esta canción.
A mí me tocó la parte recitada, por mi ‘vozarrón’, como decían.
Un homenaje al poeta español Antonio Machado y una de las canciones más emblemáticas de Serrat.
THE SWEET: THE BALLROOM BLITZ (1973)
Probablemente si nuestros padres hubieran visto este video del tema Ballroom Blitz (durante años una pieza que no podía faltar en ninguna fiesta de las de mi generación) del grupo inglés The Sweet, nos habrían prohibido hasta salir por las noches.
Porque la especialidad del glam rock -de glamour- era más que (o tanto como) la música: el atrevimiento, la ambigüedad sexual y la estética descarada y provocativa de sus actuaciones.
Las vestimentas brillantes, los zapatos imposibles y los peinados que después la mismísima Margaret Thatcher y la abuelita de los vecinos se animarían a imitar. Es un decir.
Ahora suena a chiste, pero The Sweet fue uno de los pocos grupos europeos (y mundiales) que era contratado lejos de su propio país. ¿Los Beatles unos melenudos? Los Sweet llevaban el cabello casi a modo de abrigo.
Aunque lo suyo, el glam rock, era más provocar y lucirse en público que hacer música (mucho no han cambiado los tiempos, si no se han multiplicado), se trataba de una época en la que los accesorios contestatarios, atrevidos y provocadores, bien podían desaparecer en cuestión de momentos del atuendo o indumentaria del artista, si así lo deseaba.
En unos veinte años, más o menos, en cambio, empezaremos a ser testigos de lo poco sensata que fue la época frenética de los tatuajes y de los piercings.
Qué magia, me digo. A mí que no me gusta, prácticamente, el rock, descubrirme acompañando frenéticamente al grupo, como en aquellos gloriosos tiempos, ¡con una batería y una guitarra invisibles!
CHRISTOPHER CROSS: ARTHUR’S THEME (1981)
El tema es del año 1981 y ganó el Óscar a la mejor música original.
Cross lo compuso junto a Burt Bacharach, Carole Bayer Sager y Peter Allen.
Su título original es Best you can do, tema de la película Arthur El millonario del mismo año, con Dudley Moore en el papel principal.
Aquí en una presentación en la Noche de las 100 Estrellas, programa televisivo de la Radio City Music Hall de Nueva York, en 1982.
RITA COOLIDGE: WE’RE ALL ALONE (1977)
JOSÉ LUIS PERALES: Y CÓMO ES ÉL (1979)
Otra de mis favoritas de todos los tiempos.
Alguna vez la empecé a grabar en otro ritmo, tirando a bossa y a rumbita.
JOSÉ Y JOSÉ: TE EXTRAÑO (Armando Manzanero) (1969)
No es lo mejor que tiene para ofrecer este mexicano capaz de hacernos cirugía cardiovascular con su arte.
Le dedicaré una página de mi bitácora.
THE CARPENTERS: I NEED TO BE IN LOVE (1976)
Este un tema poco conocido de los Carpinteros de Connecticut.
Fue usado no hace mucho en Japón como tema principal de una miniserie dirigida a adolescentes, junto con otro de ellos, Top of the world.
Richard Carpenter se animó a publicar un CD en el Japón bajo el título de Twenty-Two Hits of The Carpenters, alcanzando inmediatamente el puesto número uno en ese país.
Espero dedicarle una página de mi bitácora a Karen Carpenter, fallecida en 1983, al parecer, a consecuencia de su anorexia nerviosa.
LEO DAN: TE HE PROMETIDO (1969)
Leopoldo Dante Tévez (Santiago del Estero, 1942), aquí con su voz, modales y trato de provinciano sencillo.
Justamente las razones por las que también me gustan tanto sus canciones de esa nueva ola argentina de ayer.
Es uno de los cantautores populares más prolíficos y conocidos de Argentina.
Se cuentan más de 2.000 composiciones en su haber.
Llegó a grabar más de 20 discos, actuó en 4 películas, escribió un libro y ganó un Grammy por sus composiciones.
Hoy radica en Miami con su familia y sigue musicalmente activo.
GIANNI BELLA: DE AMOR YA NO SE MUERE (1976)
Bella nació en 1946 en Catania.
Con esta canción, Non si può morire dentro, ganó en 1976 el Festivalbar en Italia.
Como todo buen muchacho enamorado, estuve a punto de ‘morirme’ como él, por más que lo desmintiera la canción.
Creo que hace unos diez años en España, alguien la volvió a cantar con bastante éxito.
FERNANDO DE MADARIAGA: UNA SONRISA UNA LÁGRIMA (1974)
¿Cuántas veces no habré cantado andando solo por las calles de Lima al volver de alguna fiesta esta canción?
Transcribo la información presentada en YouTube por Eduardo Arellano, del hermano país del Ecuador:
«Estimados todos: Este vídeo es uno de mis tesoros favoritos. Creo que su nombre real es Mauro Maudino, gran cantante argentino nacido en 1944. Si no lo han escuchado llamen a papá y mamá para que lo vean. Esto debe ser más o menos de 1974. Salud por esta generación de artistas inmortales».
EL GRECO: ALZA TU COPA Y BRINDEMOS POR EL ADIÓS (1970)
Otro tema que había olvidado y creía perdido para siempre.
Carlos Alberto Burlet El Greco (San Pedro, Provincia de Buenos Aires, 1946) sigue activo, radica en México y es productor de discos en Miami.
Aprecien la entrega, de esas que ya no se ven así nomás por ningún escenario.
¡El alto valor de la música y los recuerdos que provoca!
SALVATORE ADAMO: ES MI VIDA (1975)
El padre de Enrique Schneider, Herr Schneider, nos llevaba en su automóvil por la Carretera Central en dirección a los andes.
Unos 30 kilómetros más adelante, en las inmediaciones de Chosica y después de pasar por Chaclacayo, alcanzábamos nuestro destino casi todos los sábados y domingos de aquella época.
La idea era asistir a los entrenamientos del equipo de natación de El Bosque.
Pero a nosotros -sobre todo en el invierno limeño- lo que más nos movía eran los célebres partidos mixtosde a temperaturas primaverales chosicanas, ver a las chicas jugando en bikini, regresar bronceados al cielo gris color panza de burro limeño (marca registrada) y canciones como ésta.
A Herr Schneider le gustaban mucho los discos de James Last, de quien yo entonces ignoraba que era su compatriota. Nos causaba especialmente gracia la versión lastiana de The Hustle de Van McCoy del mismo año. Van Allen Clinton McCoy alcanzó el número uno usamericano, recibiendo un Grammy por él. Tema considerado como una de las piedras fundacionales de la música disco junto con Fly, Robin fly de Silver Convention y Mamma mia y S.O.S. de Abba.
En 1979, a la edad de 39 años, murió McCoy de un infarto al corazón.
Salvatore Adamo, por su parte, nacido en Sicilia (1943) pero crecido en Bélgica, sigue dando vueltas al mundo, cantando en 9 idiomas.
Su nuevo CD, La parte de l’ange, acaba de aparecer en enero de este año 2007.
HjorgeV
GIGLIOLA CINQUIETTI: NON HO L’ETA (NO TENGO EDAD)
Este es un tema que no pertenece propiamente aquí, sino a la página que no tiene… mi madre.
Es, sin embargo, una canción que muchos deben recordar perfectamente, ganadora de dos grandes festivales.
Fueron el de San Remo y el de Eurovisión en Copenhagen, ambos en 1964.
No tengo edad, no tengo edad, para amarte…
Yo tenía entonces, déjenme ver…
No, creo definitivamente que no había nacido todavía, eso sucedería unas tres décadas después.
Tiene que haber pruebas.
PIERO: MI VIEJO (1968)
UN ENLACE HACIA LA NUEVA OLA
El siguiente enlace es uno de los tantos que he encontrado en lo que respecta a música del recuerdo (mi particular Setentomanía) en la red.
(Las personas que prefieren la aleatoriedad de la radio tienen un sinfín de ofertas entre las que escoger en la red.)
Para encontrar el recuadro con el listado (Main Playlist) de canciones del recuerdo como Adiós verano, adiós amor (Dúo Dinámico), Adolescente tierno (Tormenta), Alguien cantó (Matt Monro), Amarte, amarte una vez más (Rabito), América (Nino Bravo), y muchas más, tienen que rodar un tanto hacia abajo y buscar a la derecha.
El contenido de este recuadro a mí me parece excepcional. Las canciones están (casi) todas en su versión y duración originales, algo difícil de encontrar gratis y tan fácilmente, como en este caso, en la red.
Como de algo tienen que vivir los patrocinadores (un grupo limeño, al parecer, dedicado a interpretar esas canciones: Los Trotamundos), el sitio contiene también la propaganda y publicidad habituales. Tampoco todo es gloria: uno de los primeros temas, Abrázame, no es el que yo esperaba de Julio Iglesias, sino uno desconocido para mí. Aunque esa ha sido hasta ahora la excepción.
Una verdadera grata sorpresa para mí, como amante del Bossa Nova, ha sido encontrar en este mismo sitio la canción All my loving, de los Melenudos de Liverpool, en una versión de Rita Lee del 2002. Siguiendo la huella en la red, me topé con su álbum del mismo año, que es una recopilación de 11 temas de The Beatles bosseados en inglés. Lamentablemente no he podido escuchar ninguna de las demás canciones de ese álbum. Su voz es muy agradable. El estilo de su canto, tal vez, un punto demasiado aguantado o cadencioso para mi gusto. Pero perfectamente adecuado, sin embargo, a los arreglos, la instrumentación y la armonía propuestos en el tema. Para mí una exquisitez.
En general, puedo decir que he encontrado un nuevo refugio musical en la red, que espero les guste a ustedes también y sepan sacarle el jugo. Les recomiendo, como siempre, colocarse los auriculares y prepararse para realizar un viaje que empieza en el aeropuerto de nuestra mente y sus recuerdos, y no cuesta nada. (Las canciones se van sucediendo automáticamente. O se pueden escoger, claro está, pulsando en el título deseado.)
Allí están esas joyas perdidas para mí como Ella está con lágrimas en los ojos, Estrechándome, Hazme una señal, La chica de la boutique, La tarde que te amé, Mary es mi amor…
¿Pero qué están esperando?
WE ALL TOGETHER
Rebuscando en la red me topé el otro día con una página a la cual yo no habría llegado por propios medios, puesto que no soy fanático del rock. (Aunque muchos temas del recuerdo que me fascinan especialmente pertenecen, curiosamente, a ese género.)
La información que buscaba era sobre el tema Carry on till Tomorrow (http://one.xthost.info/Rockperuano/WAT1.zip) del grupo limeño We All Together. Y la encontré en la siguiente página -adjunto a continuación un video del tema Lo más grande que existe es el amor, del mismo grupo-:
http://rock-peru.blogspot.com/2006/06/we-all-together-varios-audio-y-video.html
(Si tienen problemas con la la información de arriba, pueden ingresar primero a la página de Rock Perú:
http://rock-peru.blogspot.com/
y buscar allí la información sobre el grupo We All Together, del cual ofrecen su historia y más temas, así como audios y videos de Los Doltons. ¡Hasta tienen una página dedicada a la música criolla!) (Para cualquier consulta, no duden en preguntármelo por emilio.)
Video: Lo más grande que existe es el amor (grupo We All Together)
CUADERNO CONTABLE 
con el permiso de todos Uds., Danny Daniel es el mejor cantante que aparece en toda esta relación de artistas, siempre será el único, que llega al corazón. ¡Danny estas flores son para tí! Beatriz
Son exactamente las 02:40 de la madrugada del dia 02-08-08,,estoy muy contenta, puesto de buscar y buscar un tema desde hace no se cuanto tiempo y sin saber que grupo lo cantaba,,,hoy dia he terminado la busqueda muy satisfecha…ellos eran the sweet,,,y la cancion se llama,,,,ball room blitz….que significa,,,salon de baile blits…y nadie lo conocia,,,,,muchas gracias,,,este es un recuerdo del año 73,, san sebastian,,CHILE,,eramos estudiantes del tercero medio del liceo de san bernardo,,y lo pedimos tocar una y otra vez en la disco iscra……RECUERDOS. vicky.
Estimado Jorge (como dices que te conocen por Alemania),
Paseando por la net llegué a tu blog. Te felicito, tienes un texto agradable de leer y tu selección musical me hizo volver a la década del 70 cuando vivía en Lima. Cómo es bueno escuchar esas músicas que nos hacen viajar en el tiempo y nos traen recuerdos que estaban perdidos en algun lugar de la memoria.
Tienes razón, el cielo de Lima es algo inconfundible y es su marca registrada :-)
Hace muchos años vivo en São Paulo-Brasil, me vine a estudiar y me quede por aquí. Adoro este país que siempre me recibió y trató con cariño, pero nunca olvido mis tiempos de niñez y adolescencia limeña. Pretendo volver otras veces a tu blog.
Un grande abrazo,
Carlos
Rpta.: Gracias, Carlos, por tus palabras. Cuídate. HjV
Excelente. Me la pasé 4 horas oyendo música que hacía años no oía. Gracias.
Rpta. Hola, Leon. Tu comentario me resarce de todo el esfuerzo invertido y lo justifica de lejos. Gracias a ti. Saludos cordiales de un peruano desde los arrabales de Colonia. HjV
;) Fantástica recopilación!!
Hola, Caro: Uno puede llegar a creer que el gusto particular es algo especial o, incluso, más «elevado» que el de otros. Lo digo sin arrogancia, por simple constatación.
Pero cada vez estoy más convencido, de que no es nada más que una
forma interesante de accidente, de casualidad.
Gracias por comentar en esta bitácora inútil.
Saludos cordiales desde Alemania
HjV
Estimado amigo, te felicito por el sitio, excelente y conciso. Yo tengo, de los 19 temas que I POOH grabó en español, 17. Si deseas te los puedo aportar.
Hola, Roberto: Gracias mil por tu mensaje. Me imagino que esos 17 temas son una especie de tesoro para ti. Creo que sería interesante conocerlos. Saludos cordiales desde las afueras de Colonia. HjV
Es un resumen genial.
Podrías poner algo sobre el tema Fly, recuerdo era un tema hermoso y no lo encuentro por ningún lado.
Hola, Esteban. Gracias por tu mensaje. Pero me has dejado intrigado con el tema que mencionas. De los setenta el único que recuerdo con Fly como inicio es «Fly Robin, fly» de la banda Silver Convention, alemana para más detalle. ¿A cuál te referías vos? Saludos desde Colonia. HjV
Hola!!!me encanta la página!! Ahora con motivo de las navidades he pensado en regalar un libro sobre artistas de los 70 en EEUU, que comente las canciones y la relación entre ellos, así como el contexto histórico. Si me pudieseis dar alguna sugerencia sería genial!!!
Muchas gracias!!
Hola, Felipe. Gracias por tu mensaje. La idea que manifiestas me parece muy buena, pero no conozco ningún libro así. Buscando en la Red me he dado con Generación Tocata: La música pop de los 70 y 80. A seguir buscando. Suerte. Saludos desde las afueras de Colonia. HjV
Excelente recopilación. Con respecto a Fernando de Madariaga, su apellido correcto es MAUTINO. Muchas gracias.
Hola, Pirulo. Gracias a ti, che. Saludos desde Alemania.
Qué gran aportación a la memoria de los años 70’s. Estoy tratando de recopilar música de aqueeeeellos tieempos y este blog me sirvió de maravilla. Saludos desde Guadalajara, Jalisco. México.
Hola, José. Mira qué gusto, un hermano mexicano por esta bitácora. Gracias mil. Saludos desde Colonia. HjV
Jorge estamos muy contentos, la Generación 74-78 te agradece por esta compilacion y te da las gracias por expresarte tan bien de nosotros como hermanos, sobre todo de un genio musical como Carlitos Santana.
Hola, José. Bienvenidas tus amables palabras. Gracial mil. Saludos por donde estés. HjV
Lo han dicho todo en los comentarios anteriores. ¡Muy buenos! Y en el mismo tenor de tu documentación. ¡Muy buenos temas!… Me tiene hipnotizado el tema que interpreta Tina Charles-I love to love, entre otras. ¡Gracias por compartir!
Hola, Francisco: Gracias a ti. Saludos por el lindo y querido México. HjV
Nací en el ’72, en Oaxaca, México.
que tal Hermano a proposito de frases esta no es mia la encontre en el face; El Dinero no compra la Felicidad,pero compra tacos.y yo nunca he visto gente triste comiendo tacos
Hola, José. Obviamente que quien no tiene para tacos, no puede ser feliz. Lo que sí está demostrado es que a partir de cierta cantidad, la felicidad ya no crece, puede menguar incluso. El ser humano no necesita mucho para ser feliz, pero el sistema le hace creer que a más dinero mayor felicidad. Lo que no es cierto. Todo esto no sería nada más que anecdótico, si no fuera porque no hay millones sin consecuencias: la acumulación de grandes capitales solo se puede conseguir a costa de exprimir a otros y especulando. Ya tuvimos una gran crisis mundial y seguimos sin aprender. Saludos desde Colonia. HjV
Saludos y si tienes razon,los seres humanos no aprendemos las lecciones que nos da Dios,o la vida,dependiendo de la forma de pensar de cada quien.Y a proposito me encontre otra muy buen a que se la adjudican a Homero Simpson:El dinero compra todo, pero lo que no puede comprar es ….. !!!!Un Dinosaurio¡¡¡
Hola Jorge, muy agradable selección. De forma similar a ti, vengo recopilando todos los temas que me gustan, hasta ahora son más de 2000 y sigo hallando, con la inestimable ayuda de youtube.¡Que hermosa es la música, donde el placer y el gozo se imponen a la desabrida y tonta competencia! Felicitaciones, saludos desde Argentina.
Hola, Edgardo. ¿Agradable? ¡Tu comentario! La música como túnel del tiempo y puerta al pasado. Gracias mil. HjV